Musique – Tournesol

Lalaband

Le quatuor

Les quatre chanteurs de formation classique et opératique se rencontrent en 2024 au sein du chœur de Radio France et découvrent qu’ils partagent le même goût pour le répertoire a capella et les arrangements close harmony. Les premières répétitions les confortent dans leur choix et leur enthousiasme les poussent à chercher des arrangements musicaux leur permettant d’interpréter un répertoire éclectique avec une palette de couleurs vocales riches et audacieuses. Ils décident de conserver leur atout ; une vocalité classique développée pour interpréter des chansons du répertoire traditionnel anglo- saxon ou d’arrangements harmoniques complexes jazz.

Sarah Dewald, mezzo-soprano

Titulaire du diplôme de spécialisation en opéra de l’Académie de Musique de Strasbourg, la mezzo soprano Sarah Dewald est finaliste du concours de Béziers en 2012, lauréate du Concours International de Chant de Paris et reçoit en 2009 le prix féminin Soroptimist International. Après s’être perfectionnée auprès de la mezzo soprano Hedwig Fassbender, elle chante sous la direction de prestigieux chefs d’orchestre comme Stefano Montanari, Enrique Mazzola, Mikko Franck, Myung – whun Chung, Daniele Gatti, Rinaldo Alessandrini, Leorardo Garcia Alarcon, Kent Nagano, Daniel Harding, Tarmo Peltokosky, Gergely Madaras et travaille avec des metteurs en scène de renom comme Robert Carsen, Waut Koeken, Keith Warner et David Mc Vicard.

Elle fait ses débuts sur la scène de l’Opéra National du Rhin en 2006 et crée le rôle de Mordechai Meisel dans Le Pont des ombres d’Olivier Desjours. Elle est la deuxième Dame dans Die Zauberflöte lors du Festival de Strasbourg et elle interprète à plusieurs reprises le rôle-titre de Carmen de Bizet et Dorabella dans Cosi fan Tutte de Mozart sur les scènes alsaciennes. Lors de l’Académie lyrique de Vendôme 2013, elle est Rossweisse dans Die Walküre de Wagner.

Depuis 2015 avec le Chœur de Radio France, elle participe régulièrement aux Chorégies d’Orange, au Festival de Radio France de Montpellier, au Festival d’Aix en Provence, au Festival Berlioz de la Côte Saint André et pendant le confinement de 2020, elle enregistre un tutoriel sur le Cantique de Jean Racine de Gabriel Fauré. Elle est également invitée à se produire en soliste comme lors du Requiem de Mozart au grand auditorium de la Maison de la Radio, Ständchen de Schubert, la Missa Brevis de Mozart, Clairs de lune de Charles Koechlin, Nekuia de Xenakis et l’année dernière La Naissance de Vénus de Gabriel Fauré.

Récemment, elle interprétait en soliste invitée le Gloria, Magnificat et Beatus Vir de Vivaldi en Ile-de- France, le Stabat Mater de Karl Jenkins au théâtre de Poissy, la Petite Messe Solennelle de Rossini à l’Oratoire du Louvre et la cantate Davide Penitente de Mozart à la cathédrale de Strasbourg.
Cet été, elle est invitée par le Festival d’Autan d’Albi pour chanter Dorabella dans Cosi Fan Tutte de Mozart.

Marie-George Monet, alto

Après une licence de musicologie à l’université François Rabelais de Tours, Marie-George Monet intègre la Guildhall School of Music and Drama de Londres dans la classe de David Pollard. Elle travaille régulièrement auprès de personnalités telles qu’Eugène Asti, Sarah Walker, et Peter Robinson. Très attachée au travail polyphonique explorant le répertoire allant de la musique médiévale à la création contemporaine, elle collabore régulièrement avec des ensembles vocaux tels que l’Ensemble Musicatreize (Roland Hayrabédian), Sequenza 9.3 (Catherine Simonpietri), Accentus (Laurence Equilbey), Solistes XXI (Rachid Safir), De Caelis (Laurence Brisset) et Macadam Ensemble (Etienne Ferchaud). Elle participe ainsi à de nombreux festivals dont Aix-en-Provence, La Chaise Dieu, Noirlac, Saintes, Radio France Occitanie, Présences, Salzburg, Cuenca, Varazdin, Hong Kong, Oslo…

Marie-George Monet se produit également en soliste dans le répertoire d’oratorio, notamment dans le Te Deum de Charpentier à Londres, la Messe en Mib Majeur de Schubert au festival de Cuenca en Espagne, Threni de Stravinsky à l’amphithéâtre Bastille, Via Crucis de Liszt à la Cité de la Musique, Athalie de Mendelssohn à l’opéra de Rouen, Les Vêpres de Rachmaninov à Saint Eustache, Die Schöpfung de Haydn au Théâtre des Champs Elysées. Sur la scène, elle interprète la Messaggiera (Orfeo, Monteverdi), Arnalta (Le Couronnement de Poppée, Monteverdi), la Troisième Dame (La Flûte enchantée, Mozart), La Sorcière (Hansel und Gretel, Humperdinck), La Justice Divine (Il Diluvio Universale, Falvetti) au sein de diverses compagnies.

Elle enregistre plusieurs cycles de mélodies : Omega de Félix Ibarrondo, Peephole Metaphysics de Frédéric Pattar sous la direction de Sébastien Boin avec l’ensemble C Barré, ainsi que Safous Mele sous la direction de Roland Hayrabédian dans le disque Pluie d’or consacré à François Bernard Mâche. Ces deux derniers albums feront partie de la sélection du Grand Prix Lycéen des Compositeurs 2021. Dans le cadre des Contes de la Maison Ronde, elle prend part au concert Le Petit Poucet, qui est actuellement diffusé en podcast sur France Musique. Elle collabore régulièrement avec Les Traversées Baroques (direction Etienne Meyer) et se produit cette année au Grand Théâtre de Dijon, ainsi qu’en tournée pour le Mid Europe Early Music Festival en Pologne. Elle a récemment interprété l’alto solo dans Noces de Stravinsky sous la direction de Lionel Sow à l’auditorium de Radio France, ainsi que le Requiem de Mozart avec l’orchestre Les Siècles et l’Oratorio de Noël de Bach à la fondation Gulbenkian de Lisbonne sous la direction de Martina Bati.

Nicolae Hategan, ténor

Nicolae Hategan est né en Roumanie. Après des études d’électronique et passionné par la musique, il décide de devenir chanteur ténor lyrique professionnel, étudiant au Conservatoire de Timosoara. Après 3 saisons au Chœur de la Philarmonie de Timisoara, il réussit à 25 ans le concours d’entrée au Chœur de Radio France. Depuis 2015, il est régulièrement choisi pour chanter en soliste dans plusieurs ouvrages à Radio France dont les fameux Carmina Burana de Carl Orff à l’auditorium de la maison de la radio, dirigés par Sofi Jeannin et Martina Batic. Il est aussi sollicité régulièrement en France pour chanter les parties soliste de : Requiem de Mozart, La Création de Haydn, Stabat Mater de Rossini.

Mark Pancek, baryton

Mark Pancek, baryton britannique, se forme à la Royal Academy of Music et au National Opera Studio de Londres, remportant de nombreux prix, dont le Concours International Kathleen Ferrier en 1992. Il développe un large répertoire, allant de Purcell, Monteverdi et Bach aux contemporains Maratka, Param Vir et Bepler. Passionné de musique sacrée, il interprète les Requiem de Mozart, Fauré, Brahms et Duruflé, ainsi que Carmina Burana d’Orff. À l’opéra, il chante sur les plus grandes scènes européennes, incarnant Falstaff (Verdi), Wozzeck (Berg), Scarpia (Tosca), Figaro et le Comte (Le Nozze di Figaro), Marcello (La Bohème), ainsi que Moralès et le Dancaïre (Carmen). Il collabore avec des chefs prestigieux comme Philippe Herreweghe et Kent Nagano. Admirateur de Britten, il interprète War Requiem en Roumanie et Child of our Time en Allemagne.

Il se produit en soliste avec les orchestres de Radio France, notamment dans le Magnificat de J.S.Bach en 2007, le Requiem de Mozart en 2015, en juillet 2016, 2017 et 2019 il chantera la partie de baryton solo dans Carmina Burana au Festival de Radio France à Montpellier, à Radio France au Capitôle de Toulouse, et au Grand Théâtre de Aix en Provence. Également récitaliste, il se produit à St John’s Smith Square (Londres) et enregistre en 2023 l’album Schubertiade avec le Quatuor Bergamasque, interprétant des lieder de Schubert. Depuis 2024 Mark chante avec un quatuor vocale mixte qui s’appelle LalaBand. En 2024 mark chante la partie du baryton dans le Requiem Berlinois de Kurt Weill et la partie de basse dans la Naissance de Vénus de Gabriel Fauré.

Marsu Lacroix

Marsu Lacroix est une chanteuse, comédienne, révélée dans le spectacle Les Franglaises – Molière du meilleur spectacle musical 2015 – spectacle dont elle est co-auteure et directrice artistique. Elle y a interprété pendant 15 ans le premier rôle féminin explosif de Claire, la Diva.

Marsu fait du théâtre et du chant depuis sa plus tendre enfance. À l’adolescence, elle suit une formation théâtrale à Côté Cour École de l’Acteur puis joue dans la Compagnie Pierre Barayre où elle prend goût à l’esprit de troupe et à l’écriture. Entre Paris, Avignon, elle enchaîne les spectacles en salle ou à ciel ouverts, en tournée… Elle joue aussi dans plusieurs productions jeune publique, et se forme en parallèle au trombone à coulisse.

En 2021, Marsu décide de se lancer dans la discipline du clown afin de prendre tous ses bagages et de travailler un univers où sa polyvalence sera mise en avant. Elle est repérée par l’agence CallBack puis l’agence Happy et se crée de nouvelles expériences avec la caméra (La vertu des impondérables de Claude Lelouch, Les Dissociés des Suricates, campagne de pub Citroën) et se forme en parallèle au doublage dialogue et chant chez Dub-School ainsi qu’à la voix off.

Tout ce qui est lié à la voix et aux mots passionne Marsu et c’est ce qui fait d’elle une interprète pleine d’espièglerie et de sincérité.

Marius Pirabot

Marius Pibarot est un musicien franco-américain, multi-instrumentiste, compositeur et arrangeur, qui travaille entre Paris et New York, ainsi que partout où ses concerts le conduisent. Il joue du violon, de la guitare et de la contrebasse, et interprète ses propres compositions. Il se produit parfois en solo, à l’aide de pédales d’effets et d’une station de boucles, et parfois accompagné d’autres musicien·nes de jazz. Depuis sa jeunesse, il a beaucoup voyagé afin de découvrir les musiques et les cultures de différents pays, notamment celles du Venezuela, de l’Inde, de l’Arménie, de la Turquie et, bien sûr, des États-Unis, qui viennent toutes enrichir ses créations.

Son travail de compositeur comprend les bandes originales de plusieurs courts et longs métrages, parmi lesquels deux documentaires : Petits Arrangements avec l’Amour, réalisé par Ilana Navaro et diffusé sur la télévision nationale française, ainsi que Venezuela, l’Ombre de Chavez, réalisé par Laurence Debray et diffusé sur Arte, chaîne culturelle européenne.

En 2018, Marius cofonde The Glissandos, un duo formé avec Duncan Wickel, figure importante de la scène folk et jazz new-yorkaise. Avec deux violons, un violoncelle, deux voix et des textes en français, en anglais ou dans les deux langues, The Glissandos est un projet qui réunit les compositions des deux musiciens.

Le Collectif Medz Bazar occupe une place centrale dans la vie de Marius depuis 2012. Composé d’artistes arméniens et turcs issus de parcours variés, ce groupe fait vivre la culture des diasporas urbaines en puisant dans les musiques du Moyen-Orient. Le collectif se produit à travers le monde, notamment en Russie, en Arménie, en Géorgie, en Irak, en Europe, aux États-Unis et au Canada.

Marius joue également de la contrebasse au sein de l’ensemble vénézuélien Avila Quartet. Il se produit aussi avec d’autres formations de musique vénézuélienne, notamment aux côtés de Cristobal Soto et d’Emmanuelle Saby, et participe activement à la scène musicale vénézuélienne parisienne et européenne.

Formation

Durant son enfance, Marius étudie le violon classique avant de se tourner très rapidement vers le jazz auprès de Didier Lockwood en France et de Christian Howes aux États-Unis. Après deux années d’études en sciences humaines, avec une spécialisation en philosophie, il intègre les conservatoires à rayonnement régional de Paris et de Cergy-Pontoise, où il étudie le violon, la contrebasse et l’arrangement jazz dans le cadre d’un cursus de niveau supérieur.

Audrey Thémis

Audrey Thémis, chanteuse-auteure-compositrice, sort son 1er EP de 5 titres à l’automne 2025. Elle partage dans ses textes et sa musique son « ADN » d’hypersensible, son intensité et sa personnalité résiliente qu’elle qualifie elle-même d’« animale ».

En tant que chanteuse-interprète, elle a collaboré tout au long de sa carrière avec de nombreux artistes dans l’univers du rap, de la variété-pop, de l’électro ou encore du jazz et travaille actuellement sur un projet avec l’un des membres du groupe Kassav’ renouant avec ses racines et l’une de ses premières influences musicales.

Elle rejoint Les Franglaises en 2019 et joue le rôle de Liliane dans ce spectacle culte (Molière du Théâtre Musical en 2015, Prix du Public des trophées de Comédie Musicale en 2023), un terrain de jeu qui lui permet de livrer ses émotions au public en étant que comédienne, chanteuse ou encore saxophoniste.

Après toutes ces collaborations artistiques, Audrey trouve sa signature vocale et musicale au côté de son acolyte de longue date, Claude Azaba, en fusionnant le downtempo, l’indie soul, l’afro-pop, la pop alternative, le trip-hop ou encore l’électronica et en se livrant tour à tour en anglais, en français ou en créole sur tout ce qu’elle traverse :

1000 questions sans réponse dans sa tête, se sentir incomprise, le vide ou la renaissance, des envies qui débordent, une journée qui commence très mal, le silence d’une nuit où tout bascule…

Claire Nouet

Grâce à une enfance imbibée de musique passée non loin du Mans, Claire Nouet a nourri son imaginaire et sa compréhension musicale avant de se mettre sérieusement à étudier le piano et le chant. D’abord lancée dans des études de médecine, elle comprend qu’elle ne s’épanouira qu’en dédiant sa vie à la musique. Sa passion l’appelle à composer, arranger ses morceaux favoris et surtout partager ses émotions avec le public. Diplômée de l’école Didier Lockwood, elle est prête à chanter, jouer et enfin vivre de sa passion.

Claire Nouet est une musicienne compositrice et parolière. Par sa voix douce et profonde, Claire Nouet vous transmet son amour de la musique. Mélomane chevronnée elle chante du jazz, du funk, des chansons à texte, du rock. Avec l’aide de son piano, elle compose des mélodies surprenantes et délicieuses et joue ses morceaux avec son quartet Da Carmine. S’inspirant des maîtres tels que Claude Nougaro, Barbara mais aussi Ange, Claire Nouet mélange sens, rythme, sonorités, rimes pour donner à ses compositions une dimension narrative. Elle écrit en français et en anglais.

Galaad Moutoz

Formé d’abord au piano classique, à la musique ancienne, à la composition et à la direction d’orchestre, Galaad Moutoz tombe amoureux du jazz, qui ne le quittera plus. Pianiste volubile aux goûts éclectiques, il travaille autant Earl Hines, Red Garland et Oscar Peterson, que Couperin ou Rameau. Côté composition, il s’inspire de figures telles que Cole Porter, Jean-Baptiste Lully, Duke Ellington, ou encore Gabriel Fauré.

En 11 ans de carrière musicale, il a tourné dans le monde entier (Espagne, Corée, Allemagne, Thaïlande, Belgique, UK, Israel, Algérie …) et joué dans les plus belles salles (Opéra Garnier, Jazz Club Étoile, Palais Brongniart, Duc des Lombards, etc …). Quand il ne dirige pas sont orchestre, il accompagne souvent la chanteuse Anna Stevens et assure la direction artistique. Passioné de musiques vocales, il propose aujourd’hui un répertoire de compositions jazz mêlant des accents de classiques de broadway, de musique baroque, de pop, de folk, et bien sûr de swing.

Ellinoa

Compositrice, vocaliste et cheffe d’orchestre, Ellinoa, de son vrai nom Camille Durand, développe une musique à la croisée du jazz de création, de la musique orchestrale, de la pop expérimentale et de l’improvisation. Formée au conservatoire de Bobigny puis au Centre des Musiques Didier Lockwood, elle se distingue par une écriture narrative qui joue avec les frontières entre le familier et l’inattendu. Son parcours a été récompensé par de nombreuses distinctions, et elle a notamment été finaliste pour la direction de l’Orchestre National de Jazz en 2024.

En 2014, elle fonde le Wanderlust Orchestra, ensemble de quinze musicien·nes devenu le principal laboratoire de sa créativité. Après un premier album mêlant jazz, musique symphonique et musique de film, elle poursuit ses recherches avec Ville totale, album-concept conçu pour la 3D sonore, entre conte dystopique, suite orchestrale et univers de jeu vidéo. Elle développe également des projets aux esthétiques variées, comme l’Ellinoa Sextet, le projet pop expérimental Ophelia ou Björk Acoustik.

Parallèlement à ses créations personnelles, Ellinoa collabore avec de nombreux artistes et ensembles, parmi lesquels l’Orchestre National de Jazz, Anne Pacéo, Ludivine Issambourg, Thomas Julienne, Omar Sosa, Sixun ou David Linx. Son agilité vocale et sa capacité à naviguer entre les styles font d’elle une interprète et une compositrice particulièrement recherchée.

Engagée dans la transmission et dans les réflexions sur les conditions de production de la musique, elle enseigne notamment au CRR de Paris et au Centre des Musiques Didier Lockwood. Vice-présidente de la fédération Grands Formats, elle défend également une musique vivante plus écologique et plus attentive aux droits des artistes. Elle compose régulièrement sur commande pour des orchestres, festivals, conservatoires et institutions culturelles.

Pégazz & l’Hélicon

Pégazz & l’Hélicon, laboratoire de musiques improvisées, est un collectif de musicien.ne.s de jazz et musiques improvisées d’Île-de-France, réunis autourde la création, la production et la diffusion de formes musicales plurielles : groupes, festival, tournées, enregistrements, actions artistiques et culturelles.

Puisant aux racines du jazz mais affranchis de ses codes sous l’influence d’autres univers musicaux (rock, musique baroque, contemporaine, musiques traditionnelles), les musicien.ne.s du collectif se retrouvent dans leur goût du décalage, des instrumentations atypiques et des grands ensembles, se jouant des formes musicales et travaillant la matière sonore sans concession. Le collectif milite aussi dans la défense de certaines valeurs qui lui sont chères : défense des droits des musicien.ne.s, écologie, égalité Femme/Homme.

Ses actions s’articulent notamment autour des projets de Paul Jarret, Grégoire Letouvet, Julien Soro, Raphaël Schwab, Marc Benham et Delphine Deau depuis 2022, ainsi que des rencontres avec d’autres artistes et collectifs de notre réseau (Pégazz Festival, soirées Pégazz).

Pégazz & l’Hélicon est ensemble associé au Pavillon de la Sirène, lieu culturel dans le 14e arrondissement de Paris de 2023 à 2025.

Martin Pauvert

Baigné dans un univers musical dès son enfance, Martin Pauvert commence le violon au Conservatoire de Saint-Nazaire. Très vite, l’aspect vocal et polyphonique enchante ses inspirations pour la chanson. Au Conservatoire de Rennes ainsi qu’à la Bill Evans Piano Academy de Paris, il étudie le jazz en piano, puis en contrebasse. Après avoir obtenu son diplôme du C.F.M.I., il enseigne pendant un an au Conservatoire de Rennes en tant que Musicien Intervenant, puis au Lycée Français Charles De Gaulle de Londres.

Passionné par la culture cubaine, il fonde le groupe Café Con Leche, dans lequel il gère les arrangements musicaux ainsi que les différentes tournées. Il joue dans la Périchole avec l’Opéra De Rennes le rôle du Marquis de Tarapote sous la baguette de Gildas Pungier et la mise en scène de Jean-Michel Fournereau. Parallèlement, il monte plusieurs spectacles et projets musicaux dans les écoles primaires, collèges, ou encore en formant les étudiants en musicologie. Suite aux projets réalisés dans le cadre de spectacles pour enfants, la comédienne et réalisatrice Judith Godrèche fait appel à lui pour la seconder sur la mise en scène du clip « Toutes les filles pleurent ».

Il rejoint ses deux acolytes à Paris pour former TRIWAP, groupe dans lequel s’entremêlent la musique, la danse, la mise en scène et aussi l’humour ! Plus de 400 représentations, dont 5 Festival d’Avignon, 11 Olympia et 2 Zénith (en 1ère partie de Michèle Laroque et Muriel Robin). Il intègre la troupe de NEW, la comédie musicale improvisée (piano), ainsi que Franglaises, spectacle musical (comédien chanteur), à l’affiche de Bobino, du Casino de Paris et en tournée partout en France !

Anousha Nazari & Antoine Morinière

Le duo

Ce duo invite à nous immerger dans un « Labyrinthe Baroque » de l’Europe à la Perse, où les œuvres de Haendel, Dowland et Strozzi rencontrent les mélodies captivantes du compositeur persan du XVe siècle, Abd al-Qadir Maraghi. Grâce à des arrangements uniques pour voix et guitare, le programme crée un pont entre les époques, les cultures, célébrant l’harmonie née de la diversité. Chaque œuvre soigneusement choisie révèle une nouvelle facette de la musique ancienne, offrant une expérience à la fois intime et immersive. Cet itinéraire artistique prend vie grâce à un duo dont l’identité artistique singulière et la présence internationale donnent au programme toute sa profondeur et sa résonance. Animés par un engagement commun à construire des passerelles entre traditions musicales et univers poétiques, ils insufflent à chaque performance authenticité, sensibilité et audace. Une invitation à pénétrer dans un paysage sonore où les frontières culturelles s’effacent avec grâce.

Anousha Nazari, mezzo-soprano

Avec un répertoire et une culture qui fusionnent des influences persanes et européennes, Anousha Nazari construit un pont entre ces deux mondes à travers ses interprétations. Née sur les rives de la mer Caspienne, elle se distingue en remportant le Prix International du Festival de Musique de Téhéran dans la catégorie des chœurs. En 2014, elle a rejoint l’Orchestre Symphonique de Téhéran, alors dirigé par le Maestro Alexander Rahbari. En 2016, Anousha Nazari s’installe en France pour poursuivre sa passion et perfectionner son expertise musicale. Après avoir chanté dans des salles illustres en Iran, telles que le Roudaki Hall et le Vahdat Hall, elle étend son rayonnement à des lieux emblématiques européens, notamment la Philharmonie am Gasteig à Munich, la Salle Cortot, les Beaux-Arts de Paris et l’Hôtel de Lauzun.

Elle collabore avec des partenaires de renom tels que Sonia Wieder-Atherton, Julie Gayet et Shani Diluka, parmi d’autres. Son premier album, Sounds of Ancestors, a été publié en 2021 par le Samuel Jordan Center for Persian Studies & Culture de l’Université de Californie. Son second album, In Vino Veritas : Hommage à Khayam, a été produit et publié en 2024 par Gondishapour en partenariat avec la Société Nationale des Beaux-Arts. Au-delà de ses performances sur scène, Anousha Nazari a présenté un cycle de vidéos musicales en partenariat avec des institutions telles que le Théâtre des Champs-Élysées et la Philharmonie de Paris, partageant son art avec un public plus large.

Antoine Morinière, guitariste

Lauréat de nombreux concours internationaux de guitare classique (Séville, Vienne, Antony, Tivat, Léopold Bellan, Olstzyn, Santa Cecilia…), Antoine Morinière a été amené à jouer en musique de chambre avec des artistes tels que Thibaut Garcia, Philippe Bernold, Raphaël Sévère, Manon Galy, Marianne Piketty, Fatma Saïd, Hanna Salzenstein, Joséphine Olech, Raphaël Feuillâtre et Gabriel Bianco. Intéressé par la musique contemporaine, il collabore avec plusieurs compositeurs et compositrices, comme Rikako Watanabe, Raphaël Sévère, Leo Brouwer ou encore Jean-Frédéric Neuburger. Très actif par l’intermédiaire de son duo de guitares avec Thibaut Garcia, il monte à ses côtés un programme de musique baroque autour de Bach, Couperin, Rameau et Scarlatti.

Depuis plusieurs années ans, les deux musiciens tournent avec un nouveau projet autour de la transcription des Variations Goldberg de J.S. Bach, jouées sur des guitares jumelles spécialement conçues pour cette pièce par Hugo Cuvillier. Toujours en quête de nouveaux répertoires, Antoine Morinière a commencé à jouer avec des artistes de musique du monde tels que Sami Yusuf, Ballaké Cissoko et Nabyla Maan, dans des événements comme le Festival des musiques sacrées du monde de Fès (Maroc) ou le Tanweer Festival à Dubaï. Il a également lancé un nouveau projet intitulé « Labyrinthe Baroque » avec la mezzo-soprano iranienne Anousha Nazari, mêlant les sonorités des musiques anciennes occidentales et orientales issues de Maraghi.

Mazel b.

Mazel b.

Comédienne, chanteuse, metteur en scène, pédagogue (Théâtre et chant) art-thérapeute, et psychanalyste, Ruth Benarroch cherche à créer des spectacles autour de la différence, et mettre au service de ceux qui souhaitent travailler leur « savoir être » tous les outils qu’elle a pu glaner durant son parcours en s’adaptant aux demandes qu’on lui formule et en invitant chacun à créer… Ses outils principaux, le corps, la voix, la psyché et la saveur de l’instant…

À 19 ans, elle entame une formation de théâtre, et de chant avec Liliane Delval-Léotard et Guy Segalen (Thèâtre du Soleil et Théâtre du Campagnol). Puis très rapidement le chant et l’improvisation vocale prennent de plus en plus de place… Dans une quête d’apprentissage, elle cherche tous les endroits où elle peut s’y former : le Théâtre du Lierre, Jean-Yves Penafiel, les chants du monde avec Martina Catella (Les Glottes Trotters) le chant lyrique et médiéval avec Jasmin Martorell (Cie de la Luette), le chant et solfège indiens avec Jamuna Krishnan, puis la voix dans une approche plus globale, en entamant une formation de professeur de voix au Pantheatre et au Roy Hart Theatre avec Linda Wise, Enrique Pardo, Ulrich Badford, Saul Ryan, Walli Hoeffinger, Ian Magilton, Carol Mendelsohn et Jonathan Hart Makwaia…

Quant à son travail sur scène, elle chante des chants du monde avec son groupe « Mazel b. Musique des âmes du monde ». Elle joue des contes qu’elle écrit. Et crée des spectacles au gré des rencontres… Toute son activité, spectacles comme ateliers s’orientent autour de la différence, pour ne pas dire singularité. Culture, handicap, inter-génération, etc. De son point de vue, nous avons tendance à sous-estimer l’importance de la voix alors qu’elle prend racine et résonne dans notre corps tout entier, qu’elle véhicule au quotidien, notre pensée, nos émotions, notre histoire… tout ce que nous avons de plus intime, puisqu’elle s’est fabriquée pour chacun dans le ventre maternel avec tout ce que cela comporte d’Histoire(s)…

Ses années de travail théâtral, vocal et psychanalytique, lui ont enseigné le bonheur, le plaisir et la liberté de se laisser voguer au gré de l’instant ; apprendre à reconnaître en soi la source de notre voix pour la laisser créer… Désormais, elle ne veut pas rester seule avec ce cadeau et son bonheur est de pouvoir partager cela avec tous ceux qui sentent intimement que leur voix à besoin de dire… Quel qu’en soit le moyen… Le théâtre, le chant, la prise de parole en public, l’expression corporelle, la méditation, l’art-thérapie, la psychanalyse : la mise en lumière de la force créative !

Maxime Perrin

Musicien accordéoniste, Maxime Perrin évolue au sein de formations musicales variées allant de l’orchestre jazz, gypsie à la chanson, en passant par le rock et les musiques urbaines. Polyvalent, il accompagne des pièces de théâtre, spectacles de la Ligue d’improvisation et one man shows (Christophe Alévêque, Festival d’Avignon, Chloé Dumond…), propose des animations musicales jazz et dispense des cours d’accordéon et d’improvisation.

Samuel Thézé

Il commence l’apprentissage de l’instrument à l’âge de 13 ans. Il passe son DEM classique au CRR de Rennes dans la classe d’Hervé Delporte en 2009. En Parallèle, il obtient une licence de musicologie à l’université de Rennes II en 2010 et rejoint Paris se perfectionner pendant deux ans avec Pierre Génisson (soliste international) et Arnaud Leroy (clarinettiste à l’orchestre de Paris). Il commence sa vie professionnelle en 2012 avec le duo Thézé. Ainsi qu’avec la compagnie Prospero , ou il fait la Création musical d’un spectacle de lectures de poésies contemporaines. Eclectique, il se produit et compose actuellement pour diverses formations, aussi bien en musiques improvisées, musiques actuelles, accompagnant des pièces de théâtre, de la danse contemporaine, du spectacle jeune public.

Orchestre National de Jazz

L’Orchestre National de Jazz a été créé en 1986 par le ministère de la Culture pour affirmer dans un geste politique fort sa volonté de reconnaissance du jazz et d’une production musicale dont la richesse ne cesse de s’étendre. Cet orchestre unique a vu se succéder 12 directions musicales et artistiques, a accueilli plus de 200 solistes et invité de nombreux artistes internationaux, s’est produit en concert sur tous les continents et produit 33 albums. À travers son histoire, l’ONJ a amplement participé au rayonnement du jazz et des musiques improvisées en offrant un vaste panorama de la création française.

Nommée en mars 2024 à la direction artistique de l’Orchestre National de Jazz pour un mandat de quatre ans, renouvelable deux ans, la flûtiste et compositrice Sylvaine Hélary inaugure son projet en 2025.

Figure incontournable de la scène jazz européenne et artiste singulière se démarquant, depuis de nombreuses années, par un travail aux confluents du jazz, du rock, de la musique de chambre et des musiques expérimentales, Sylvaine Hélary a imaginé pour cette année de lancement deux créations rassemblant près d’une trentaine d’artistes de toutes générations : la première, With Carla, revisite l’univers protéiforme de Carla Bley pour un hommage réjouissant à cette grande figure iconoclaste du jazz ; la seconde, à destination des adolescent·e·s mais aussi des plus grand·e·s, s’empare du film culte de 1973, La Planète sauvage, pour offrir un spectacle hybride et immersif où coexistent un patrimoine cinématographique et musical unique, et un art d’aujourd’hui.

En lien avec les créations, les missions de sensibilisation et de transmission demeurent un axe essentiel de l’ONJ, notamment à travers de nouvelles actions dévolues à la jeunesse, aux publics éloignés, et autour de la représentation des femmes dans le jazz.

Crédit photo : Sylvain Gripoix

Noé Clerc

Noé Clerc est un jeune accordéoniste et compositeur éclectique. Après des études au Conservatoire National Supérieur de Paris et un double cursus classique et jazz, il démarre sa carrière et évolue dans différents univers musicaux.

Il crée en 2018 le Noé Clerc Trio avec le contrebassiste Clément Daldosso et le batteur Elie Martin Charrière avec lequel il se produit dans de nombreux festivals et remporte plusieurs prix (Jazz à St Germain des Prés 2019, prix d’instrumentiste de la défense jazz festival 2021, lauréat jazz migration 2022). Le trio sort un premier album Secret Place sous le label NoMadMusic qui reçoit un accueil chaleureux de la presse.

Il travaille au sein du groupe franco-serbe « Undectet Band & Magic Malik » et sort l’album Frame and curiosity en 2019 sous le label Moon June Reccords. Il collabore à plusieurs reprises en Israël avec le oudiste et compositeur Habib Sheahadeh Hanna dans son projet Our Story qui mêle jazz et musique arabe. En mars 2019, il est invité par l’Alliance Française de New Delhi à participer au projet InChorus qui donnera lieu à une tournée en Inde avec le joueur de tablas Zaheen Khan et le chanteur Ujwal Nagar.

Il intègre la même année l’ensemble « Mosaïc » qui réunit 6 musiciens de différentes traditions musicales de la Méditerranée. Il joue avec de nombreux artistes et ensembles de jazz tel que, Ana Carla Maza, Denis Leloup, François Thuillier, l’Orchestre National de Jazz, Jean Marie Machado, Vincent Ségal, Fidel Fourneyron, Robinson Khoury, Minino Garay…

Parallèlement, il joue avec des orchestres classiques et ensembles de musique de chambre : l’Opéra National de Lorraine, la Symphonie de Poche, l’Orchestre Régional de Normandie, l’ONCEIM, les compagnies « Opéra Eclaté », « la Tempête », la chorégraphe Elsa Bontempelli. Amoureux du théâtre, il travaille avec le Hall de la Chanson sur plusieurs créations revisitant le patrimoine de la chanson française ainsi qu’avec le comédien Antonio Interlandi dans son spectacle Pasolini en forme de rose. Passionné et curieux, il est toujours en quête d’aventures musicales nouvelles.

Juliette Delas

Originaire des Landes, Juliette Delas commence la clarinette classique à 7 ans. Adolescente elle s’accompagne à la guitare, chante et découvre les joies du jeu en groupe : musique actuelle, orchestre, musique de chambre. Plus tard, elle étudie et se prend de passion pour le jazz à Toulouse puis au Pôle Supérieur de Paris (PSPBB). Vocaliste instrumentiste, elle travaille l’oreille et l’improvisation en imitant le saxophone, le piano ou la trompette. En mêlant ses différentes influences à son attrait pour les histoires et les mots, elle aspire à développer une musique juste, tendre et créatrice d’imaginaires. Au gré de mélodies fortes et ambitieuses, portée par ses textes, elle raconte des histoires intérieures et insuffle l’air des grands espaces. En quête de justesse et de simplicité, sa voix ronde et délicate mets du baume au coeur. Elle compose pour Îluje, quintet avec lequel elle signe son premier EP “Mes pensées fleuriront demain” en novembre 2023. En mai 2024 elle sort un nouvel EP “Coalition colorée” avec son trio parisien. Elle signe « Retrouver les trésors », un nouvel EP en trio en avril 2026. Elle s’entoure pour cet album des étoiles montantes Levi Harvey au piano et Cyril Drapé à la contrebasse.

Duo Canopée

Le Duo Canopée est né de la rencontre entre la guitariste Laura Rouy et la violoncelliste Pauline Ngolo au cours de leurs études au Conservatoire d’Amsterdam. Guidées par l’enseignement et l’inspiration de musiciens de renommés internationales comme Gabriel Bianco, Maarten Mostert, Michel Dispa, Izhar Elias et Atanas Ourkouzounov, elles décident d’explorer ensemble les sonorités originales et contrastées de leurs instruments.

Leur répertoire, riche en couleurs, dynamisme et mélodies expressives, mêle des musiques d’Amérique latine et d’Espagne, avec des œuvres d’Astor Piazzolla, Heitor Villa-Lobos et Manuel de Falla, à des arrangements de célèbres airs de Franz Schubert, Gabriel Fauré et Piotr Ilitch Tchaikovski. Désireuses de faire découvrir un répertoire éclectique, elles interprètent également des œuvres de compositeurs contemporains tels que Ricardo Iznaola, Mathias Duplessy, Atanas Ourkouzounov, Laurent Boutros et Christophe Basset, offrant ainsi un voyage musical à travers des rythmes et harmonies variés et des modes de jeu innovants.

Le duo se produit en France, aux Pays-Bas, en Belgique et en Suisse, et est invité à de nombreux festivals parmi lesquels le Festival Orangerie de Bagatelle, Grachtenfestival, Festival Les Acousticales, Red Light Art and Culture Amsterdam, Paris Guitar Festival, Festival Emmenez-moi, Festival Roland Dyens in the skaï, Journée de la Guitare à Montlouis-sur-Loire, Les Rencontres Guitare et Patrimoine à Sedan, Festival 6 cordes au fil de l’Allier, le Festival Nivernais Nature en Livres, Musique en Ubaye ou encore les Music’Halles de Dijon.

En 2022, le Duo Canopée est sélectionné pour intégrer la programmation artistique 2022-2023 des Jeunes Talents. Depuis janvier 2023, et jusqu’en octobre 2024, le duo rejoint la Locomotive des Arts et travaille avec Laura Dyens au développement de leurs projets artistiques. En 2023, elles intègrent la programmation de Live Music Now à Zürich.

Depuis 2023, le Duo Canopée collabore avec les Jeunesses Musicales de France, « une association œuvrant pour l’accès à la musique de tous les enfants et jeunes prioritairement issus de territoires reculés ou défavorisés ». Lors de résidences artistiques chez le Quatuor Debussy et au Théâtre de Givors, elles travaillent avec la metteuse en scène Maud Chapoutier à la création du spectacle “Minuit Sonne”, un voyage musical à travers la nuit et le rêve. Lors de la saison 2023/2024, une tournée de plus de cinquante représentations, destinée au jeune public, a permis à plus de 10 000 enfants de découvrir leur spectacle empreint de poésie et de musique. De nouvelles tournées à travers la France sont déjà programmées pour la saison 2024/2025 avec les Jeunesses Musicales de France.

En parallèle de leurs tournées, elles poursuivent leurs études en Master de performance instrumentale en Suisse, chacune dans une prestigieuse institution : Laura à la Hochschule für Musik de Bâle dans la classe de guitare de Pablo Marquez, et Pauline à la Zürcher Hochschule der Kunste dans la classe de violoncelle d’Orfeo Mandozzi.

Mathilde Tirard

Mathilde Tirard est musicienne de formation. En 2020 elle est diplômée en tant qu’ingénieure du son au Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris. Avec une casquette munie de micro, elle enregistre en binaural des sons et récits du quotidien.

Elle réalise trois pièces sonores, Doux réveil à Ouagadougou en 2019, Mon père est en exil en 2020, Collage d’Arménie en 2022. Elle relie son savoir-faire technique et musical, son désir de travailler les matières sonores et son goût pour la musique électro en signant la création sonore du conte-électro Amaan.

Elle aime collaborer techniquement et artistiquement avec des musiciens – de l’enregistrement de disques à la sonorisation de concerts – notamment avec CKRAFT (jazz-métal), Popimane (flûtiste peul burkinabé), Dafné Kritharas (chanteuse grecque) et le Collectif LOO (jazz).

Duo Auftakt

Kris Tato

Née en Albanie, Kris Tato s’initie au piano à Tirana avant de rejoindre la France, où elle poursuit ses études à Rennes puis à Paris. Pianiste concertiste et chef de chant, elle multiplie les expériences artistiques, explorant avec curiosité les univers classique, contemporain et jazz. Elle a pris part à de nombreux projets en France et à l’étranger, parmi lesquels des tournées en Macédoine, Croatie, Italie et Kosovo en tant que chef de chant et accompagnatrice. Elle s’est également produite en récital de piano solo à l’Opéra de Tirana, et dans un concert pour orgue et piano à l’église Notre-Dame-en-Saint-Melaine, autour d’un programme contemporain. Son parcours l’a aussi menée vers le ciné-concert, notamment la musique du film ‘ The Oyster Princess’, composée et dirigée par Martin Matalon. Musicienne assidue au Festival de Boult aux Bois et Cordes, elle participe à son projet artistique et social : la transmission de la liberté d'expression par le biais du langage musical et de la pratique collective partagée entre musiciens professionnels et amateurs. Passionnée par la diversité artistique et la rencontre entre les langages musicaux, Kris Tato développe une approche ouverte, sensible et inventive du répertoire. Depuis 2022, elle enseigne au CRR 93 – Jack Ralite, tout en poursuivant sa formation en musique de chambre au Conservatoire de Paris (CNSMDP) au sein du duo Auftakt, avec lequel elle explore la création contemporaine et la médiation culturelle.

Anna Killy Morin

Musicienne d’orchestre, elle s’engage activement auprès de l’orchestre Amplitude, et collabore entre autres avec l’Orchestre National Avignon-Provence, l’Opéra Orchestre National Montpellier Occitanie, ou encore L’Orchestre des lauréats du Conservatoire. Éprise par les diverses esthétiques que propose la musique de son temps, elle explore avec avidité le répertoire contemporain et est amenée à travailler avec l’IRCAM, l’Ensemble Next, l’Ensemble Intercontemporain et l’Ensemble Sillages. Elle s’est produite notamment à l’auditorium de Radio France (festival Présences), au Quartz, au centre Pompidou (festival ManiFeste) au studio de la Philharmonie de Paris ainsi qu’à la Cité de la Musique. Formée au Pôle Sup’93 dans la classe de Sophie Deshayes puis au Conservatoire royal de Bruxelles auprès de Baudoin Giaux, Anna Killy Morin poursuit actuellement ses études en master de musique de chambre au CNSMDP auprès de Michel Moraguès et de Claire Désert.

Duo Simmetria

Pascal Lepage :

Guitariste depuis son plus jeune âge, Pascal fait ses débuts auprès d’Olivier Chapeaud, Philippe Cauvin et Olivier Chassain à Angoulême et Bordeaux, puis intègre la classe de Tania Chagnot au Pôle Sup’ 93. Pendant ce temps, il continue de se perfectionner auprès du concertiste Armen Doneyan. En 2022, Pascal Lepage intègre le prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP). Lauréat de nombreux concours internationaux (Nouvelles Cordes 2015, Bellan 2019, Vienne 2021, Curemonte 2022), sa vie de musicien est nourrie par la création contemporaine, la musique de chambre, la pédagogie et l’activité soliste. Musicien engagé dans la diffusion de la musique contemporaine, il collabore notamment avec l’IRCAM et l’ensemble Next. Il enrichit récemment son parcours en renouant avec son intérêt pour la guitare électrique, l’improvisation libre et la composition, ajoutant ainsi une nouvelle dimension à son identité artistique. Poussé par cette recherche d’exigence et de nouveautés, Pascal est amené à se produire en soliste mais également au sein du duo Simmetria qu’il forme avec la flûtiste Anna Killy.

Anna Killy Morin :

Chambriste passionnée, Anna Killy Morin fait partie des membres fondateurs du quintette à vent Linos, du duo Simmetria avec le guitariste Pascal Lepage, ainsi que du duo Auftakt avec la pianiste Kris Tato. Musicienne d’orchestre, elle s’engage activement auprès de l’orchestre Amplitude, et collabore entre autres avec l’Orchestre National Avignon-Provence, l’Opéra Orchestre National Montpellier Occitanie, ou encore L’Orchestre des lauréats du Conservatoire. Éprise par les diverses esthétiques que propose la musique de son temps, elle explore avec avidité le répertoire contemporain et est amenée à travailler avec l’IRCAM, l’Ensemble Next, l’Ensemble Intercontemporain et l’Ensemble Sillages. Elle s’est produite notamment à l’auditorium de Radio France (festival Présences), au Quartz, au centre Pompidou (festival ManiFeste) au studio de la Philharmonie de Paris ainsi qu’à la Cité de la Musique. Formée au Pôle Sup’93 dans la classe de Sophie Deshayes puis au Conservatoire royal de Bruxelles auprès de Baudoin Giaux, Anna Killy Morin poursuit actuellement ses études en master de musique de chambre au CNSMDP auprès de Michel Moraguès et de Claire Désert.

Wonderful World

Laëtitia Ayrès

Laëtitia aime raconter des histoires sur scène comme sur le papier. Après Sciences Po Paris, elle devient chanteuse lyrique et se spécialise auprès de David Charles Abell et Caroline O’Connor dans le répertoire de la comédie musicale américaine. Ses spectacles (“Broadway Baby” puis “Judy, Barbra et moi”) qu’elle joue à Paris, Londres et Lausanne, portent un regard décalé sur ces oeuvres mythiques. Laetitia est également romancière. Lauréate du Prix littéraire Auféminin, son premier roman “Matriochka” est publié chez Michel Lafon en 2021 puis en poche chez J’ai lu. Son second roman sera publié en mars 2026 aux éditions Le Soir Venu. Parmi ses rôles lyriques figurent Despina (Cosi fan tutte), Papagena (La Flûte Enchantée) au théâtre du Ranelagh et à la Konzerthaus de Dortmund, La Belle Hélène, La princesse de Trébizonde et La Périchole au théâtre Trianon et à l’Espace Cardin, Hermia dans Un Songe d’une nuit d’été, Fantine dans Les Misérables. Avec “Wonderful World”, Laetitia renouvelle son attachement à Hollywood et à Broadway, alors que le spectacle vivant est fragilisé et l’insouciance mise à mal.

Maëlise Parisot

Maëlise Parisot a développé très jeune une passion pour le violoncelle, et étudié aux conservatoires de Brest et Reims dans les classes d’Emmanuel Boulanger et de Marc-Didier Thirault avant de se former à l’enseignement, à la contrebasse et aux musiques actuelles. Elle se produit régulièrement en sonate avec Fanny Machet, ainsi qu’en duo chant-violoncelle avec la soprano Dorothée Thivet. Elle sillonne la France en jouant dans des spectacles de théâtre musical avec la compagnie Ah (Un songe d’une nuit d’été, Shakespeare/Purcell) et la troupe des Zolibrius. Elle joue également dans le spectacle Baudelaire / Piazzolla (compagnie Prospero Miranda), ainsi que dans des spectacles très jeune public de Sylvain Bernert. Elle est violoncelliste, contrebassiste, choriste, percussionniste et arrangeuse dans The Red Folks, groupe de musiques actuelles d’influence folk anglo-saxonne qui a sorti son premier album, Tales & Wanderings en 2020.

Jehran Ghiaee

Née en Iran, Jeyran a d’abord exercé les fonctions de pianiste titulaire du conservatoire de Téhéran avant de poursuivre sa formation à l’Ecole Normale de Musique de Paris auprès de Chantal de Buchy et Guigla Katsarava où elle a obtenu le double Diplôme d’Enseignement et de Concertiste. Cheffe de chant dans le cadre de plusieurs productions d’opérettes et opéras, elle se perfectionne parallèlement dans l’accompagnement du Lied et de la Mélodie auprès de Françoise Tillard et obtient son Certificat d’Etudes Musicales dans sa classe de Lied et Mélodies au conservatoire du Xème arrondissement de Paris. Elle accompagne de nombreux opéras et opérettes ainsi que des chanteurs lors de récitals, elle est également stagiaire dans la classe de François Le Roux, Christian Ivaldi et Jeff Cohen à l’Académie Poulenc. Rien d’incompatible avec Broadway, bien au contraire, pour cette pianiste multiculturelle : “Wonderful World” prolonge sa collaboration avec Laetitia sur ce répertoire.

Orane Donnadieu

Pianiste, arrangeuse et compositrice, Orane Donnadieu a étudié au Conservatoire de Versailles et de Boulogne-Billancourt, avant de poursuivre sa formation au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP). Elle en sort diplômée d’un prix d’Harmonie en 2021, et d’un Master d’interprétation au piano en 2024. Pianiste éclectique, elle s’investit dans le répertoire pour piano seul, l’accompagnement et la musique de chambre qui lui tiennent particulièrement à cœur, mais aussi dans l’accompagnement de chansons de variété et le cabaret. Elle est à l’initiative de la création de projets transversaux avec d’autres artistes issus de la danse, du théâtre ou du spectacle équestre. Par ailleurs, elle crée en 2018 les Rencontres Musicales de Jeunes Talents en Luberon, un festival dont elle assure la direction artistique.

Colin Devaney Trio

Colin Devaney

Né à Galway en Irlande, très jeune il se fait remarquer par ses capacités vocales, à l’école, puis à la chorale réputée de la Renmore Church. Il apprend la guitare, chante dans les pubs de sa région natale, se fait remarquer par son aisance scénique et vocale, commence à composer ses propres chansons. Il part vivre à Londres sur l’invitation d’un label pour lequel il est engagé en tant que songwriter. Par la suite il parcourt l’Europe et l’Asie, chantant partout où il pose ses valises. Après un bref retour en Irlande, il décide de s’installer à Paris début 2023 et y forme son actuel trio avec un contrebassiste et une cajoniste. Un trio qui très vite s’amuse à jouer des reprises de tous styles (répertoire de 200 morceaux), commence à animer des soirées privées dans une ambiance conviviale, prenant plaisir à faire participer le public en l’ invitant par exemple à interpréter avec lui des chansons.

Patricia Ouvry

Percussionniste depuis 10 ans, elle accompagne différents groupes au Cajon et aux Bongos. Elle est également chanteuse et clown après avoir entamé une carrière de professeure des écoles. Sa méthode d ‘apprentissage est basée sur l’écoute et la compréhension du rythme qui passe avant tout par notre ressenti et notre corps. La percussion est pour elle quelque chose de naturel que tout le monde peut s ‘approprier. Le Cajon est une percussion très polyvalente (du reggae au rock au funk à la bossa…)

Christophe Malherbe

Bassiste et contrebassiste basé à Paris, il est actif sur les scènes françaises et internationales depuis la fin des années 1990. Formé en musicologie à la Sorbonne et titulaire du MIMA depuis 2016, il développe une carrière polyvalente entre rock indépendant, chanson française, musiques afro-soul et brit-pop. Au fil de sa trajectoire, il accompagne de nombreux artistes, dont Féloche — avec qui il participe aux tournées Silbo et La Vie Cajun et apparaît notamment aux Victoires de la Musique — ainsi que Cesar, Two Old Vagabond Shoes, Sango, Morning Star ou encore Jim Murple Memorial. Son expérience studio est tout aussi riche, avec des enregistrements pour Patricia Essong, Kelly de Martino ou Charlotte Etc. Rompu aux plateaux télévisés et aux sessions live radio, Christophe se produit sur France 2, France 3, France Inter, Europe 1 ou Radio Nova. Parallèlement à sa carrière d’interprète, il enseigne la basse et la contrebasse en musiques actuelles depuis 2005.

Nicolas Porcher Jouve

Composition, dan trans et électronique

Nicolas Porcher est musicien, compositeur et auteur de théâtre, diplômé au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris en master de musicologie en esthétique et analyse musicales ainsi qu’en musique assistée par ordinateur au Conservatoire à Rayonnement Régional du 93 et suit actuellement une formation Formation en đàn tranh / đàn bau au Conservatoire Jean Wiéner de Bobigny.

En 2020, il écrit et compose Le prince à la tête de coton, texte lauréat de l’Aide à l’écriture « Fiction Sonore » de la Fondation Beaumarchais – SACD, de l’aide à la création de textes dramatiques d’ARTCENA (mai 2022), et des comités de lecture du Théâtre du Rond-Point et du TAPS de Strasbourg. Le spectacle est créé en janvier 2024 au Théâtre La Flèche, dans une mise en scène d’Eloïse Bloch.

Depuis 2022, il donne régulièrement en milieu de soin avec la Philharmonie de Paris – pour des ateliers au service d’oncologie pédiatrique de l’Institut Curie et avec Tournesol, Artistes à l’hôpital pour des concerts.

En 2023, il cofonde le collectif d’écriture contemporaine et de théâtre musical Le bruit de l’entre et écrit et compose sa seconde pièce, Sans retour, grâce à deux résidences d’écriture à la Chartreuse – CNES et à la Métive. En parallèle, il signe notamment la musique des pièces La Cabane aux merveilles de Justine Chasles (m.e.s Romane Lehyaric), Le Gardien de mon frère de Ronan Mancec (m.e.s Vincent Pavageau), Vieilles de la compagnie Cacho Fio!, Utopie/Vianded’Alexandre Horréard.

En 2024, il est lauréat du dispositif Créations en cours #8 des Ateliers Médicis et part en résidence à Saint-Laurent du Maroni (Guyane) pour la création de Contes diasporiques.

Cette même année, il forme avec Matthieu Truffinet le duo Ghostlight (fka Fantômes presque), lauréat du Chantier des Détours de Babel, dont la musique allie électronique et đàn tranh (cithare vietnamienne).

vanessee vulcane

vanessee vulcane se forme début 2020 après une rencontre quelques années plus tôt en cursus jazz dans les conservatoires parisiens. Deux ans de répétitions et d’écriture plus tard, le groupe entame une première saison de concerts. Grâce au soutien du RIF, il se produit dans différentes salles adhérentes, ou encore à Elfondurock, avant de venir lauréat du tremplin d’Essonne en Scène, en 2022. vanessee vulcane évolue aussi sur la scène de la région nantaise, notamment en première partie de Herman Dune à Stereolux, au Showcase Musique et Danse 2023 aux côtés d’artistes comme FYRS et Elise Bourn, ainsi qu’à Trempo. En avril 2024, sort leur premier album sea salt sur le label Noa Music.Une résidence en studio est prévue avec le label début 2025 afin de commencer la réalisation du prochain album ou double EP.

Lisa Guérif – chant, piano, synthétiseurs, ukulélé & guitare

Animée par le folk et la poésie anglaise depuis l’adolescence, elle passe par la case conservatoire en intégrant le cursus jazz au CRR de Paris, ce qui lui permet de développer son intérêt pour la composition. Son diplôme en poche, elle retourne aux sources avec vanessee vulcane, trio folk à la musique simple et profonde, faisant la part belle aux harmonies vocales.

Leah Louise – chant & guitare

Elle débute la musique à l’âge de quatre ans et commence à se produire dès seize ans avec les Marx Sisters et son trio de jazz. Elle intègre le Centre des Musiques Didier Lockwood en 2017 en cursus vocal, et en ressort diplômée d’une licence en 2020. Aujourd’hui, Leah est membre active de trois groupes : vanessee vulcane, les Marx Sisters, et Leah-Louise (en création) et en tant que chanteuse, guitariste, arrangeuse, compositrice et auteure.

Ophélie Cazes- chant, guitare

Attirée dès le plus jeune âge par le chant, elle commence d’abord son apprentissage de la musique par le violon à six ans. Elle compose ses premières chansons guitare/voix à l’adolescence et poursuivra finalement un cursus de chant jazz au conservatoire en parallèle d’un cursus musiques actuelles. En 2013, elle crée son groupe Zeska qui s’arrête en 2021. Elle est désormais membre de deux groupes : Vertiges et vanessee vulcane.

Leah Louise

Chant & guitare

Leah Louise débute par le classique, puis se tourne vers le jazz pendant ses études. Elle fait ses premiers pas sur scène en tant qu’autrice-compositrice dans un groupe de rock progressif, puis se tourne vers l’indie folk avec le trio Vanessee Vulcane. Le groupe sort son premier album sea salt en 2024 chez NoaMusic, qu’elle co-signe avec ses deux partenaires. Elle se lance ensuite en solo sous le nom de Leah Louise, cherchant à exprimer ses émotions à travers une musique pop-rock alternative. Influencée par des artistes contemporains et des icônes du XXe siècle, elle travaille sur la simplicité mélodique et la sincérité de son écriture. Sa musique se caractérise par une recherche de son authentique, à travers des sonorités « vintages ». Parallèlement, elle se produit au sein du groupe Les Marx Sisters, qui fait vivre les chansons et les mélodies traditionnelles klezmer.

Yannick Jacquet

Guitare, violoncelle & piano

Yannick Jacquet commence son parcours musical avec le violoncelle au Conservatoire de Lyon. Il se forme ensuite à de nombreux instruments (basse électrique, piano, guitare, clarinette, contrebasse), mais aussi à l’harmonie et au contrepoint. En 2015, il enregistre le piano sur l’album Les 7 plumes de l’aigle du bassiste Theo Zipper. En 2016, il créé les groupes SAI DEW (électro-jazz) et LALAO (afro-pop) qui se produisent sur de nombreuses scènes et festivals en Belgique (l’AB, Le Botanique, Le Marni, Esperanza, Brussels Jazz Weekend…). L’année suivante, Yannick Jacquet est lauréat du Prix du public au festival international du film d’Aubagne (FIFA) pour la musique du court métrage Ma planète de Valéry Carnoy. En parallèle, il obtient un master en piano et violoncelle jazz au Conservatoire Royal de Bruxelles, puis intègre le groupe O.R.A (Rock alternatif) en qualité de violoncelliste et guitariste pour la tournée de l’album « Of paint and gold » pour lequel il écrit les arrangements de quatuor à cordes. A l’été de cette même année, il est pianiste sur la tournée Maghreb/Europe du chanteur et saxophoniste marocain Othman El Kheloufi. En 2021, Yannick Jacquet écrit des arrangements pour quatuor à cordes de l’album La part des lions de Kyo. Après un passage par The Voice, il sort son premier EP instrumental Nona, où il fait la part belle au violoncelle, à la clarinette et ses inspirations cinématographiques. En 2024, paraît son premier EP de chanson française Ces petits riens, produit par le label Hohisse Musique.

Anaëlle Trumka

Chant, violon & banjo

Après une formation musicale en conservatoire et à l’École des Gobelins, Anaëlle Trumka s’initie en tant que chanteuse aux styles traditionnels bluegrass, oldtime, New Orleans, avant de se former à la guitare, la mandoline, le banjo Clawhammer et le violon. En parallèle, elle se démarque sur la scène jazz, notamment par sa riche technique de scat. Depuis, Anaëlle Trumka s’empare d’univers musicaux très divers, tels que le jazz manouche avec le groupe Now Project (aux côtés de Sébastien Giniaux et Julien Cattiaux), la chanson française avec l’accordéoniste Wilfried Touati, ou encore la chanson Native American avec Dear John (quartet féminin). En 2023, sort son premier EP, Pull Yourself Together ». Actuellement, elle crée de nouveaux spectacles avec son Quartet, mais aussi avec le duo Iko Iko, spécialisé dans les musiques traditionnelles d’Amérique du Nord. Au cours des années, Anaëlle Trumka a pu se produire dans divers festivals tels que le Django Festival, le Fest in Jazz, ou encore le Nancy Jazz Pulsation Festival.

TAXXI Tango XXI

Après avoir étudié le violon classique et la musique acousmatique au conservatoire, puis le violon alto, Bastien Lacoste se tourne vers l’improvisation dans des styles divers. Il commence alors le trombone et le cornet, puis la clarinette et le theremin. Après quelques années, il revient à une musique plus construite en étudiant l’écriture tonale au conservatoire. Il se produit au sein de différentes formations : Warzim boule de feu, Leviathan Gipsy band, Anglo Dinelo, La compagnie par Has’art, ou encore TAXXI Tango.

Compositeur et bandonéoniste argentin, Pablo Gignoli a fait parti de groupes prestigieux de tango, de jazz et de rock. Il est également un compositeur de musiques de film (El impenetrable de Daniele Incalcaterra et Fausta Quattrini ; Vitaminac de Matias Musa). Entre 2004 et 2012, il participe à de nombreuses tournées en Europe et en Amérique en tant que bandonéoniste du célèbre orchestre de tango La Orquesta Tipica Fernandez Fierro. En 2009, il forme à Buenos Aires son propre Quartet de Tango Derrotas Cadenas, où il est à la fois compositeur, arrangeur et bandonéoniste interprète. En 2012, il s’installe à Paris où il forme un duo de piano et bandonéon avec Sebastian Volco. Depuis 2014, il est le directeur et le compositeur d’un ensemble de tango moderne TAXXI qui réunit des musiciens de tango parisiens.

Duo Vertygo

Après avoir étudié le répertoire classique au Conservatoire pendant 10 ans, Magali Bardou se forme aux musiques klezmer et balkaniques à partir des années 2000 grâce aux stages et masterclass de Nano Peylet (Bratsch), David Krakauer, Christian Dawid, Giorgios Mas, Laurent Clouet et Petar Voynikov.

Elle fonde en 2000 le groupe Popinsko – quartet de compositions jazz-musique du monde – qui enregistrera 2 albums. Puis elle participe à la création de différents groupes de musique klezmer et balkaniques, en particulier les Klezmémères, le Vodka Klezmer Band et la Fanforale du Douzbekistan.

En 2020-21, Magali forme le quartet I.Folia (chansons des Balkans), participe à la création du quartet Les Morues (musiques à danser), et du duo Balance ta Chouette (musiques à danser également), qui tournent en région parisienne et ailleurs en France.

Formé au violon classique au conservatoire de Bourges pendant 15 ans, Stéphane Pacyna choisit, à l’âge de 20 ans, de se consacrer à la guitare, et se forme au jazz manouche (pompe et impro) au contact d’Emmanuel Kassimo, Romane, Mandino Reinhardt, JP Watremez, Samy Daussat et dernièrement Christine Tassan.

A partir de 2005 il participe à la création de nombreux groupes de jazz, de funk, de world pop et de chanson (Mozambik, Fofifonfake project), et compose en parallèle ses propres chansons, qu’il interprète au sein de Salakenko puis en solo. Il accompagne pendant plusieurs années à la guitare (composition et interprétation) la compagnie KO Théatre de Châteauroux.

Il partage aujourd’hui son temps entre le Duo Vertygo, GuidemSalak (Duo jazz manouche), les Yeux de Tilia (chant guitare soul jazz), le quartet I.Folia (musique des balkans) la création d’une pièce de théâtre de la Cie Attrape Sourire « Pourquoi tu cours » (comédien et violoniste), les Moutards d’Arsène (vieilles chansons françaises) et compose pour un projet de guitare solo.

En 2014, Magali Bardou et Stéphane Pacyna forment le Duo Vertygo. Le duo, qui a enregistré deux albums et prépare actuellement le troisième, tourne régulièrement en régions Centre-Val-de-Loire, Auvergne-Rhône-Alpes, Bretagne, Ile de France, et dans le grand Sud-Ouest avec un très large répertoire de musiques « nomades » improvisées, largement inspirées des Balkans, et un set de musiques à danser (bal folk franco-roumain).

Jules Billé

Jules Billé débute la contrebasse classique à l’âge de 7 ans, puis le jazz quelques années plus tard. À l’issue de ses parcours en contrebasse classique au Conservatoire à Rayonnement Départemental de La Roche-sur-Yon dans la classe de Tiphaine Macé, et en jazz au Conservatoire à Rayonnment Régional de Nantes, auprès notamment de Jean-Marie Bellec, Ronan Courty et Patrick Charnois, il passe ses Diplômes d’Études Musicales dans ces deux disciplines en 2022. Année qui le voit faire son entrée dans le département Jazz et Musiques Improvisées du Conservatoire de Paris – CNSMDP.

Nourri depuis le début par de multiples esthétiques musicales telles que le swing manouche, la musique ancienne, la musique classique et le jazz, il s’intéresse aux musiques qui l’entourent et cherche par ces voies à enrichir sa pratique.

Il participe au projet Myriad mené par Alban Darche et le label nantais Yolk Records. Il est membre du Armel Dupas Trio depuis 2021.

Armel Dupas Trio

Artiste multi-projets ancré dans les préoccupations de son époque, Armel Dupas se définit comme un pianiste-entrepreneur. Attiré très tôt par le jazz et l’improvisation, il est rapidement identifié au sein de la jazzosphère française après de brillantes études au Conservatoire de Paris – CNSMDP. Son attrait pour la diversité artistique le conduit à multiplier pendant plus de 10 ans les expériences de tournées, de concerts et de musiques pour le cinéma et le théâtre. On citera pêle-mêle ses collaborations avec Henri Texier, Arnaud Desplechin, Sandra Nkaké, Catherine Ringer, ou le metteur en scène Ladislas Chollat.

Jules Billé, quant à lui, débute la contrebasse classique à l’âge de 7 ans, puis le jazz quelques années plus tard. À l’issue de ses parcours en contrebasse classique au CRD de La Roche-sur-Yon dans la classe de Tiphaine Macé, et en jazz au CRR de Nantes, auprès notamment de Jean-Marie Bellec, Ronan Courty et Patrick Charnois, il passe ses Diplômes d’Études Musicales dans ces deux disciplines en 2022. Année qui le voit faire son entrée dans le département Jazz et Musiques Improvisées du Conservatoire de Paris – CNSMDP. Nourri depuis le début par de multiples esthétiques musicales telles que le swing manouche, la musique ancienne, la musique classique et le jazz, il s’intéresse aux musiques qui l’entourent et cherche par ces voies à enrichir sa pratique.

Le batteur du trio, Christophe Piot, étudie la musique depuis l’âge de 6 ans. Elève d’Olivier Bertrand, d’Yves Teslar, Peter Erskine, il étudie également les percussions classiques au conservatoire et la musique afro-cubaine en France et à Cuba. Passionné par le rythme sous toutes ses formes, il participe activement à de nombreux projets jazz, chanson, world, trad… Il a accompagné des artistes de renom: Sixun, Alain Debiossat, Baptiste Herbin, Adama Yalomba, Cécile Corbel, Octantrion, participé à l’enregistrement de 40 albums, et créé les vidéos pédagogiques « FunnyGrooves« .

Le Armel Dupas Trio parcourt les scènes jazz françaises et européennes depuis 2017 grâce au soutien du projet Jazz Migration qui a accompagné la sortie de l’album A Night Walk.

©️ Flavia Ellison

Nina Gat

Jeune pianiste israélienne arrivée en France à l’âge de 7 ans, Nina Gat commence le piano classique à 9 ans avec Eriko Renaud-Arima et poursuit au Conservatoire Darius Milhaud à Aix en Provence.
Parallèlement à sa formation classique, Nina étudie le jazz à l’IMFP de Salon-de-Provence et au Conservatoire Darius Milhaud en double cursus Jazz et Musiques Actuelles Amplifiées. Elle obtient également le MIMA en 2017 et intègre en septembre 2019 le CMDL.
Elle enseigne le piano et joue maintenant dans plusieurs projets avec des styles et formations variés. Ses influences principales vont de Bill Evans et Chet Baker à Shai Maestro en passant par Brad Mehldau, Lianne La Havas, Norah Jones… Nina ne mèle pas seulement jazz, pop, folk, chansons et pièces instrumentales, elle s’intéresse aussi à l’arrangement grâce à ses études auprès de Philippe Maniez, en puisant son inspiration chez Nelson Riddle en particulier. Elle écrit régulièrement pour des moyennes formations, quatuors à cordes, ensembles vocaux…

Farnaz Modarresifar

Farnaz Modarresifar, santour

Farnaz Modarresifar, compositrice, santouriste, improvisatrice et poétesse franco-iranienne, est diplômée du Conservatoire National et de l’Université de Téhéran, où elle a obtenu un premier prix. Lauréate de nombreux concours nationaux et internationaux, tels que le Prix Claude Arrieu de la SACEM (prix symphonique), le Prix Alain Louvier, le Prix des Professeur.e.s de Collèges des Superphoniques, le Prix ACIMC, ainsi que plusieurs distinctions en Iran, dont le Premier Prix des Conservatoires des Beaux-Arts, le Festival des Solistes de Téhéran, et le Festival Ava-ye-Mehr, elle s’est illustrée tant comme compositrice qu’interprète. Lauréate de l’Académie des jeunes compositrices de l’Orchestre de Chambre de Paris, ses œuvres ont été interprétées sous la direction de chefs renommés tels que Lars Vogt, Jean Deroyer et Anna Sulkowska-Migon, dans des lieux prestigieux comme la Philharmonie de Paris, le Théâtre du Châtelet, l’Opéra de Reims, et la Bibliothèque Nationale de New York. Installée à Paris, Farnaz a obtenu plusieurs diplômes en composition avec mention, à l’École Normale de Musique et au CRR de Boulogne-Billancourt, ainsi qu’un Master en improvisation et musicologie au PSPBB et à l’Université Paris VIII.

Éditée en France par l’Édition Musicale Artchipel et La Note en Bulle, Farnaz collabore avec des ensembles, des festivals et des artistes renommés, dont Bartabas et Homayoun Shajarian, et interprète les œuvres de compositeurs célèbres tels que Georges Aperghis ou Aurélien Dumont.

Crédits photo : Maï Toyama

Bonjour Sourire

Gabrielle Sandman, chant

C’est au conservatoire d’Issy-Les-Moulineaux que Gabrielle Sandman apprend les rudiments du piano classique et du chant choral. Elle décide ensuite de se consacrer au registre du jazz, en recevant notamment l’enseignement du crooner Marc Thomas, de Pablo Campos, César Pastre, César Poirier, ou Noé Codjia. En 2021, Gabrielle Sandman enregistre son premier album sous son nom et en sextet, « What can I say ? ». Cette même année, elle entre à l’école du SAMOVAR (école professionnelle d’art clownesque) où elle y pratique pendant deux années la guitare et le chant appliqués au monde du spectacle vivant. Aujourd’hui elle se produit régulièrement sur les scènes de jazz parisiennes, mais ouvre aussi son répertoire à la chanson française qu’elle affectionne tout autant, notamment avec son projet en trio « Bonjour Sourire ». En 2025, le groupe fait paraître son premier EP.

Benjamin Blackstone, guitare

Benjamin Blackstone suit le cursus jazz du Conservatoire Régional de Cergy-Pontoise, tout en menant parallèlement des études de musicologie à la Sorbonne, en spécialité jazz sous la direction de Laurent Cugny. Son activité de musicien se développe durant cette même période, l’amenant à jouer, enregistrer et composer, notamment au sein du groupe Monsieur Jacquet, avec des maîtres du style jazz manouche tels que Tchavolo Schmitt ou Florin Niculescu. Il prend part à de nombreux projets musicaux dans des styles variés : swing (Swing Vibrations), rock, (Solar Parachute, Venyce, Balinger), musiques pour enfants (Rit Qui Qui) qui l’amènent à collaborer avec de nombreux musiciens (Lou Tavano, Julien Baer, Philippe Katerine, Maxime Le Forestier). Il est dans le même temps démonstrateur pour les guitares Castelluccia. Benjamin Blackstone compose pour plusieurs de ses différents projets, pour de la musique à l’image (Tele Music, Encore Merci) comme pour des commandes (Ministère de la Culture).

Baptiste Morel, contrebasse

Diplômé du Conservatoire Régional de Cergy-Pontoise, Baptiste Morel a fait de son ouverture et de sa polyvalence de véritables marques de fabrique. Il est régulièrement appelé à participer à des projets musicaux dans des styles variés : jazz, variété, chanson, hip-hop… Il est aussi à l’origine de projets en son nom (Ivresse, Morel, Sauvaje), membre fondateur de Sunny Side, et dernièrement du trio Bonjour Sourire.

Stefania Becheanu

Stefania Becheanu est plasticienne sonore. Elle est diplômée de la Faculté d’Art et Design (option peinture) de Timisoara, en Roumanie avant d’obtenir son Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique (DNSEP) option art (« paysage sonore, couloirs sonores, phono- photographie, danser le sonore ») à l’école supérieure d’art de Lorraine-Metz en 2013.

Inspirée par des thèmes comme l’identité, le voyage, l’introspection, la communication, l’écoute et l’espace, elle place le paysage sonore au cœur de ses recherches et de ses projets. Stefania développe aussi un langage performatif musical.

Les rencontres et les échanges entre disciplines avec les artistes et les chercheurs, ont nourri et continuent de nourrir ses propres réflexions et sont souvent l’occasion de découvrir de nouvelles manières d’aborder ses propres projets artistiques. Dans une logique d’exploration et de transdisciplinarité, elle collabore avec Louis-Michel Marion (contrebasse) et Violaine Gestalder (saxophone) durant des séances d’improvisation en lien avec ses paysages sonores. Leur trio Noi-Trei a sorti un album intitulé 3 vues d’un paysage fin 2018. Elle co-écrit un essai intitulé Silence-Décomposition avec Pierre-Luc Landry, publié dans la collection Indiscipline des Éditions Nota Bene en 2017. C’est la rencontre entre les deux artistes qui ont étudié le silence en s’y immergeant afin de déconstruire une chose et d’en reconstruire une autre, par les sensibilités de chacun, les images trouvées, les objets, les conversations entendues, les bruits de la ville enregistrés, etc.”

Elle travaille aussi sur une performance intitulée La danse de l’arbre (une co-création avec la chorégraphe Mathilde Vrignaud). Elles présentent un paysage qui est à traverser par le spectateur : des silences, une présence brute, ciselée dans une introspection ténue.

Sa création Une Écoute Intime résulte d’un travail de recherche et de captations sonores réalisés en Inde et poursuivi en France lors d’une résidence de création à l’Arsenal de Metz, une performance solo avec du son binaurale dans un instrument plastique et sonore: une sculpture légère de 2 mètres environ qu’elle a créée, construite comme un cube, au centre de laquelle l’artiste s’est installée.

Elle intervient à Tournesol dans le cadre du projet Jépapeur, inscrit au sein de la résidence « En son(s) quartier » en partenariat avec la Maison de la Musique Contemporaine.

Aline Gorisse

Compositrice de pièces mixtes, électroacoustiques et instrumentales diplômée du CRR93 en composition électroacoustique et composition instrumentale, Aline Gorisse a travaillé avec divers ensembles instrumentaux comme Multilatérale, Soundinitiative, Sillages, 2e2m, Ars Nova, Court-Circuit ou encore Accroche Note.

Elle a débuté en septembre 2022 une résidence artistique et pédagogique de deux ans avec l’Ensemble Intercontemporain.

Elle s’intéresse tout particulièrement à la musicalisation d’objets sonores marqués par notre quotidien ainsi que par leur contexte d’émission et d’enregistrement. Cela peut notamment se traduire par une pratique du field recording. Le théâtre musical et les questions sociétales se trouvent également au cœur de ses explorations artistiques.
Aline Gorisse est par ailleurs diplômée d’un master de recherche et création à l’Université Paris 8, au cours duquel elle a orienté ses recherches sur la notion d’écoute et de paysage sonore.

La transmission faisant partie intégrante de sa pratique, elle est actuellement responsable d’un atelier d’improvisation par ordinateur pour les élèves de la classe de composition acousmatique de Philippe Mion au conservatoire de Vitry-Sur-Seine. Elle assiste également Jean-Yves Bernhard au CRR93 dans ses cours de création sonore auprès des élèves du lycée Carnot à Pointe-à-Pitre (Guadeloupe).

Elle pratique l’improvisation libre à la voix, à l’ordinateur, aux synthétiseurs, ainsi qu’aux objets sonores.

Aline Gorisse a par ailleurs travaillé pendant un an en tant qu’ingénieure du son dans une radio d’art contemporain, ce qui lui a donné le goût de la prise de son, mais également des formats type podcast qui influencent eux aussi sa pratique artistique.

Sentido Tango

Le duo

Sentido Tango est la rencontre de deux musiciens éloignés par la géographie mais unis par le 2 pour 4, la manière argentine de désigner le tango. Lisandro, originaire d’Argentine, et Tonia, de Grèce, se sont rencontrés à Paris, la métropole européenne du tango. Ensemble, ils ont perfectionné leur art au Conservatoire de Gennevilliers, sous la direction du maestro Juanjo Mosalini et partagé des expériences au sein d’un quintette de tango nuevo et d’une orquesta típica.

Lisandro Bazzana

Eminent bandonéoniste argentin, il est reconnu pour son parcours musical exceptionnel. Dès son enfance, il a commencé à apprendre le piano, mais c’est en Argentine qu’il s’illustre dans des formations de rock et de funk. En 2013, il s’installe à Paris, où il ressent un profond désir de renouer avec le tango, se tournant alors vers l’apprentissage du bandonéon sous la direction du maître renommé Juanjo Mosalini.
Sa formation musicale s’enrichit de l’étude des chefs-d’œuvre de figures emblématiques comme Astor Piazzolla, Aníbal Troilo et Osvaldo Pugliese. Il participe à des masterclasses avec des maîtres de renom tels que Juan Pablo Navarro et Gustavo Beytelmann. Lisandro est membre de l’orchestre typique de tango du Conservatoire de Gennevilliers et du quintette « Para Ir », un hommage à Piazzolla. Il a également eu l’honneur de tourner à travers l’Europe avec l’illustre « Orquesta de Señoritas », renforçant ainsi sa stature sur la scène du tango contemporain.

Tonia Makatsianou

Pianiste grecque, musicologue et pédagogue reconnue pour son engagement passionné envers le tango argentin. Elle commence ses études de piano au Conservatoire National Grec et se spécialise en musicologie à l’École des Beaux- Arts de Thessalonique, où elle se joint à la compagnie Polytropon pour des tournées en Grèce et en Europe.
Après avoir obtenu un Master en Théorie et Pratique des Arts Vivants à l’Université de Sophia Antipolis, Tonia se perfectionne à Paris, où elle décroche son prix de piano au CRD d’Argenteuil et se forme à l’accompagnement du chant lyrique.

Depuis 2020, le tango occupe une place centrale dans sa carrière. Elle intègre le département tango du CRD de Gennevilliers, sous la direction de Juanjo Mosalini, et se produit dans des festivals en
France, en Espagne, en Grèce et en Belgique. Elle est lauréate du Centre International des Musiques Nomades à Grenoble en 2021, et artiste-résidente des Ateliers Médicis en 2023.

Le duo se collabore souvent avec le chanteur argentin Julian Navarro, une des voix de tango les plus demandées actuellement à Paris

Jérémy Ankilbeau

Jérémy Ankilbeau est bercé dès son plus jeune âge par la chanson. Ses parents composent et lui transmettent des gouts éclectiques. Il débute son apprentissage musical à l’aube de ses neuf ans et c’est à la guitare qu’il fait ses premières notes. Ses professeurs l’encouragent et leurs pédagogies nourrissent ses perspectives d’études musicales et sociales. Originaire de Tours, il côtoie les bancs de l’Institut du Travail Social, d’une école de Jazz et ceux du Conservatoire. Il commence la technique vocale et est initié au répertoire baroque qui le mènent aux portes du Centre de Musique Baroque de Versailles en 2022. Diplômé de ces parcours il exerce comme travailleur social et commence à se produire artistiquement dans diverses formations ou en solo. On note notamment ses engagements dans les chœurs de l’Opéra de Versailles ou encore sa collaboration avec l’association Tournesol où il intervient avec sa guitare en milieu hospitalier. Il renoue ainsi avec la chanson.

Pascal Lepage

Guitariste depuis son plus jeune âge, Pascal fait ses débuts auprès d’Olivier Chapeaud, Philippe Cauvin et Olivier Chassain à Angoulême et Bordeaux, puis intègre la classe de Tania Chagnot au Pôle Sup’ 93. Pendant ce temps, il continue de se perfectionner auprès du concertiste Armen Doneyan. En 2022, Pascal Lepage intègre le prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP). Lauréat de nombreux concours internationaux (Nouvelles Cordes 2015, Bellan 2019, Vienne 2021, Curemonte 2022), sa vie de musicien est nourrie par la création contemporaine, la musique de chambre, la pédagogie et l’activité soliste. Militant pour la diffusion du répertoire contemporain, il construit son programme musical à la recherche d’un équilibre entre la recherche sonore, l’originalité, la création contemporaine et la mise en exergue des richesses de son instrument. Poussé par cette recherche d’exigence et de nouveautés, Pascal est amené à se produire en soliste mais également au sein du duo Simmetria qu’il forme avec la flûtiste Anna Killy.

Tiphaine Chevallier

Tiphaine Chevallier, soprano colorature, se forme à l’École Normale de Musique de Paris dans la classe de Jean-Philippe Courtis où elle obtient en avril 2021 son Diplôme Supérieur de Concertiste ainsi qu’au CRR de Paris (PSPBB) où elle obtient son Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien. Tout en se perfectionnant au sein de classes de maître avec Regina Werner et Carola Guber sur le répertoire du Lied et de l’opéra allemand, Inva Mula sur celui du bel canto et Jennifer Larmore avec qui elle approfondit son approche du répertoire mozartien, elle commence sa carrière professionnelle.

Elle s’intéresse à des répertoires très variés comme celui de la mélodie française et des lieder (Récital Chabrier avec la pianiste Françoise Tillard), nourrie par un goût pour les lettres qu’elles cultivent dès ses deux années de classes préparatoires mais aussi le répertoire contemporain qu’elle aborde avec l’aide de Donatienne Michel-Danzac (Récital sur les femmes compositrices au CRR de Boulogne-Billancourt en mai 2019). Son goût pour le théâtre et ses qualités expressives l’amènent très naturellement vers le genre de l’opérette : elle interprète le rôle d’Eva dans Ta Bouche de Maurice Yvain. Elle aborde également le répertoire baroque avec le rôle d’Asteria dans Tamerlano de Händel. Elle développe dans ses projets personnels un réel engagement dans la médiation culturelle vers un public plus large. Elle interprète ainsi Gretel dans la production d’Opéra Bagatelle, une adaptation en français à destination du jeune public d’Hänsel et Gretel d’Humperdinck et crée en 2017 avec la compagnie STEIN-LEIN-CHEN un spectacle lyrique participatif destiné à être joué dans la rue et les espaces publiques.

La saison prochaine, elle fera partie de la promotion Régine Crespin du Pôle Lyrique d’Excellence à Lyon. Sur scène, elle interprétera le rôle-titre Mrs Mouse dans la dernière création de la compagnie Plein jour dirigée par Franck Krawczyk au Théâtre du Bouffes du Nord en avril à Paris d’après The silly little Mouse de Dmitri Chostakovitsch et sera sur la tournée de Normandie de Misraki avec l’orchestre des Frivolités Parisiennes, notamment au Trianon, dans le rôle d’Annabelle.

Alexandre Perrot

Alexandre Perrot commence la musique par la guitare classique et découvre la contrebasse et le jazz à l’âge de 16 ans. Après des études au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP), dont il sort diplômé d’un Master en 2015, il développe sa pratique musicale et son langage artistique au sein de nombreux projets, de petites formes aux grands ensembles, dont le champ s’étend de la musique improvisée la plus radicale à l’écriture la plus complexe.

Il participe aussi en tant que compositeur et/ou interprète à la création de plusieurs musiques pour le théâtre, ainsi qu’à la création sonore d’installation pour des artistes contemporains (Hugo Aveta (MacVal, 2019), Natalia Jaime-Cortez (2024). Il collabore notamment avec des artistes tels que Paul Jarret (Pj5, Acoustic Large Ensemble), Grégoire Letouvet (Les Rugissants), œuvrant au sein du collectif Pegazz et l’Helicon. Mais aussi avec Louise Jallu, Ariel Tessier, Aloïs Benoit (pAn-G), Robinson Khoury (Broken Lines), Rémi Fox, Lou Tavano, Lea Castro, Pierrejean Gaucher, le Birgit Ensemble.

Elias O’Regan

Elias O’Regan apprend la guitare en autodidacte à l’âge de douze ans, à travers de multiples styles : musique classique, flamenco, ou accompagnement de chansons. Plus tard, il joue dans de nombreuses formations, dans les domaines du jazz, de la chanson française, ou encore des musiques brésiliennes et africaines (Gabon, Burkina Faso, Mali).

Parallèlement, il intervient au Centre Georges Pompidou – Beaubourg où il anime des parcours en relation avec les œuvres, tout en collaborant avec des artistes de différents champs : danse, clown, conte. Elias O’Regan est par ailleurs engagé auprès de l’association 123 Soleil, qui l’amène à se produire au sein des hôpitaux et EHPAD de la Drôme de l’Ardèche.

Nuria Rovira Salat

Formée en anthropologie, cette artiste d’origine espagnole a fait de sa curiosité pour les cultures orientales et tziganes, une passion et un art. Formée auprès des danseuses Lamia Saffiedine, Saïda Naït Bouda et Saädiya Souyah, elle enseigne les danses orientales arabo-berbères et maghrébines et se produit en région parisienne et au sein de nombreux festivals, comme Les Suds à Arles ou Welcome in Tziganie. Nuria Rovira Salat poursuit sa route dansée vers les danses tziganes, de la main de Pétia Iourtchenko, Sinoma Jovic et Béatrice Lavielle. En 2010, elle débute sa carrière de chanteuse avec le Finzi Mosaïque Ensemble, groupe phare de la scène gipsy en France, puis poursuit sa carrière avec d’autres groupes comme Radio Thrakia Electric ( Musique des Balkans revisitée), La Cie Mohein (Musique tzigane et nomade) ou Kavkazz (Musique du Caucase). Avec son cover « Lagrimas Negras », la célèbre chanson cubaine, sur Youtube, elle dépasse le 15 milions de vues, et créé l’Ensemble Quimera, avec le guitariste Soufiane Dakki. Formée avec Martina Catella et Clotilde Rullaud, elle se spécialise dans la chanson traditionnelle de Méditerranée.

Nuria Rovira Salat a dansé avec Stephan Eicher, Fanfaraï, HaÏdouti Orkestar, Tony Gatlif, Jean Marc Zelwer, Ibrahim Maalouf, Titi Robin ou encore le Cirque Romanès, et chante aussi bien pour la scène que pour le cinéma, par exemple pour le compositeur Armand Amar . Ses deux créations chorégraphiques « Azahar » (2008) et « Les Andalousies, du Bosphore à Gibraltar » (2016), avec sa collègue et danseuse de flamenco Karine Gonzalez, fusionnent les styles gitans, tziganes et arabes et explorent le métissage culturel de ce bassin qui s’étend du Bosphore au détroit de Gibraltar.

Sandrine Monlezun

Après avoir passé son enfance et son adolescence à la Maîtrise de Radio-France, elle en sort pleine de curiosité pour d’autres horizons, d’autres techniques vocales, d’autres sonorités. En 2003, alors qu’elle entame une Maîtrise en ethnomusicologie, elle décide de prendre pour thème la musique traditionnelle bulgare. Tombée littéralement amoureuse de ces chants, elle s’installe à Sofia, et y reste quatre ans, profitant de l’enseignement de grands musiciens et chanteuses. Sandrine Monlezun chantera ensuite dans de nombreux concerts, festivals, émissions de TV/Radio, concours, en compagnie d’artistes bulgares, la mettant en avant en tant qu’étrangère interprétant des chants bulgares. En 2007, elle décide de rentrer définitivement à Paris, et fait la rencontre des deux chanteuses Xanthoula Dakovanou et Hacer Toruk, avec qui elle forme le Trio Tzane. Les trois jeunes femmes se produisent à Paris (« Nuit de l’improvisation » de Jean-François Zygel au Théâtre du Chatelet) et à l’étranger (Bulgarie, Grèce, Turquie, …). Depuis 2009, de nouveaux projets lui permettent de travailler sur ses compositions, imprégnées de musique du monde, mais également sur la mise en scène, la scénographie et la photographie, à travers notamment le spectacle « Histoires d’épices », adaptation du livre « La Maîtresse des épices » de l’auteur indienne Chitra B. Divakaruni (création en mai 2011 au Lavoir Moderne Parisien).

Awena Burgess

Née à Paris, Awena Burgess commence le chant dans le choeur des Glotte-trotters dirigé par Martina Catella, qui l’initie aux musiques du monde, des polyphonies bulgares aux musiques roms en passant par les chants soufis pakistanais. Puis elle étudie auprès d’Aïcha Rédouane (chant arabe classique) et Ida Kelarova (musique rom de Tchèquie). Elle s’initie à l’arabe et l’hébreu puis étudie la langue romani à l’INALCO auprès de Marcel Courthiade et Jeta Duka.

En 2005, elle crée le groupe Balval avec lequel elle enregistrera 3 disques. Elle a également chanté au côté d’Estelle Goldfarb (klezmer électro) , de Tziganiada (musique roumaine), ou encore de l’Electrik GEM (rock méditerranéen). On peut également la voir sur scène en tant que comédienne et chanteuse dans le spectacle jeune public « Les Animaux de tout le Monde », d’après Jacques Roubaud pour lequel elle a composé la musique avec Daniel Mizrahi.

En milieu hospitalier, Awena Burgess s’est produite avec différentes formations, telles que son duo avec l’accordéoniste Jasko Ramic ou son trio vocal a cappella créé avec les chanteuses Sandrine Monlezun et Nuria Rovira Salat.

Duo Issanino

Lili Aymonino, chant

Issue d’une famille de chanteurs traditionnels, Lili Aymonino pratique très tôt le jeu et le chant sur scène avant d’intégrer le chœur d’enfants de l’Opéra de Bordeaux. Après un DEM de chant lyrique du CRR de Paris, elle se forme en concertiste avec Elsa Maurus et explore le répertoire baroque avec Stéphane Fuget. Jeune soprano lyrique, Lili collabore régulièrement comme soliste avec l’Opéra de Versailles et fait ses débuts à l’Opéra de Tours en 2022. Elle pratique également la polyphonie avec l’ensemble féminin De Caelis, et l’improvisation libre et dirigée. Pour les spectacles de la Compagnie des Xylophages, elle élabore avec Ariane Issartel des créations musicales originales.

Ariane Issartel, chant & violoncelle

Ariane Issartel est musicienne, metteure en scène et chercheuse. Elle centre son travail sur la mise en relation de la musique et du texte. Après un DEM de violoncelle au CRR de Paris, elle entre à l’ENS Paris où elle étudie la littérature comparée et la dramaturgie, et fonde en 2015 la Compagnie des Xylophages. Depuis 2018, Ariane poursuit son travail de recherche avec une thèse portant sur la présence du chant dans le théâtre contemporain. Elle participe à des projets théâtraux en tant que musicienne de plateau (Cie des Evadés, Cie des Xylophages), s’occupe de dramaturgie pour des spectacles musicaux, écrit de la musique pour des courts-métrages et des documentaires, et s’intéresse à la mise en scène d’opéra (l’Enfant et les sortilèges, 2018 ; La Flûte enchantée, 2019 ; Carmen, 2022).

Te Beiyo

Compositrice, autrice et interprète strasbourgeoise d’origine martiniquaise, Te Beiyo est suivie de près en Île de France : résidences à l’Odéon de Tremblay, au Forum de Vauréal, à Canal 93, dispositifs d’accompagnement du Combo 95 et de la Manufacture Chanson… De belles salles et productions (Alias) lui ont fait confiance : les Trois Baudets, le Point Éphémère, le Petit Bain, La Cave (95), le Hangar (94), File 7 (77)… Et d’autres horizons s’offrent à elle : Strasbourg, Annecy, Lille, Autrans (Vercors Music Festival), Limoges (Éclats d’Émail Jazz Festival), Bruxelles, Lausanne…

Dernièrement, on a pu la voir en première partie d’artistes tels que Tété, Jehro, Piers Faccini, Davy Sicard ou encore Hurray for the Riff Raff, mais aussi en ouverture de concerts de Féloche, Mayra Andrade, Vaiteani, Susheela Raman, et HK et l’Empire de Papier.

Carla Moujahed-Coste

Carla Moujahed- Coste débute le violoncelle à l’âge de sept ans au CRR de Lyon. En 2021, elle est admise au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon (CNSMDL) dans la classe d’Emmanuelle Bertrand puis d’Eric-Maria Couturier. En parallèle, elle reçoit l’enseignement de grands maîtres du violoncelle ; notamment Frans Helmerson, Anne Gastinel, Peter Bruns, Raphaël Merlin, Chu-Yi Bing, Jérôme Pernoo et le quatuor Modigliani… à l’occasion de diverses master-classes et académies. Carla remporte plusieurs prix à différents concours. Elle obtient notamment le 1er prix au Concours International C.I.R.C.E Salina, le 1er prix au Concours International « Luigi Cerritelli », le 1er prix au concours « Flame » et le prix du Talent Prometteur au concours « Talents classiques ». En 2023 et 2024, elle participe à la tournée itinérante « Un été en France » en partageant la scène avec Gautier Capucon. Elle joue un violoncelle de Frank Ravatin conçu en 2012 et prêté́ généreusement par l’Association Talents & Violoncelles.

David Chalumeau

David Chalumeau, harmonica

Harmoniciste français, David Chalumeau attrape le virus du blues à l’adolescence en écoutant les grands maîtres du genre et apprend l’harmonica en autodidacte. Après un EP produit en 2003, il participe à des projets aux styles variés : blues, jazz, cajun, bluegrass, chanson française, folk … et intègre en parallèle un cycle jazz à l’EDIM. Virtuose du « ruine-babine », David Chalumeau rejoint en 2012 lʼéquipe de Cory Seznec (prix OFQJ du festival Blues sur Seine) pour des tournées françaises et internationales : Paris, New-York, Addis-Abeba, Montréal, Annapolis … Parallèlement, il n’a cessé de transmettre sa passion en donnant des cours d’harmonica (300 enfants chaque année dans le cadre du festival de Blues sur Seine) et co-organise avec l’équipe Sawmill Sessions des jams mensuelles, un festival et des concerts autour des musiques Old Time & Bluegrass sur une péniche parisienne. David fait également parti des artistes de la célèbre marque d’harmonicas HOHNER.

Paul Jarret

Compositeur, improvisateur et meneur de projets très actif, le guitariste Paul Jarret déploie un son et un univers très personnels à travers ses différents groupes, projets et collaborations qui l’amènent désormais à être reconnu au sein de la scène jazz française et européenne. Avant tout musicien de jazz et de musiques improvisées dans toute leur diversité, Paul Jarret est indéniablement marqué par les groupes contemporains de rock alternatif anglais et scandinaves et par certains groupes de pop ou de métal. Il se passionne également pour les musiques traditionnelles du nord de l’Europe (Scandinavie, Royaume-Uni), la musique ancienne et les compositeurs français et américains du XXème siècle. Il reste très attaché à la tradition du jazz et à ses standards, allant aussi jusqu’à pratiquer l’improvisation libre radicale.

Les projets qu’il développe en leader (Pj5, EMMA, Ghost Songs) ou co-leader (Sweet Dog, trio Jarret/Johansson/Von Martens, HARPA) ont chacun leur identité propre, empruntant à ces différents courants musicaux. Ils sont les différentes facettes d’un même univers musical qui a permis à Paul Jarret de remporter plusieurs prix et récompenses (Concours National de Jazz à La Défense, Jazz Migration, Talents Adami Jazz, Génération Spedidam…). En 2018 il intègre le collectif Pégazz et l’Hélicon, parmi les plus actifs de la scène parisienne. En 2019 il remporte les Talents Adami Jazz et forme à cette occasion le groupe Ghost Songs avec le batteur américain Jim Black, le claviériste belge Jozef Dumoulin et le saxophoniste Julien Pontvianne. En 2023 il crée son grand ensemble non sonorisé, l’Acoustic Large Ensemble (A.L.E.) formé de quatorze musicien.ne.s, pour lequel il écrit la totalité du répertoire, et prépare en parallèle un set en solo.

En 2024 Paul Jarret crée son nouveau quartet européen TILIA, avec le saxophoniste allemand Philipp Gropper, la batteuse coréenne Sun-Mi Hong et le contrebassiste Étienne Renard. Très engagé dans la défense de l’écologie et du développement durable, Paul Jarret défend ces valeurs notamment au sein de la fédération Grands Formats.

Pauline Collin et Ronan Yvon

Pauline Collin, chant

Pauline Collin se forme comme comédienne au Conservatoire de Rennes avec Daniel Dupont, puis à l’École Nationale Supérieure D’Art Dramatique de Montpellier, sous la direction d’Ariel Garcia Valdès. C’est au sein de cette même école qu’elle suit sa formation de chanteuse. Par la suite, elle est engagée dans les comédies musicales de David Lescot, avec tout d’abord Une femme se déplace, puis La Force qui ravage tout. Elle est aussi l’actrice principale du premier court-métrage de Marion Guerrero Finir ma liste et tient en 2024 le premier rôle du film d’animation musicale Signal d’Emma Carré et Mathilde Parquet. Elle est aussi metteuse en scène et autrice. Elle a créé sa première mise en scène Smog au Festival du Printemps des Comédiens en 2021 et travaille actuellement à l’écriture de Super, son prochain spectacle qui sera créé à l’automne 2025.

Ronan Yvon, guitare

Compositeur et guitariste, Ronan Yvon fait ses premières armes en 1988 en jouant du rock dans les clubs parisiens, puis s’intéresse au jazz et aux musiques traditionnelles, notamment irlandaise (Time to time, Collectif Markus…). En 1998, il forme le groupe instrumental Popinsko, laboratoire musical où il expérimentera l’écriture et l’improvisation pendant plus de six ans. Il collabore, en tant que compositeur et accompagnateur, avec de nombreux chanteurs, sur scène et en studio (Alexis HK, Marie Tout Court, Rivkah…). Il a composé et joué sur scène pour des créations théâtrales variées (Soda, Joséphine Ose…), de la danse (Cie La Passionata Svironi), et du spectacle jeune public (Tournée des Jeunesses Musicales de France). Ronan Yvon accompagne également les comédies musicales de David Lescot, où il rencontre la chanteuse et comédienne Pauline Collin.

Alexey Asantcheeff

Petit-fils du compositeur et chef d’orchestre écossais Jack Lockhart, Alexey Asantcheeff étudie le piano classique dès ses 6 ans, au côté de la pianiste Carla Segalini. Il poursuit son cursus en piano jazz au sein de l’American School of Modern Music de Paris, avant de se former à l’orchestration classique et jazz, auprès de Pierre Bertrand (Paris Jazz Big Band, Nice Jazz Orchestra…), de David Lampel et Emil Spanyi.

Par la suite, il devient partenaire de la chanteuse de jazz, Lou Tavano, avec qui il co-signe toutes les compositions de son premier disque “For you” paru en mars 2016 sur le label allemand ACT, opus qui reçoit la reconnaissance de la presse française et européenne. A la suite de cette parution, le duo entame une tournée importante en France et à l’étranger (notamment à Jazz à Vienne, Crest Jazz Vocal, Festival Django Reinhardt, Jazz à Ramatuelle, Jazz au Fil de l’Oise, La Cigale, le Café de la Danse, l’Olympia pour la soirée TSF Jazz You & The Night & The Music, KonzertHaus Berlin, Sarrebrück, Bad Homburg, et une tournée au Maroc). Leur second album, « Incertain Weather » (L’UN L’UNE/L’Autre Distribution), paru en 2020, vaut à Lou Tavano une nomination aux Victoires du Jazz et un retour très positif de la critique.

Parallèlement, Alexey Asantcheeff collabore avec d’autres artistes autour de différents styles : samba, house et jazz avec Diogo Strausz, ou musique Maloya avec Bastien Picot (Aurus).

Lou Tavano

Lou Tavano étudie le chant à l’American School of Modern Music. En 2012, elle sort un premier EP de reprises « Meets Alexey Asantcheeff » avec lequel elle attire l’attention de Siggi Loch, fondateur du prestigieux label allemand ACT, qui la signe sur-le-champ. Devenue ACT recording artist, Lou Tavano publie son premier album « For You » (ACT/PIAS). Ce disque comprend onze compositions originales et une reprise plébiscitée du titre « Afro Blue ». Elle tourne ensuite entre 2016 et 2019 son spectacle aux quatre coins de la France (notamment à Jazz à Vienne, Crest Jazz Vocal, Festival Django Reinhardt, Jazz à Ramatuelle, Jazz au Fil de l’Oise, La Cigale, le Café de la Danse, l’Olympia pour la soirée TSF Jazz You & The Night & The Music…), de l’Allemagne (KonzertHaus Berlin, Sarrebrück, Bad Homburg…) et du Maroc. Elle a été l’invitée de prestigieux festivals internationaux à New York (Winter Jazz Festival, French Quarter Jazz Festival in NY), à Londres (London Jazz Festival), à Rome ou Lisbonne. En 2020, elle sort son second opus « Uncertain Weather » (L’UN L’UNE/L’Autre Distribution), pour lequel elle est nommée aux Victoires du Jazz dans la catégorie « Artiste vocal ».

So Ouatte

Audrey Thirot, chant

Audrey Thirot est une chanteuse, multi-instrumentiste, et compositrice française, dont la musique se démarque par un mélange unique d’influences : folk, jazz et musiques improvisées, et chants traditionnels d’Amérique Latine. Ses textes entremêlent différentes langues (français, anglais et espagnol principalement, mais également italien ou suédois) dans un équilibre subtil qui permet différents niveaux d’écoute et une grande force onirique.

Esprit libre et autodidacte dans l’âme, Audrey Thirot s’imprègne de différentes influences musicales au cours de ses expériences de vie à l’étranger (Espagne, UK, Équateur, Chine…), tout en approfondissant ses connaissances sur les bancs de différentes écoles : Conservatoires d’Orléans et Paris, Berklee College of Music et IMEP.

Robin Nitram, guitare

Robin Nitram est un guitariste et compositeur aux influences multiples et multi-culturelles. Né en France, il a voyagé aux quatre coins du monde (USA, Vietnam, UK, Espagne, Portugal, Italie, Allemagne, Pologne) et obtenu son diplôme au sein de la prestigieuse école de l’IMEP à Paris. Son univers artistique est fortement imprégné par les rencontres humaines et les voyages qu’il a pu faire au cours de sa jeune carrière.

Assez prolifique, l’artiste évolue au sein de plusieurs formations ; le Motto Trio dont il est le leader, son projet solo avec lequel il vient de sortir un troisième album sur le label Ramble Records et So Ouatte, duo de jazz et de musiques improvisées formé avec la chanteuse Audrey Thirot.

Julie Sévilla-Fraysse

Julie Sévilla Fraysse est diplômée du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et de la Julliard School de New-York. De retour en Europe, elle rejoint la Chapelle Reine Elisabeth en Belgique en tant qu’artiste en résidence. Elle suit en parallèle l’enseignement des meilleurs violoncellistes tels que Roland Pidoux à Paris et Gary Hoffman à Bruxelles. Elle est également lauréate de la Fondation Banque Populaire. Julie Sévilla-Fraysse s’est produite en tant que super soliste avec l’Orchestre Symphonique d’Anvers à la salle de concert FLAGEY à Bruxelles, avec l’Orchestre des UAEH au Mexique ainsi qu’avec l’Orchestre Camerata Venia dirigé par Gleb Skvortsov, ou encore au festival « Un Violon sur le Sable ». Passionnée de musique de chambre, elle a donné des récitals avec certains des artistes classiques les plus en vue tels que les pianistes Abdel Rahman El Bacha, Nicolas Angelich, le violoniste Régis Pasquier ou le violoncelliste Gary Hoffman. Pendant des années, elle a fait partie de l’orchestre de l’Opéra National de Paris et est aussi membre fondateur du Trio Klimt. Ses disques ont été consacrés aux Sonates de Kodaly, Janacek et Dvorak, ainsi qu’au Concerto pour violoncelle de Haydn.

Quatuor vocal et piano /Choeur de Radio France

Barbara Vignudelli (soprano), Marie-George Monet (mezzo-soprano), Nicolae Hategan (ténor), Mark Pancek (baryton) et Caroline Marty (piano).

Barbara Vignudelli (soprano)

Née à Bologne, la soprano Barbara Vignudelli a obtenu sa maîtrise de chant lyrique auprès du Conservatoire “Venezze” de Rovigo, de musique vocale de chambre avec le vote maximus et les félicitations du jury au Conservatoire “L.Cherubini” de Firenze sous la conduite de la soprano Liliana Poli, et a également obtenu un master avec mention du Jury en musique vocale de chambre au Conservatoire de Musique “G.Verdi” de Milan.
Elle se perfectionne ensuite dans le domaine de la musique de chambre avec G.Kuhn, G. Neuhold, T. Steinhöfel, K. P. Kammerländer, A.Ballista, D. Baldwin, S. Walker, M. Martineau, R. Vignoles, ou dans celui de l’opéra lyrique avec P. Venturi, G. Frazzoni, A. Pola, G. Raimondi, C. Desideri, W. Matteuzzi, Mirella Freni.
Ses expériences les plus notables en tant que soliste sont les suivantes : au Théâtre National de Marseille, à la Biennale de Venise, à la Stagione Sinfonica della R.A.I. Radio Televisione Italiana di Milano e Torino, à la Stagione Auditorium di Milano, à la Fondazione Cini di Venezia, à la Fondazione Festival Pucciniano Torre del Lago, à la Stagione Lirica del Teatro Petruzzelli di Bari, à la Stagione Lirica e Concertistica del Maggio Musicale Fiorentino, au Teatro alla Scala di Milano, au Megaron Musiki (Athènes), au Schladminger Musiksommer (Autriche), au Muho Mannheim (Allemagne), au Festival di Sintra (Lisbonne), ainsi qu’au Festival Radio France (Paris) avec les Chefs d’orchestre suivants : R. Jacobs, K. Järvi, G. Albrecht, M. de Bernardt, R. Abbado, T. Pinnok .

Marie-George Monet

Après une licence de musicologie à l’université François Rabelais de Tours, Marie-George Monet intègre la Guildhall School of Music and Drama de Londres dans la classe de David Pollard. Elle travaille régulièrement auprès de personnalités telles qu’Eugène Asti, Sarah Walker, Peter Robinson et Sue Waters. Elle obtient son diplôme en 2007.
Elle collabore régulièrement avec de nombreux ensembles vocaux tels que C Barré (Sébastien BOIN), l’Ensemble Musicatreize (Roland HAYRABEDIAN), Sequenza 9.3 (Catherine SIMONPIETRI), Accentus (Laurence EQUILBEY), Solistes XXI (Rachid SAFIR), De Caelis (Laurence BRISSET) et Macadam Ensemble (Etienne FERCHAUD). Elle se produit ainsi dans de nombreux festivals tels que Aix-en-Provence, La Chaise Dieu, Noirlac, Saintes, Musica, ManiFeste, Radio France Occitanie, Présences, Salzburg, Cuenca…
Marie-George Monet se produit aussi régulièrement en soliste dans le répertoire d’oratorio, notamment dans le Te Deum de Charpentier (direction C. Curnyn) à Londres, la Messe en Mib Majeur de Schubert (direction C. Zacharias) au festival de Cuenca en Espagne, ou Threni de Stravinsky (direction S. Cambreling) à l’amphithéâtre Bastille.
Sur la scène, elle interprète différents rôles dont la Messaggiera (Orfeo, Monteverdi), Arnalta (Le Couronnement de Poppée, Monteverdi), la Troisième Dame (La Flûte enchantée, Mozart), La Sorcière (Hansel und Gretel, Humperdinck), La Justice Divine (Il Diluvio Universale, Falvetti) au sein de diverses compagnies.
Son intérêt pour la musique contemporaine l’amène à prendre part à de nombreuses créations, parmi lesquelles Yvonne, Princesse de Bourgogne de Philippe BOESMANS, à l’Opéra de Paris (alto solo), Orimita de Claire RENARD à l’opéra de Reims, ou encore le rôle de la Femme 3 dans Slutchaï de Oscar STRASNOY à l’opéra de Bordeaux. Elle enregistre, dans le cadre de l’émission Alla Breve sur France Musique Omega de Felix IBARRONDO sous la direction de Sébastien BOIN avec l’ensemble C Barré.

Nicolae Hategan

Nicolae Hategan est né en Roumanie. Après des études d’électronique et passionné par la musique, il décide de devenir chanteur ténor lyrique professionnel, étudiant au Conservatoire de Timosoara.
Après 3 saisons au Chœur de la Philarmonie de Timisoara, il réussit à 25 ans le concours d’entrée au Chœur de Radio France. Depuis 2015, il est régulièrement choisi pour chanter en soliste dans plusieurs ouvrages à Radio France dont les fameux Carmina Burana de Carl Orff à l’auditorium de la maison de la radio, dirigés par Sofi Jeannin et Martina Batic.
Il est aussi sollicité régulièrement en France pour chanter les parties soliste du Requiem de Mozart, de La Création de Haydn, ou du Stabat Mater de Rossini.

Mark Pancek

Baryton de nationalité britannique, Mark Pancek reçoit une formation complète à Londres, à la Royal Academy of Music puis au National Opera Studio, avant d’être finaliste du Concours International Kathleen Ferrier en 1992. Depuis lors, il poursuit une intense carrière de soliste d’opéra et d’oratorio. Il a chanté sur les principales scènes d’Europe, dans des rôles aussi divers que Scarpia dans Tosca au Scottish Opera en 1990, le Marquis dans Le Dialogue des carmélites au Welsh National Opera en 1999, le rôle titre de Falstaff à l’Abbaye de Royaumont en 1992, celui de Wozzeck à l’Opéra de Nancy en 1997, Moralès et le Dancaïre dans Carmen en 2000 avec les Musiciens du Louvre, Figaro dans les Noces de Figaro au Festival de Montcléra en 2012 ou encore Jupiter dans Orphée aux Enfers avec Radio France en avril 2016, Die Fledermaus avec Opéra Northern Ireland en septembre 2019.
En concert, il se produit en soliste avec les orchestres de Radio France, notamment dans le Magnificat de Bach en 2007, le Requiem de Mozart en 2015, et dans de nombreuses œuvres contemporaines à la Salle Pleyel et à l’Auditorium de Radio France. En juillet 2016, 2017 et 2019 il chantera la partie de baryton solo dans Carmina Burana au Festival de Radio France à Montpellier, à Radio France, au Capitole de Toulouse, et au Grand Théâtre d’Aix en Provence.
En septembre 2019 il a chanté Franck dans La Chauve-Souris pour Northern Ireland Opera, et en octobre le Requiem de Duruflé à l’Auditorium de Radio France. En juillet 2021 Mark a chanté le rôle de Judas dans L’Oratorio Marie Magdelene de Jules Massenet pour le festival de Flavigny et la partie de basse dans Le Roi Arthur de Purcell.
En 2021, 2022, 2023 Mark va chanter le Requiem de Mozart, le Te Deum de
Charpentier, le Messie de Handael.

Caroline Marty

Au cours de son parcours, Caroline Marty a notamment travaillé avec les pianistes Ruben Lifschitz, Hartmut Höll, Julius Drake, Maciej Pikulski, Jeff Cohen, Florent Boffard, David Selig, Michel Tranchant, Colette Zerah… et avec les chanteurs Udo Reinemann, François Leroux, Peter Schreier, ou encore Mitsuko Shirai.
Chambriste, elle s’est produite avec des partenaires tels que Gary Hoffman, le Quatuor Varèse, A. Tharaud, E. Strosser, D. Selig etc…
Elle collabore avec le Palazetto Bru Zane, avec le chœur Accentus sous la direction de Laurence Equilbey, avec le Chœur de l’Orchestre de Paris (Marc Korovitch et Ingrid Roose), avec le Chœur de Radio France. En concert, elle joue notamment à l’auditorium de la Maison de la Radio, sous la direction de Sofi Jeanin, Nicolas Fink, Martina Batic, Lionel Sow, à la Cité de la Musique Philharmonie de Paris etc…

Ses collaborations lui permettent de travailler sous la baguette de Myung-Whun Chung, Daniele Gatti, Kent Nagano, Emmanuel Krivine, Jukka-Pekka Saraste, Vaclav Luks, Trevor Pinnock, Simone Young, James Gaffigan ou Klaus Mäkelä.
Elle se produit également au sein de l’Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Mikko Franck, Tito Ceccherini, Péter Eötvös, Santtu-Matias Rouvali…

Lia Naviliat Cuncic & Hubert Caldaguès

Lia Naviliat Cuncic

Lia obtient son diplôme de Master Chant Art Lyrique à la Musikhochschule Hanns Eisler de Berlin auprès de Christine Schäfer. Elle est médiatrice de l’institution Yehudi Menuhin Live Musik Now Berlin de 2015 à 2021.

Depuis 2019, Lia s’investit dans des productions de la compagnie La Tempête (dir. Simon-Pierre Bestion) qui défend le répertoire de musique ancienne et traditionnelle ainsi que moderne et contemporaine. En 2022 elle rejoint l’ensemble Pygmalion (dir. Raphaël Pichon) et Aedes (Mathieu Romano) pour différents programmes. Elle enregistre avec la compagnie La Tempête le disque Nocturne qui paraît chez Alpha Classics – Outhere Music en octobre 2022, ainsi que le disque À la Nuit avec Franck Russo (clarinette) et Laurianne Corneille (piano) qui paraît chez Calliope en novembre 2022.

Elle enregistre ses premières compositions réunies dans l’EP 6 titres Como Una Flor Sin Raices chez InOuïe distribution, mettant à l’honneur sa langue maternelle l’espagnol, et puisant dans les répertoires musicaux sud-américains qui ont accompagné son enfance.

Hubert Caldaguès

Guitariste, compositeur et chanteur lead du groupe Nuits Blondes, il se produit pendant de nombreuses années dans des festivals tels que Le Printemps de Bourges, les Francoff ou encore sur la scène du Bus Palladium et de l’International.

Sa voix, grave et profonde, intense mais sans excès, retient tout de suite l’attention le menant à chanter en première partie des Feu! Chatterton.

Hubert est chanteur et guitariste autodidacte. Après s’être passionné pour la guitare classique et le répertoire des Andes, il se dédie à explorer ce nouveau monde musical avec sa propre sensibilité.

Les T3nors

Chansons françaises, italiennes, américaines, airs d’opéras et standards internationaux sont au rendez-vous dans ce programme mettant à l’honneur les grandes voix de ténor du Chœur de Radio France.

David Lefort

Membre titulaire du Chœur de Radio France, il collabore régulièrement avec des ensembles comme Accentus, Les Eléments, l’Ensemble Jacques Moderne, La Main Harmonique, Arsys Bourgogne. D’autre part, il anime régulièrement des ateliers de sensibilisation au chant lyrique en école maternelle, primaire et collège. Depuis 2015, il collabore avec la Philharmonie de Paris et Radio France pour animer des ateliers pédagogiques. Il développe également une activité de coach dans les entreprises pour faciliter la prise de parole en public.

Nicolae Hategan

Après 3 saisons au Chœur de la Philarmonie de Timisoara, il réussit à 25 ans le concours d’entrée au Chœur de Radio France. Depuis 2015, il est régulièrement choisi pour chanter en soliste dans plusieurs ouvrages à Radio France dont les fameux Carmina Burana de Carl Orff à l’auditorium de la maison de la radio, dirigés par Sofi Jeannin et Martina Batic.

Il est aussi sollicité régulièrement en France pour chanter les parties soliste d’oeuvres telles que le Requiem de Mozart, La Création de Haydn, Stabat Mater de Rossini.

Seong-Young Moon

Originaire de Corée du Sud, Seong Young Moon débute ses études de chant à l’université Dankook (Séoul).

En 2002, il intègre la Mannes School of Music (New York) et reçoit un master de musique en chant et un diplôme d’études professionnelles de la voix.

Il est lauréat de plusieurs prix: concours international de la Fondation licia Albanese-Puccini à New York, Belvedere Singing Competition en Autriche.

En 2007, il fait ses débuts de soliste à l’opéra : Don Ottavio dans le Don Giovanni de la production de la Fondation Martina Arroyo Prelude to Performance, à New York.

En 2010, il est Tamino dans l’opéra de Mozart La Flûte enchantée en Corée du Sud.

Depuis plusieurs années, en plus de chanter dans différents chœurs d’opéra (Traviata L’Elisir d’amore, Lucia di Lammermoor, La Clémence de Titus, Don Pasquale..), il chante en qualité de soliste : Messe du couronnement de Mozart, 9e Symphonie de Beethoven Messe en sol de Schubert, Messie de Händel..

Après cinq ans au chœur de l’Opéra national de Strasbourg, il a intégré en 2018 le chœur de Radio France.

Séverine Andreu

Formée en art dramatique au Conservatoire de Montpellier, Séverine Andreu débute au théâtre dans le rôle de Célimène, du « Misanthrope » de Molière, à l’âge de 18 ans. À 21 ans, elle entre en classe d’opérette au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Elle s’oriente alors vers le théâtre musical et collabore avec les Musicomédiens (Maurice et Pierre Jacquemont), Nicolas Bataille du Théâtre de la Huchette et les Jeunesses Musicales de France.

D’autres expériences musicales l’entraînent du côté du jazz avec le groupe Sir Ali’s Girls, puis de la chanson avec le compositeur Carlos d’Alessio (« India Song »). Sous le pseudonyme de Séverine Angèle, au début des années 90 elle devient son interprète dans le spectacle « Exotic Pictures », au Théâtre de la Bastille notamment. Frédéric Mitterrand la remarque et la présente avec les chansons « Mendoza » et « Vague à l’Homme » dans ses émissions Du Côté de chez Fred et Etoile Palace.

En 2011 elle entreprend un stage au Conservatoire du XIIe avec le conteur Charles Piquion et se passionne pour cette nouvelle pratique. En 2013, Séverine Andreu crée «Édith, le Cœur d’une Femme» : un spectacle solo avec ukulélé, chanté et conté, en hommage à Édith Piaf. Le spectacle est programmé lors des Festivals d’Avignon Off 2014, 2015 et 2016. Il tourne en France et à l’étranger, en Russie et en Chine avec les Alliances Françaises et l’Institut Français au cours de l’année 2015.

En 2017, elle crée un second spectacle-hommage, «Édith Miséricorde», présenté en l’église Saint-Jean Baptiste de Belleville à Paris et en 2018 notamment lors de la Semaine Thérésienne aux Apprentis d’Auteuil. En octobre 2021, elle interprète le rôle d’Edith Piaf dans le Cinéma-Théâtre de Marc Hollogne à la Basilique de Lisieux, « Grandes et Petites Voix de l’Enfant Jésus ».

La pratique du conte donne lieu aussi à plusieurs créations de spectacles, comme « Les Histoires de Sam, contes chinois » et « La Petite Sirène » d’Andersen, dans différents festivals ou lieux comme le Centre Mandapa (Festival Contes d’Hiver) entre 2017 et 2022.

En octobre 2022, elle réalise son album, intitulé «Édith, le cœur et l’âme», sous forme de conte musical, l’enregistrement est la synthèse de ses deux spectacles sur la vie et les chansons d’Édith Piaf.

Amélie Raison

Après des études de musique et de chant auprès d’Annick Vert en Mayenne et en Bretagne, puis l’obtention d’un master d’Art-Thérapie à la Sorbonne, la soprano Amélie Raison est diplômée d’un prix de chant Première Nommée à l’unanimité avec les félicitations du jury dans la classe d’Elsa Maurus à Paris. Elle obtient sa licence DNSPM à l’unanimité avec les félicitations du jury dans la classe d’Anne Constantin au Pôle Supérieur de Paris Boulogne-Billancourt.

Lors de ses études, elle a pu se former auprès de grands artistes tels que Karine Deshayes, Mireille Delunsch, Alain Garichot, Jennifer Larmore, et plus récemment Philippe Jarousky, en tant que lauréate de l’Académie Jaroussky. On a pu l’entendre récemment en soliste dans Noces de Stravinsky à l’Opéra Garnier, dans Pli selon Pli, Improvisation sur Mallarmé de Boulez ou encore dans les Vêpres de Monteverdi sous la direction de Filippo Maria-Bressan. Elle a également interprété le rôle d’Aréthuse (Actéon de Charpentier) et de Gabrielle (La vie Parisienne d’Offenbach) lors des festivals du Mois Molière.

Elle se produit régulièrement en récital, notamment par le biais de l’Académie Jaroussky à la Seine Musicale avec le Concert de la Loge (dir. Julien Chauvin), et dans de nombreux festivals. On peut ainsi l’entendre avec l’Ensemble Contraste (dir. Johan Farjot et Arnaud Thorette) notamment dans le Requiem de Mozart et le Requiem de Fauré, en versions musique de chambre. Elle obtient le Prix de la mélodie Charles Lagourgue au Concours d’Excellence de l’UPMCF, ainsi que la 5ème place au Concours d’Honneur de l’Union Professionnel des Maîtres du Chant Français.
Passionnée de musique contemporaine, Amélie Raison crée régulièrement des pièces de jeunes compositeurs, notamment avec les ensembles 2E2M et TM+. Elle fait également partie de l’ensemble baroque Athénais (dir. Laurence Pottier), de l’Ensemble Aedes (dir. Matthieu Romano), de l’Ensemble Sequenza 9.3 (dir. Catherine Simonpietri) et de l’Ensemble La Tempête (dir. Simon-Pierre Bestion).

Trio Voy’elles

Anne-Laure Hulin

Anne-Laure Hulin commence l’étude de la flûte traversière à l’âge de 6 ans. Elle entre en 2004 à la maîtrise de Radio France.

Elle étudie actuellement le chant lyrique au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) dans la classe d’Élène Golgevit. Elle se produit régulièrement en soliste avec notamment l’Orchestre philharmonique de Radio France, l’Orchestre national de France, ou encore l’Orchestre de Paris sous la direction de Daniele Gatti, François-Xavier Roth, Daniel Harding et Paavo Järvi. Son goût pour la musique contemporaine l’amène à participer à de prestigieuses master-classes, comme celle de Barbara Hannigan à l’Opera Comique en 2020.

En 2023, elle chante la partie de soprano solo dans Aventures et Nouvelles Aventures de Ligeti au Festival Présences à Radio France, au Festival ENSEMS de Valence en Espagne, ainsi que dans plusieurs grandes salles françaises. Amoureuse de la musique chorale, elle chante aujourd’hui au sein de l’Ensemble Pygmalion (Dir. R.Pichon), mais aussi de l’Ensemble AEDES (dir. M.Romano), ainsi que l’Ensemble Les Métaboles. (Dir. L.Warynski).

Elle fait ses débuts à l’opéra en Papagena puis en Pamina, (La Flûte Enchantée, Mozart), elle a également chanté Adina (L’Elisir d’Amore, Donizetti) ou encore Eurydice dans Orphée et Eurydice de Gluck.

Marie-Cécile Hébert

Après huit années passées à la Maîtrise de Radio France, Marie-Cécile Hébert poursuit sa formation en chant lyrique au CRR 93 où elle obtient son diplôme de fin d’études. En parallèle, elle effectue deux ans au sein du chœur de l’Orchestre de Paris ainsi que de nombreuses productions avec France Culture (L’enfer de Dante, 20 000 lieues sous les mers, Esther). Elle se forme en direction de chœur aux côtés de Catherine Simonpietri et effectue un Master de recherche en musicologie à Paris-Sorbonne. Marie-Cécile Hébert effectue également un cursus au Centre de formation des musiciens intervenants d’Île de France. Elle réalise de nombreuses heures d’intervention musicale auprès d’écoles élémentaires, notamment au sein du Grand Mélange, dirigé par Marc-Olivier Dupin.

Après avoir interprété Suzanne dans Les Noces de Figaro de Mozart au CRR93, elle rejoint le chœur EOSXXI et prépare parallèlement le rôle de l’Éducatrice dans l’opéra contemporain Le SAS de John Cohen. Plus récemment, elle intègre l’équipe de direction de la maîtrise de Radio France en tant que professeure de formation musicale.

Laurine Le Prev

Musicienne instrumentiste depuis son plus jeune âge, Lauriane Le Prev se passionne pour le chant lyrique à ses dix-sept ans. D’abord soprano, elle découvre sa voix de contralto en 2017, grâce à Myriam De Aranjo, et obtient son DEM au conservatoire du 9ème arrondissement en 2020. Elle se perfectionne auprès de Philippe Jaroussky, en tant que Jeune Talent de la promotion Ravel de l’Académie Musicale Philippe Jaroussky durant la saison 2019-2020.

Passionnée par la polyphonie et le travail de chœur, elle travaille régulièrement comme choriste avec l’Ensemble Aedes dirigé par Mathieu Romano, le chœur de Radio France, Les Métaboles dirigé par Léo Warinsky, le Concert Spirituel dirigé par Hervé Niquet, l’Ensemble Cythera dirigé par Mihály Zeke, EOS XXI, ensemble vocal de solistes dirigés par Sammy El Ghadab, le chœur de l’opéra de Lille et celui de Dijon. En 2023 elle collabore pour la première fois avec la Capella Nacional de Catalunya dirigée par Jordi Savall et enregistre à ses côtés la Missa Solemnis de Beethoven.

En tant que soliste, elle aime aborder tous les styles et esthétique et jouant avec les couleurs de sa palette vocale. Elle aborde aussi bien la mélodie française, les lieder allemands, la mélodie russe, que l’opéra, l’opérette, et l’oratorio avec son Ensemble Euterpia ; trio à cordes et deux chanteuses. Elle élargit son répertoire avec l’ensemble Irini, dirigé par Lila Hajosi, en abordant des chants syriaques, byzantins, chypriotes, grecs, géorgiens… Particulièrement attirée par l’oratorio, elle chante parallèlement l’alto solo du Magnificat de Bach, le Stabat Mater de Vivaldi, le Stabat Mater de Pergolèse, la Petite messe solennelle de Rossini, le Requiem de Mozart, et la Passion selon saint Matthieu de Bach. Elle incarne également le rôle de Miss Baggott dans Le petit ramoneur de Britten à l’Auditorium de Radio France en juin 2018 sous la baguette de Victor Jacob. En 2021, la soprano Diana Higbee la nomme Jeune Talent pour son festival Musica dans sa ville natale du Mans.

Tom Bierton

Tom Bierton, né en Haute-Savoie en 91, est titulaire d’un Master de composition instrumentale et électronique du CNSM de Paris, des classes de Gérard Pesson et Luis Naon. Il a également suivi le cursus de l’Ircam.
Ses incursions dans la musique instrumentale nouvelle sont duales, nourries à la fois par une passion pour les sensations de pulsation complexes et arythmiques, et par la tranquillité foisonnante des écosystèmes naturels, qui provoquent chez lui une fascination quasi animiste.
Habité par sa conviction de l’importance sociale de l’art, et de la nécessité de son accessibilité, Tom Bierton collabore régulièrement avec l’association Tournesol – artistes à l’hôpital, et participe également à des projets de création collective dans des classes d’enfants et d’adolescents, notamment par l’ensemble Cairn et la Maison de la Musique Contemporaine.
Artiste touche à tout, tour à tour poète, plasticien ou réalisateur de courts métrages, compositeur de chansons, de musiques de films, il trouve sa liberté dans la diversité des styles et des formes.
Tom Bierton a été bénéficiaire des œuvres de la fondation Meyer et du mécénat musical de la Société Générale.

Tom Bierton et Tournesol : projets Michaux en musique et Les sons d’ici

Just Talk

Valentin Martel

Valentin est un multi-instrumentiste et compositeur franco-canadien. Il commence les percussions africaines à l’âge de 14 ans avec une troupe de musiciens sénégalais, puis apprend la guitare et la batterie. Après une série de concerts à la Mamounia de Marrakech, il poursuit son parcours à Lyon où il rencontre la contrebassiste Marion Ruault. Ils décident ensemble de créer le duo de compositions « Just Talk » dans un style folk/blues avec lequel ils effectuent des concerts dans toute l’Europe (Allemagne, Finlande, Italie, Suisse …).
En 2016, il est invité pour une tournée de concerts aux États-Unis avec des musiciens américains comme Ron Bramblage et John Zappa. En 2017, il part vivre en Allemagne, plus particulièrement à Berlin. Pendant près de trois ans, il joue dans diverses formations et ouvre les Jam-sessions au Hat Bar (Charlottenburg) ce qui lui permettra de jouer avec une multitude de musiciens européens. Autodidacte pendant une vingtaine d’années, il décide de suivre une formation au Centre des Musiques Didier Lockwood au chant et à la batterie, où il sortira diplômé avec mention. Valentin Martel a eu l’occasion de croiser la route de musiciens prestigieux tels que Scott Hamilton, William Galison (Bagdad Café), Marc Thomas… Il a eu aussi l’opportunité de jouer dans de grandes salles de concert et des festivals comme le Art Lake Festival (Allemagne), Le Prisme (Grenoble), L’Alhambra (Paris), Le JazzClub de Turin (Italie) ou encore le Ninkasi (Lyon)…

Marion Ruault

Marion débute avec le piano, puis la batterie et se consacre ensuite à la basse électrique et la contrebasse. En 2010, elle intègre le conservatoire de Toulon, puis le Conservatoire National de Lyon en classique, musiques actuelles, mais surtout en jazz sous l’impulsion du bassiste et contrebassiste français de renom Jérôme Regard. En 2016, elle obtient son diplôme d’État Musical avec mention très bien à l’unanimité du jury.
Depuis 2017, elle entretient un lien fort avec Berlin et la scène berlinoise, où elle se produit régulièrement avec de nombreuses formations de jazz. En 2019, elle intègre le Centre des Musiques Didier Lockwood pour y suivre la formation professionnelle de jazz et musiques improvisées et se perfectionne auprès de grands musiciens tels que Dominique Di Piazza, Chris Jennings, Pierre de Bethmann, Franck Aghulon, Diego Imbert, Manu Codjia, André Charlier, Benoit Sourisse, Jean Michel Charbonnel, Stéphane Guillaume, Thierry Fanfant, Felipe Cabrera, Edouard Prabhu, Jean Philippe Viret, Julien Herné…
Naviguant entre plusieurs styles de musique, elle collabore avec des artistes et improvisateurs prestigieux tels que Scott Hamilton, William Galison (Bagdad Café / Sting), Sandy Patton (Lionel Hampton ensemble), Natacha Atlas, Sanseverino, Malcolm Braff, Diego Pinera, Daniel Huck (Eddy Louiss), Marc Thomas (Claude Bolling Big Band), Denise King, Olivier Leclerc, « The International Female Musicians Collective »… Elle se produit dans de nombreuses salles et festivals tels que Jazz in Marciac, Jazz à Saint Rémy de Provence, Jazz à Vienne, Un Doua de Jazz, Festival des Nuits de Fourvière, L’Auditorium Lumière, Le Théâtre Jacques Cœur, Le Karavan Théâtre, Le Transbordeur, L’Opéra de Toulon, Le Théâtre de sens, Jazzablanca, La Cigalière et bien d’autres.

Camille Brault

Camille Brault s’épanouit autant à travers l’opéra que dans le récital, la musique sacrée, et la musique contemporaine. Après avoir étudié à la Manhattan School of Music de New York et à l’Université de Montréal, où elle a obtenu son master en 2019, elle se perfectionne ensuite auprès de Cécile de Boever au Pôle lyrique d’excellence de Lyon, avec lequel elle chante Dorabella dans Così fan tutte au château de Nervers (Beaujolais) en juillet 2021. Ce concert marque ses débuts à l’Auditorium-Orchestre national de Lyon.

Depuis 2015, elle incarne Marguerite, comme chanteuse et comédienne, dans le spectacle Marguerite d’après Faust mis en scène par Agnès Bourgeois, créé au festival d’Avignon en 2015 et repris au Théâtre Berthelot à Montreuil et à la Scène nationale de Bar-le-Duc. En 2018, elle est soliste dans le spectacle In Honor of Henry Purcell avec Les Grands Ballets canadiens. Elle a également rejoint la douzième édition du Festival Bach Montréal dans la Passion selon saint Jean de Bach sous la direction de Julian Prégardien.
En 2019, elle fait ses débuts au Carnegie Hall de New York en tant que soliste dans Calling All Dawns, cycle de mélodies du compositeur américain Christopher Tin. Son répertoire opératique comprend L’Enfant (L’Enfant et les Sortilèges), Hermia (Le Songe d’une nuit d’été de Britten), Dorabella (Così fan tutte), Métella (La Vie parisienne) ainsi que la partie de mezzo-soprano solo dans Dawn Always Begins in the Bones d’Ana Sokolović.

Pour Tournesol, Artistes à l’hôpital, Camille Brault se produit en récital avec la pianiste Mathilde Giroux. Elle intervient également dans le cadre du projet « Au chœur du souvenir », cycle de pratique vocale à destination des patients des services de gériatrie.

Duo Ziriab

Actif depuis 2019, le Duo Ziriab, composé de Lisa Meignin à la flûte et Gaspard Schlich à la guitare, se distingue par son identité musicale atypique et hybride : les deux musiciens sont attirés par le répertoire contemporain et traditionnel, et sont fascinés par le lien entre les deux. C’est ce qui les amène à créer de nouveaux programmes sans cesse, où ces deux répertoires se côtoient.
Ils se sont produits dernièrement sur les scènes nationales des théâtres de l’Odéon et de Malakoff en région parisienne, et obtiennent en 2022 le soutien de la DRAC Grand Est pour leur projet « Musiques traditionnelles et Improvisation ».

Toujours désireux de faire connaître et surtout de faire apprécier la musique qu’ils revendiquent, les deux musiciens ont commencé leur carrière en allant directement à la rencontre de publics dits « éloignés ». Ces rencontres leur donnent l’envie de créer des liens toujours plus forts avec le public, et les amène naturellement à imaginer des ateliers pensés en ce sens. Le Duo Ziriab organise alors des rencontres sur trois étés, dans différentes régions, tout en utilisant le vélo comme moyen de mobilité pour des questions écologiques. Ils enregistrent pour l’occasion un premier CD en auto-production.

Gardant toujours sa place dans la musique classique, le Duo Ziriab est finaliste de deux prestigieux concours internationaux : le Concurso de Musica de Camara de Juan Gual Esteve (Burriana, Espagne), ainsi que le Anton Garcia Abril Chamber Music Compeititon (Baza, Espagne).

Les musiciens collaborent avec l’Ensemble Accroche Note (Strasbourg) en 2022, et suivent actuellement les cours d’Armand Angster à la Haute École des Arts du Rhin, ainsi que ceux de Jens McManama (Ensemble Intercomporain) au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris.

Octantrion

Eleonore Billy, nyckelharpa

Formée au violon à la fois par la tradition orale et par un cursus de conservatoire, Eleonore Billy se tourne ensuite vers le nyckelharpa et les musiques scandinaves. Elle sera ainsi la première musicienne française à faire une formation complète à l’Institut Erik Sahlström en Suède -2003 et 2004- pays dont elle embrassera la langue et la culture.
Elle participe à la création de Boann en 2004, quatuor de musique celtique, de Sym en 2007 (Angleterre/Norvège/France) trio à cordes qui tournera pendant quelques années en Angleterre, Norvège et France, puis de TOKSO Folk String Quartet en 2008 (Norvège/Crète/France) qui a sorti son 3ème album pour les dix ans du groupe en 2018.
En 2012, elle crée, avec Gaëdic Chambrier, le duo Octantrion qui sera repéré par Jean-François Zygel : le groupe se verra consacré une longue séquence dans la Boîte à musique en 2015, participant à l’enregistrement d’un DVD de l’émission (sorti chez Naïve). Le duo Octantrion est signé chez Quart de Lune et distribué par UVM.

Gaëdic Chambrier, guitare-mandole

Dès la seconde partie des nineties, Gaëdic Chambrier démarre sa carrière scénique par la fusion metal-funk, fonde le groupe Bridge, puis enchaîne avec le groupe Docteur Folagroove (Jazz-funk). En 2002, il est contacté par la Compagnie K et devient chef d’orchestre, compositeur et musicien-comédien dans cette troupe qui propose des concerts pyrotechniques et des spectacles mêlant musique, théâtre, danse, cirque et feu.
S’ensuivent des centaines de spectacles en France et en Europe.
En 2005 et 2006, il accompagne Bonnie Tyler sur sa tournée « Wings ». Suivront des prestations en concerts, festivals et plateaux de télévision. Il y croise ou partage la scène avec Blondie, Simply Red, Joe Satriani, Trust, Marc Lavoine etc… En 2008, il intègre le groupe Boann, quatuor de musiques celtiques avec lequel il joue depuis en France et en Allemagne, puis fonde le duo Octantrion avec Éléonore Billy. En 2019, il est invité par le multi-récompensé compositeur Olivier Derivière à enregistrer de la guitare et des instruments médiévaux sur la bande son du jeu vidéo « A Plague Tale: Innocence ». Ce jeu remporte de multiple prix/Awards partout dans monde, dont le Pégase 2020 de la meilleure musique originale.

Garçons Fragiles

Garçons Fragiles a été créé en 2018 par Raphaël Otchakowsky et Franco Mannara, déjà partenaires dans divers projets (musicaux, théâtraux), dans le désir de croiser leurs différentes pratiques et d’y découvrir de nouveaux terrains de jeu. Tous deux multi-instrumentistes et chanteurs, habitués de la musique improvisée, Raphaël est aussi rappeur et Franco auteur de roman noir.
Leur première expérimentation a donné naissance à l’album « Je m’appelle Birdy –Soundtrack », disque composé autour d’extraits du premier roman de Franco (Je m’appelle Birdy – Ed Calmann Lévy).
Un nouvel album est en préparation en 2022.

Raphaël Otchakowsky est un musicien, comédien et pédagogue multipass, (batterie, chant moderne et lyrique, rap, beat box, M.A.O.). Il travaille régulièrement avec les compagnies de théâtre et de danse, les conservatoires, les associations de quartiers, dans le scolaire, dans les quartiers dits “prioritaires”, mais aussi dans le monde carcéral. Son œuvre sert toujours de point d’impulsion à la transmission artistique.

Il rappe et chante dans « Wizard Soul », en abordant sous un œil faussement naïf les travers de notre société. Il s’essaye à la musique improvisée et affectionne tout particulièrement le chant sacré et le chant lyrique. C’est dans l’album « Kairos » de Mätisse qu’il commence à développer son propre répertoire de chanteur haute-contre. Son dernier groupe « Garçons Fragiles » avec le musicien et romancier Franco Mannara sortira son 1er EP au printemps 2023.

Parallèlement, il participe à de grandes œuvres collectives tel que « Orestie », écrit par D’ de Kabal d’après Eschyle, « Monstres : On ne danse pas pour rien » de Delavallet Bidiefono, ou « Akila, le tissu d’Antigone » création de la compagnie Lumière d’Août, écrit et mise en scène par Marine Bachelot N’Guyen.

A la manière d’un « homme nombreux », il travaille, seul ou accompagné, avec une loopstation le sampling vocal et environnemental, dans des espaces qui croisent les expressions tel que Wändalism avec la claveciniste Maryna Voznyuk, ou le calligraphe Maaya Wakasugi.

Dernièrement avec la danseuse de flamenco Lili Lekmouli, il cofonde la Compagnie Le Bleu du Feu. Une toute première commande, « Notre théâtre : techniques de pointe expliquées à nos voisins » , est délivrée à Bataville au Festival des Antipodes en septembre 2022.

Pur produit du rock underground parisien, Franco Mannara, auteur, compositeur, interprète, bidouilleur et destructeur sonore a, par sa curiosité et sa soif d’expérience, construit un parcours atypique et iconoclaste.

Fondateur entre autres du groupe Spoke Orkestra, il se produit dans toute la France avec différents projets.

Il publie depuis 2017 des polars (Je m’appelle Birdy, Duplicata, Antépisode) chez Calmann Levy et aux Livres de Poche.

A coté de ses trois albums solos et des quatre albums du Spoke Orchestra, d’autres projets sont nés. On retrouve Franco Mannara dans Trio–Skyzo–Phony, Ma Colère, La Théorie du K.O. avec Marc Ducret, D’ de Kabal, Harragas avec Franck Vaillant et Abd el Haq, Stratégies obliques avec Benoît Delbecq et D’ de Kabal ou les quartets vocaux The 1234’s et Les Daronz.

On le croise régulièrement au théâtre notamment avec la compagnie Riposte et la Compagnie du Bredin, ou dans des projets plus éphémères.

En 2019 il crée Bingo Fury avec Raphaël Otchakowsky, un nouveau terrain de jeu où se croisent musiques urbaines, loop stations et mélodies pop.

Il est par ailleurs coach vocal et coach scénique au Studio des Variétés et dans diverses structures en France et titulaire du D.E de professeur de chant en musique actuelle.

Garçons Fragiles et Tournesol: projet Je m’exprime donc je suis

Collectif KYMT

Vincent Arnaud, guitare

Après des études de guitare classique dans le sud de la France, Vincent Arnaud monte à Paris pour étudier la composition et l’arrangement à l’American School Of Modern Music et au conservatoire où il perfectionne son jeu de guitare auprès de grands professionnels. En même temps, il découvre les musiques indiennes et arabes, va à la rencontre des acteurs de ces différentes scènes et s’initie au oud auprès de différents maîtres. Il commence alors à travailler en studio comme instrumentiste tout en se produisant au sein de différentes formations de la scène actuelle tels que Claude Artier (pop), NORR (acousmatique), Nûn Orchestra (musique de chambre) et Maï Maï Linkx (electro jazz). En 2017, il fonde Isthme, formation dans laquelle il met en œuvre le fruit de ses recherches personnelles en matière de composition, dont le premier album Mirages est sorti en 2020. En parallèle à ses activités d’instrumentiste, Vincent écrit et compose pour le théâtre et l’audiovisuel.

Kévin Henao, basse

Fils d’un père colombien et d’une mère née à Dakar, Kevin Henao se passionne très jeune pour la musique. Il s’initie aux percussions en autodidacte puis s’oriente vers la basse électrique, qui deviendra son instrument principal. Il étudie à l’American School of Modern Music de Paris avec entre autres Peter Giron comme formateur. En parallèle, il fait ses débuts sur scène dans le groupe de funk Soul Train Paris durant 3 ans. Par la suite et par le fruit de diverses rencontres il travaille et se produit avec des groupes très éclectiques tels que Tumvao (Latin Funk), ou Philing (Zouk Celtique). Aujourd’hui il officie dans La Bande à Bidou (Disco Punk), Hop Hop Hop Crew (Musique des Balkans), El Wah (Rock alternatif) et Serge Ananou (Afro Jazz. Il finit par monter sa propre formation de Heavy Funk : le groupe Culte. En parallèle, il collabore sur un projet de musique électronique avec le producteur Moshé Galactik.

Jean-Baptiste Paliès, batterie

Après une formation classique au CRR de St Maur et au CRD d’Avignon, il se tourne vers le jazz et sort diplômé de la Groove Academy et de l’école Agostini. Il participe aux Master Classes de Stéphan Kochoyan, Manu Di Bongo, Richard Galliano….

Habitué des caves parisiennes, il anime les jams du 38 Riv’, du Caveau de la Huchette, se produit dans diverses formations au Baiser Salé, Sunset, Autour de Minuit, au Triton, et poursuit en parallèle l’étude de la batterie au côté d’Anne Pacéo et Christian Lété. En 2009, il sort vainqueur du tremplin Jazz de St Germain des Près – avec le groupe JSTRIO. Il se produit aux festivals Off d’Avignon, le festival Art Rock (Saint-Brieuc), Festival d’Arts et Musiques du Monde (FAMM – Albières), C l’été !, Jazz à Enghien, Solidays, Jazz à Vienne. Son ouverture au monde du théâtre l’amène à jouer la musique de nombreuses pièces et composer les musiques des “versions pupitres” de la Compagnie Influenscènes – Théâtre du Rond-Point, Théâtre de l’Est Parisien, Théâtre 13. Il est notamment batteur du groupe de funk Echoes Of.

Rémi Fox

Rémi Fox est saxophoniste, improvisateur, compositeur et directeur artistique de nombreuses créations artistiques au sein desquelles l’expérimentation et la recherche de formes nouvelles tiennent une place importante. Il est diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris avec un Master du département jazz et musiques improvisées, un Prix du département d’improvisation générative et un Diplôme d’artiste interprète.

Rémi Fox est professeur d’enseignement artistique au Conservatoire à Rayonnement Régional de Boulogne-Billancourt (Jazz et Musiques improvisées) et au Pôle Supérieur de Paris Boulogne-Billancourt (Improvisation et Création musicale). Il se produit à travers le monde – en solo et dans diverses ensembles – confrontant sa musique avec d’autres arts. De cette volonté sont nées des créations avec le théâtre, la danse, le cinéma, les arts visuels et numériques.

Entre 2019 et 2021, Rémi Fox est artiste en résidence à la Cité musicale-Metz avec son ensemble nOx.3 & Linda Oláh pour créer et enregistrer « MiMo », un spectacle multimédia immersif et dispersif. En résidence de recherche artistique à l’Ircam, il travaille avec Jérôme Nika sur le projet « Hippocampe Artificiel », afin d’aborder le défi de la musique avec électronique en temps réel. En 2021, il est artiste en résidence « Création en cours » des Ateliers Médicis pour développer son projet solo de création et de transmission « Le Rêve éveillé ». L’année suivante, il adapte ce même projet au monde hospitalier pour Tournesol, Artistes à l’Hôpital et intervient cette fois au sein de deux services de pédopsychiatrie du Centre Hospitalier Théophile Roussel.

En 2023, Rémi Fox est artiste en résidence à la Villa Médicis – Académie de France à Rome pour une création autour du compositeur Giacinto Scelsi. Il compose une œuvre pour saxophone et électronique déclenchée en temps réel. La composition mêle musique écrite et improvisée et inclut des enregistrements sonores réalisés à la Villa Médicis et dans la ville de Rome.

Justine Chasles

Justine Chasles, texte, chant et mise en scène

Justine Chasles est chanteuse, autrice, comédienne, et artiste membre du collectif pluridisciplinaire Ne parlez jamais à des inconnus, implanté à Aubervilliers. Elle a d’abord suivi une formation d’art dramatique aux Enfants Terribles à Paris.

À sa sortie de l’école en 2017, elle participe à plusieurs stages de chant sur la « voix intime » avec Maria Laura Baccarini. Elle y découvre son rapport à la musique et à la voix. Elle écrit alors sa première création, une auto-fiction entre théâtre et chanson intitulée La Cabane aux Merveilles, création hybride entre concert et performance théâtrale. Le spectacle se joue notamment au Théâtre des Déchargeurs à Paris en 2021 et 2022.

En mars 2023, elle sort son premier EP qui contient les 6 chansons du spectacle Elle prépare actuellement son deuxième EP Maison brûlée.

Par ailleurs, elle consacre une part importante de son travail à la médiation. Elle a été professeure d’éveil théâtral en primaire et maternelle pendant 5 ans à Paris. Elle donne également des concerts en milieu hospitalier avec l’association Tournesol Artiste à l’hôpital, et des ateliers à destination des personnes en situation de handicap lors de séjours avec les EEDF.

En 2025, elle est intervenante et compositrice pour le film Sans voix réalisé par Valentine Cadic avec une classe de CM1 de l’école Joliot-Curie à Pantin, projet produit par les Filmeuses en partenariat avec le festival de cinéma Côté Court à Pantin.

Christelle Raquillet

Musicienne émergente de la scène jazz parisienne, Christelle Raquillet est originaire de Normandie. Elle fit ses premiers pas au Conservatoire de Caen avant de poursuivre ses études en région parisienne. Aujourd’hui diplômée du Pôle Sup’93 et du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris respectivement en flûte traversière classique et en jazz, elle voyage avec aisance d’un style à l’autre, en passant par l’improvisation libre ou la pop. Elle se produit régulièrement en tant que flûtiste et chanteuse sur la scène jazz en France et en Allemagne au sein de différents groupes et projets (Laurent Coulondre, Thierry Maillard, Laurent Dehors), tout en explorant la scène électro (Ours Samplus). Elle s’investit activement dans les projets mêlant musique et cinéma de l’orchestre Curieux. Au sein de Tournesol, elle se produit notamment aux côtés de l’accordéoniste Wilfried Touati.

Judith Marx

Judith Marx a commencé très tôt à chanter. Recrutée dans la filière voix du conservatoire du 13e arrondissement, elle passe un bac avec option de détermination musique, y aura l’occasion de chanter avec le chœur sans frontières, interpréter Carmina Burana à la salle Pleyel et jouer le rôle principal d’une comédie musicale écrite par Julien Joubert. Après des études de théâtre et de jazz, elle se lance également dans l’aventure des Marx Sisters, un groupe familial de musique klezmer et de chant yiddish. Parallèlement, elle jouera dans une comédie musicale écrite et composée par Lo Glasman, Ada Lovelace. Diplômée du DUMI (Diplôme Universitaire de Musicien Intervenant), elle travaille dans les écoles, mais aussi sur un spectacle jeune public intitulé Boucanville, s’intéresse de plus en plus au théâtre musical, tout en exerçant professionnellement avec les Marx Sisters.
En 2024, elle intègre la compagnie de théâtre de rue ACIDU et participe ainsi à trois spectacles dont une création.
Elle est par ailleurs très engagée au sein de l’association Tournesol, Artistes à l’hôpital où elle développe des ateliers d’initiation musicale à destination des enfants et adolescents en milieu de soin.

Judith Marx et Tournesol : projet Graine de sons

D’Or et de Paille

Le Duo d’Or et de Paille vous invite à découvrir les sagesses et les trésors que portent en elles les musiques de différentes cultures, qu’elles soient classiques, sacrées ou populaires : danses, prières, poèmes, chansons, contes, ou airs d’opéra…

Clara Pertuy, mezzo-soprano

Clara Pertuy débute le piano à 5 ans. Elle obtient son DEM au CRR de Nancy, entre à la Haute École de musique de Genève et parachève ses études pianistiques avec un Diplôme national supérieur professionnel de musicien, un Diplôme d’État d’enseignement, ainsi qu’une licence de musicologie au PESMD Bordeaux-Aquitaine. Dès l’âge de 14 ans, elle prend des cours de chants et chante dans des choeurs, suit des formations de comédienne et conteuse, et se produit très vite sur scène dans des domaines tels que le théâtre et le conte musical, le jazz, l’improvisation, et les polyphonies traditionnelles du monde. Elle obtient son DEM de chant lyrique en 2017 à Bordeaux dans la classe de S. Coste avant de se perfectionner avec L. Sarrazin.

Sa prédilection pour la musique ancienne l’amène à travailler avec C. Lefiliâtre, S. Fuget, J.C Candau et F. Tavernier-Vellas pour la musique polyphonique et sacrée. En 2018, elle a chanté en soliste dans ce répertoire pour des Concerts Mécénart, lors du Festival de Blaye, ou encore au concert de Noël des Petits Chanteurs de Bordeaux sous la direction d’A. Duffaure.

Devenue artiste associée à la compagnie Éclats, elle incarnera le rôle de Bagheera dans l’opéra Jungle de S. Guignard et du compositeur J.C Feldhandler au cours de la saison 2019/20, à l’Opéra de Bordeaux et de Limoges. Elle chantera en soliste des oeuvres de Kate Moore au Théâtre de Dortmund avec l’orchestre philharmonique pour le deuxième volet du Ballet Die Göttliche Komödie de Xin Peng Wang : Purgatorio.

Jan Myslikovjan, accordéon

L’approche musicale créative et spontanée de l’accordéoniste Jan Myslikovjan se construit dès l’enfance à travers l’improvisation et le répertoire populaire de l’accordéon. Puis c’est à Bordeaux, poursuivant ses études, qu’il découvre avec enthousiasme la musique contemporaine et la richesse de l’accordéon classique, et à travers de multiples rencontres et projets, élargit ainsi sa palette d’expressions. Il y obtient un DEM d’accordéon, un prix d’écriture, d’analyse, d’improvisation et de musique de chambre contemporaine, et poursuit aujourd’hui ses études musicales au CNSM de Paris.

Musicien curieux, il aime explorer les frontières des différentes facettes de l’accordéon et de son répertoire, en solo ou à la croisée de arts, participant à de nombreux projets pluridisciplinaires comme les 100 Non-Accordéonistes, ou Prévert en Barbarie, spectacle de théâtre musical poétique de la compagnie Chant Libre, ou encore le Regard à la Loupe, ciné-concert surréaliste. Ses qualités d’arrangeur et d’improvisateur le conduisent à travailler avec la mezzo-soprano Clara Pertuy dans un duo tissé en toute liberté, entre musique ancienne et chansons traditionnelles, mêlant le sacré au sauvage. Il crée en 2016 l’ensemble Meteo pour lequel il compose la musique originale. Gourmand de musiques traditionnelles, il se passionne pour la musique des Balkans mais aussi pour la musique hindoustani qu’il étudie auprès d’Henri Tournier au CNSM de Paris.

Son goût pour la création et les musiques d’aujourd’hui l’amènent à collaborer avec différents ensembles, tels que Proxima Centauri, 2E2M, Ars Nova, TM+, ou encore l’ensemble Multilatérale. Il est également dédicataire d’une quinzaine d’œuvres originales pour accordéon, des compositeurs François Rossé, Nicolas Marty, Etienne Rolin, Paul Husky.

Anne-Laure Hulin

Après avoir intégré la Maîtrise de Radio France, Anne-Laure Hulin poursuit son cursus au Conservatoire à Rayonnement Régional de Boulogne-Billancourt, puis à l’Université Paris-Sorbonne pour une Licence de Musicologie, avant de se spécialiser en chant lyrique. Elle a eu l’occasion de se produire comme soliste avec différents ensembles, dont l’Ensemble Sequentiae, le Chœur Diapason ou encore le Jeune Ensemble Baroque d’Ile de France. En 2019, elle se voit décerner le premier prix du Concours Hector Berlioz et entre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.

Avec Tournesol, Artistes à l’Hôpital, elle chante au côté de la soprano Charlotte Bozzi, du pianiste Olivier Seuzaret, ou encore du guitariste Martin Leterme, dans un programme mêlant musiques savantes et musiques populaires. Elle a également participé au projet de création participative « Michaux en musique » mené par le compositeur Tom Bierton, au sein de l’Hôpital Théophile Roussel (Montesson).

Christophe Crapez

Christophe Crapez commence par étudier le violon avant de se tourner vers le chant lyrique. Il étudie au Conservatoire de StMaur-des-Fossés, où il obtient une Médaille d’or et un premier prix de perfectionnement à l’unanimité. Animé par un insatiable appétit musical et une grande curiosité, il aborde une grande diversité d’ouvrages : pas moins d’une centaine de prises de rôles depuis ses débuts en 1996, et notamment une vingtaine d’œuvres d’Offenbach.

Il a été directeur artistique de nombreux disques de mélodie française ou d’opéra pour la maison de disque Maguelone, récompensés à multiples reprises. Ses mises en scène ont été représentées au Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet, au Festival Musica Nigella, à la Péniche Opéra, au Festival de la Chabotterie, ou encore au Théâtre de Saint-Omer. Professeur d’art lyrique au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon, il est également très attaché à l’interprétation du répertoire musical contemporain et a travaillé avec des nombreux compositeurs (Laurent Petitgirard, Betsy Jolas, Bernard Cavanna, Oscar Strasnoy…).

Duo EØS

Ces deux jeunes musiciens initient la rencontre éclatante du violoncelle et de l’accordéon, en convoquant leurs compositeurs de prédilection : Bach, Saint-Saëns, Fauré ou encore Piazzolla.

Louis-Guillaume Ferret, violoncelle

Louis-Guillaume Ferret, né en 1998, débute le violoncelle à l’âge de six ans auprès de Marie Madeleine Mille. En 2005 il intègre le conservatoire de Toulouse, dans la classe de Pauline Bartissol puis d’Antoine Foucher et en Master class avec Philippe Muller et Lluis Claret. Il est co soliste de l’orchestre MusikA depuis 2014. Après avoir obtenu les Premiers Prix de musique de chambre et violoncelle en 2016, il rentre la même année au CRR de Paris dans la classe de Thomas Duran. En 2017, il est admis au CNSMD de Paris dans la classe de Raphael Pidoux.

Angel Villart, accordéon

Bercé par la musique et les cordes pincées de son père, c’est le timbre et la chaleur de la boîte à frisson que choisira Angel Villart.
À l’âge de 6 ans il débute son apprentissage de l’accordéon auprès de Nathalie Masson et Gregory Daltin, il apprend la musique populaire et s’initie à la musique classique.
Sa formation d’artiste interprète se poursuit en 2008 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse dans la classe de Guy Olivier Ferla. Ce dernier lui transmet l’amour de l’instrument et le pousse à une exigence dans son travail en l’invitant à découvrir le répertoire savant de l’instrument, de Lundquist à Tchaikovsky en passant par Bach et Zubistky. Dès lors, sa passion se confirme ainsi que l’idée d’évoluer en tant que concertiste.
Titulaire du premier prix d’accordéon au conservatoire de Toulouse, il est admis en 2015 dans la classe de Max Bonnay et Anthony Millet au prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Il y obtient le Diplôme National Supérieur de Musicien Professionnel avec la mention Très Bien et en 2020 un Master avec Mention Très Bien et Félicitations. Il se perfectionne également auprès de grands artistes tels que Hugo Noth, André Zaraté, Jean Marc Maronni et bien d’autres encore…
Depuis, Angel remporte de nombreux concours nationaux et internationaux, il obtient en 2019 un premier prix musique de chambre au concours UNAF à Paris et un 1er prix musique de chambre au concours international des jeunes talents en Normandie qui confortera son souhait de partager la musique avec d’autres instrumentistes.
Il réintègre en 2022 le CNSM de Paris en Master Musique de chambre dans la classe d’Emmanuelle Bertrand et François Salque avec son duo EØS Violoncelle Accordéon.
En parallèle à ses études d’interprète, il se produit régulièrement avec ses partenaires musiciens et comédiens (Duo EØS, Duo Yakaira, Ensemble À Bout de Souffle…). Il participe plus récemment à des productions d’Orchestres avec l’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine dirigé par Jean-Francois Heisser et l’Orchestre National du Capitole.

Sébastien Hurtaud

Diplômé notamment de la Schola Cantorum et du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, Sébastien Hurtaud s’est produit comme soliste avec l’Orchestre National de Lorraine, l’Orchestre de Picardie, l’Orchestre National de Nouvelle-Zélande, l’Orchestre de la Radio de Bratislava ou encore l’Orchestre des Pays de Savoie.

Il a remporté le premier prix du concours « Adam International de Violoncelle » en 2009 en Nouvelle-Zélande. Il est également lauréat du concours international de violoncelle Naumburg Foundation et Aldo Parisot aux États-Unis et en Corée du Sud.

Le magazine de disques American Fanfare le reconnaît «[…] proche de l’âme de Rostropovich et de la virtuosité de Feuerman […]» dans son premier disque consacré à Paul Hindemith enregistré avec la pianiste Paméla Hurtado.

Noemi Gasparini

Noemi Gasparini, violoniste, ouvre des chemins éclectiques et inédits au croisement de la musique traditionnelle d’Amérique Centrale et de la virtuosité de Bach, Stravinsky ou Kreisler.

Musicienne aussi bien active sur la scène classique que sur celles de la musique du monde et contemporaine, elle a été remarquée comme jeune talent au Festival Pablo Casals 2021 et 2022, mais aussi au Festival Classique à Villars 2023 en Suisse. Elle vient d’obtenir un Master de violon classique à l’unanimité avec les félicitations du jury au CNSMDP dans la classe de Jean-Marc Phillips et a obtenu son Bachelor à la Manhattan School of Music de New York, où elle a travaillé avec Patinka Kopec. Elle a également reçu les conseils de Pinchas Zukerman lors de plusieurs master classes.

Elle donne des concerts en tant que soliste et chambriste sur les scènes européennes et américaines, et a notamment fait partie du groupe Flor de Toloache, mariachi féminin primé d’un Grammy Award.
Lauréate de l’Académie Ravel 2022, on lui décerne le 1er Prix: Prix de l’Académie de la ville de Saint-Jean-de-Luz. Elle reçoit aussi le prix du public au Festival de musique de chambre de Schiermonnikoog 2022 (Hollande).

Noemi organise aussi des concerts où musique classique, latino-américaine et ses propres chansons se rencontrent, en collaboration avec des musiciens divers et variés, comme récemment le violoniste vénézuélien Alexis Cardenas et son groupe Recoveco. Son premier disque réunissant ces différentes facettes de son univers est en cours de réalisation.

Elle est lauréate de la Fondation de France, Fondation Vincent Meyer, et du Mécénat Musical Société Générale, entre autres. Elle joue sur un violon de Sergio Peresson.

Noemi est italo-mexicaine, est née et vit à Paris. Elle a vécu huit ans à New-York et a aussi étudié à la Junior Royal Academy de Londres dans son adolescence.

Antoine Guerrero

Le jeune guitariste Antoine Guerrero défend une musique cosmopolite, mettant à l’honneur compositeurs espagnols, italiens, argentins et slaves, ayant marqué l’histoire de la guitare classique.

Né à Bordeaux (1996), ce jeune guitariste s’est fait connaître sur la scène internationale grâce à sa participation à de nombreux concours et à son activité de concertiste.

La plupart de sa formation a eu lieu en France. Son premier professeur fut l’Argentin Rodolfo Lahoz ; puis il entre au Conservatoire Régional de Bordeaux sous la tutelle d’Olivier Chassain, où il obtient son diplôme en 2016 avec mention « Très bien » et les félicitations du jury.

Ensuite, il poursuit une Licence d’Interprète pendant 5 ans au Conservatoire Supérieur de Séville avec Francisco Bernier, au cours de laquelle il reçoit également une formation par des guitaristes internationaux célèbres tels que Judicael Perroy ou Carlo Marchione, entre autres.

Depuis septembre 2021, il intègre à nouveau la classe d’Olivier Chassain dans le Master d’Interprète au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Il est également artiste en résidence à la Cité Internationale des Arts (Paris).

Crédits photo : Belma Garo

Cassie Martin

Révélation Guitare Classique Magazine 2018, Cassie Martin commence la guitare à l’âge de 5 ans. Après une formation au Conservatoire d’Orléans avec Josiane Rabemananjara, elle entre en 2015 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris dans la classe de Gérard Abiton. A 17 ans, elle intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris dans la classe d’Olivier Chassain.

Elle a travaillé avec plusieurs guitaristes internationaux de renom comme Sergio Assad, Tania Chagnot, Jérémy Jouve, Judicaël Perroy, Eric Franceries, Johan Fostier qui ont contribué à son développement artistique.

En 2020, elle fait partie des artistes Eurostrings et s’ouvre à la scène européenne.

En 2022, elle participe à la tournée de Gautier Capuçon « Un été en France 2022 ».

A 20 ans, elle est lauréate de nombreux concours internationaux parmi lesquels le 1er Prix du Silesian Guitar Autumn 2022 (Pologne) ; le 1er Prix du Forum Guitar Wien 2022 (Autriche); le 1er Prix du Concours International de Guitare de Taiwan 2022 ; le 1er Prix du Concours International Alirio Diaz 2022de Rust (Autriche) ; le 3e Prix du Concours International de Guitare de Paris 2022 (France), le Prix d’Honneur du Concours International Léopold Bellan 2019 (France) ; le 1er Prix du Concours International de Guitare en Béarn 2019 (France) ; le 3e Prix du Concours International de Bruxelles 2019 (Belgique) ; le 1er Prix du Concours International Roland Dyens 2018 (France) ; le 1er Prix au Concours International de Carry-le-Rouet 2018 (France).

Cassie Martin s’est produite dans de nombreux festivals à travers le monde proposant un répertoire de styles variés allant de la musique ancienne à la musique contemporaine: Festival international des Cordes Pincées de Rabat au Maroc ; Festival internacional de guitarra de Guimaraes au Portugal ; International Guitar Festival Rust en Autriche; Festival Internazionale della Chitarra – Città di Mottola en Italie; GuitArt festival Plovdiv en Bulgarie; Harmonia Cordis International Guitar Festival en Roumanie et au Brussels International Guitar Festival en Belgique.

Elle a joué les plus grands concertos avec orchestre en France, en Pologne : le célèbre Concerto d’Aranjuez pour guitare et orchestre de Joaquín Rodrigo, le Concerto en Ré op. 99 de Mario Castelnuovo-Tedesco.

Elle se produit régulièrement en formation de musique de chambre en duo guitare-violon avec la violoniste Camille Théveneau.

Depuis septembre 2022, elle enseigne au Conservatoire de Saint-Cloud.

Artiste Savarez, Cassie joue sur une guitare du luthier Daniel Friederich.

De Costa a Costa

De Costa a Costa, c’est la rencontre de deux guitaristes au cœur de la capitale parisienne, une envie commune de partager et transmettre la musique de leurs pays d’origine et d’adoption : l’Uruguay et l’Argentine. Une véritable immersion dans ces régions ensoleillées, où résonnent des airs de milongas, chamarritas, valses, chamamés, tangos ou autres candombés…

Floriane Charles

«Originaire de Vendôme, la guitare m’accompagne depuis mon plus jeune âge. Au fil de mes nombreux voyages outre-Atlantique, l’Argentine est devenue mon véritable pays d’adoption. C’est donc tout naturellement que je me consacre désormais à ces rythmes de la capitale et de l’intérieur.

Actuellement en duo aux côtés de Sebastian Segarra, je prête également ma guitare à la voix d’Emma Milán, au “Cuarteto Musas“ ou à l’orchestre de guitares tango “Las bordonas de Paris“. Depuis plus de 15 ans, j’ai la chance de me produire sur les scènes françaises et d’être invitée dans de nombreux festivals à travers le monde (tournées en Argentine, Equateur, Mexique, Chili, Costa Rica, Etats-Unis, Espagne et autres pays d’Europe), pour faire résonner, seule ou accompagnée, ce répertoire rempli de couleurs et d’émotions. »

Sebastian Segarra

« Après une adolescence rythmée par différents styles musicaux comme le jazz, le funk ou encore le rock fusion, c’est plus tard que je me suis consacré à l’étude de la guitare classique et de la musique folklorique et contemporaine de mon pays natal, l’Uruguay. En duo, quatuor de guitare ou accompagnant des groupes et des chanteurs, j’ai ces dix dernières années pris part à de nombreuses tournées internationales, notamment en Argentine, Colombie, Bolivie, France, Allemagne, Russie, Chine, Japon, Afrique du sud ou encore au Vietnam.

Actuellement à Paris, je prends plaisir à diffuser un répertoire autour des musiques du “rio de la Plata“ au sein du duo de guitare “De Costa a Costa“. »

Wilfried Touati

Diplômé au CRR 93 en classique puis en jazz, Wilfried Touati participe à tous types de projets, sans se donner de frontières musicales. Il multiplie les projets allant du solo à l’orchestre symphonique, en passant par des spectacles pour enfants ou des pièces de théâtre. Ses expériences musicales l’ont notamment amené à accompagner en 2019 la percussionniste d’Argentine, Vivi Pozzebón, pour sa tournée en Europe, et en 2022, il accompagne une masterclass à Chicago sur le Cabaret, et participe à l’album, ainsi qu’aux concerts de Sho Ayanagi à Tokyo. Arrangeur et compositeur, il créé en 2018 le Wilfried Touati Quartet où il joue ses compositions dans une esthétique jazz & musique du monde. Cette expérience lui donne le goût de la création, et le mène à créer de nouveaux projets, notamment en duo avec Christelle Raquillet à la flûte et au chant, ainsi qu’avec Guillaume Retail au Hautbois/Cor Anglais.

Anne & The Groove Collective

Anne Bouaziz, chant

« Une présence énergique et lumineuse, une voix puissante et chaleureuse, un amour du public : Anne Bouaziz rayonne de tout cela à la fois. Cette chanteuse charismatique et solaire interprète des répertoires variés avec beaucoup d’intensité. Elle adore tisser des liens avec le public et est particulièrement douée pour le faire ».

Passionnée de musique depuis son plus jeune âge, Anne Bouaziz s’éprend très vite pour la scène. En 2013, elle intègre la Formation Comédie Musicale du Cours Florent après avoir été diplômée en Management et Business International. Elle devient par la suite chanteuse du Happy Bal, un orchestre live dansant, qui se produit dans des salles telles que la Bellevilloise ou le Caveau de la Huchette et lors d’évènements privés (mariages, anniversaires). Quelques mois plus tard, elle intègre l’équipe du Théâtre de la Clarté de Boulogne Billancourt où elle joue dans trois « seule en scène » jeune public : « Madame Marguerite », « Pierre et le loup – A chacun son loup » et « Peter Pan », repris ensuite au Théâtre Lucernaire. Anne Bouaziz a plusieurs cordes à son arc : elle met en scène des spectacles musicaux amateurs dont elle dirige le jeu des comédiens et a également animé un grand nombre d’ateliers pour enfants auxquels elle a transmis l’amour du jeu théâtral.

Marlen Mendoza-Kahn & Andres Izurieta

Les deux artistes se rencontrent lors de la cérémonie de la vierge mexicaine de Guadalupe, à la cathédrale Notre-Dame de Paris. Lui, guitariste émérite, argentin de formation et de nationalité, arrivé depuis peu à Paris; elle, chanteuse lyrique classique, renouant avec le répertoire de son enfance.

Marlen Mendoza-Kahn

Née à Mexico, Marlen est une mezzo-soprano francomexicaine, sensibilisée à la musique par la guitare de son père et le chœur de l’Université Nationale du Mexique (Unam) où elle fait des études de sociologie. Elle suit des cours de chant lyrique à Barcelone avec le baryton Lluis Sintes et la soprano Isabel Aragon de l’École Luthier et se produit régulièrement avec divers musiciens autour d’un répertoire latino-américain et espagnol qui varie entre musique classique et traditionnelle. Installée en France depuis 2010, elle est formée au conservatoire de Grenoble puis à Paris-Saclay, où elle obtient son Diplôme d’Études Musicales en chant lyrique en 2017 avec Stéphanie Revidat. Elle reçoit également l’enseignement de Sebastien Obrecht et des conseils en master classe de Marteen Koeningsberger et Teresa Berganza. Elle a enregistré deux albums : Lueur de lune, berceuses pour piano et voix et Andalouses, chansons espagnoles de Garcia-Lorca et De Falla.

Andrés Izurieta

Andrés est né à Córdoba, Argentine au sein d’une famille d’artistes. Autodidacte, il commence sa carrière à la guitare en se produisant avec des groupes de musique traditionnelle argentine. Curieux et passionné, il sillonne les routes à la recherche de nouvelles rencontres musicales. Après son passage sur différentes scènes internationales telles que le célèbre Festival de Cosquín (Córdoba-Argentina), le Seseribo (QuitoEcuador), le Teatro Nacional de Cuba (La Habana-Cuba), l’Oratoire du Louvre, le New Morning, le Cabaret Sauvage, Radio France Inter, le Théâtre Le Palace (París), le Festival de musique ancienne d’ Oslo (Norvège) ou le festival musikat de Tunis, il pose ses valises à Paris où il se présente avec différents ensembles et styles en passant par la musique latino-américaine, le jazz et le flamenco.

Collectif Octave et Anatole

Octave et Anatole est un collectif de musiciens talentueux comptant une quinzaine de membres. Au départ c’est un duo de guitaristes passionnés par le jazz manouche qui s’est élargi au gré des rencontres musicales. Le répertoire de la formation intègre maintenant des classiques revisités de la chanson française (Piaf, Brassens, Brel, Aznavour…), de la musique traditionnelle (espagnole, russe, tsigane, yiddish…) et le du swing américain (Louis Armstrong, Duke Ellington, Fats Waller…).

Mwano

Il slam en groupe ou en solo. Liant intimement le rythme et le texte, le sens et la forme, le sampling et l’interprétation, ce slammeur n’hésite pas à piocher ses influences là où bon lui semble : des Roots à Gainsbourg, de Bobby Lapointe à Rocé, d’MF Doom à Miles Davis…

Mwano aime apporter une autre idée du rap, fidèle aux valeurs initiales du mouvement hip-hop mais ne se privant pas de certaines expérimentations auditives. Il participe à d’autres créations, à mi-chemin entre la poésie, le rap et le théâtre. En plus du spectacle Les Fables de Jean de les Egouts, son premier texte et concert jeune public, on citera pêle-mêle les projets Utopies grinçantes avec la slameuse Law et le multi-instrumentiste David Bultel, ou encore Bonjour collègue avec les comédiennes Louise Wailly et Muriel Cocquet et Law. Mwano crée et anime également des modules d’ateliers d’écriture/mise en voix rap et slam depuis 2008 au sein de la Générale d’Imaginaire

Kanis & Lou

Paolo & Lou, un duo parisien qui célèbre la musique hawaïenne telle qu’elle était jouée dans les clubs de la capitale durant les années folles. Une période où se croisaient musiciens polynésiens et européens, où la guitare de Django donnait sa couleur manouche au jazz américain, où les paroliers français teintaient leurs chansons de ces tons exotiques alors en vogue. Pour servir ce répertoire composé de traditionnels hawaïens, de swings et de chansons, la chanteuse Lou Richard s’accompagne à la guitare et au ukulélé, rejoints par la guitare hawaïenne de Paolo Conti.

Lou Richard

Depuis son enfance, Lou baigne dans la musique. Elle commence le chant à l’âge de 6 ans et est sensibilisée à la musique grâce à la Pop, au Rock et à la Folk des années 60.
Dès l’adolescence, elle participe en tant que chanteuse à des enregistrements pour des documentaires et pour des albums. En parallèle elle monte avec deux autres chanteuses un trio vocal qui a pour répertoire des morceaux des Beatles, Crosby Stills and Nash, Neil Young…
Depuis 5 ans, Lou est formée en chant Jazz dans deux conservatoires parisiens. Elle apprend aussi la guitare jazz et le ukulélé en autodidacte.
Aujourd’hui, elle est membre de plusieurs groupes, elle exprime ainsi son gout pour les musiques swing, calyspo et hawaiienne.

Paolo Conti

Originaire de Lorraine, Paolo Conti a suivi une formation de guitariste classique qui l’a mené de Metz à Lyon puis à Paris.
Membre de plusieurs formations de styles différents, swing, bluegrass et musique hawaïenne, il s’est produit sur de nombreuses scènes, jouant du banjo, du ukulélé et de la guitare hawaïenne.

Hend Zouari

Hend Zouari, née à Sfax (Tunisie), est autrice-compositrice, cithariste et chanteuse de talent. Elle est à ce jour l’une des rares femmes au monde à jouer du kanoun, instrument traditionnel de la famille des cithares habituellement réservé aux hommes. Elle a obtenu en 2004 le premier prix de l’Institut Supérieur de Musique en Tunisie. Elle est surnommée la princesse du Qanun et est docteur en musicologie à la Sorbonne.

En 2009, son premier album est édité et s’intitule « L’Envol ». Elle poursuit en même temps sa carrière de musicienne-interprète : concerts à l’Institut du Monde Arabe, avec l’Ensemble des Terres Mélées, à la Maison des Cultures du Monde avec le groupe Farabi, à La Cigale (Paris) avec l’ensemble des Mille et Une Nuits.

Hend Zouari a également multiplié les tournées et collaboré sur des titres d’autres artistes, comme par exemple Souad Massi, Lena Chamayan, ou la grande chanteuse algérienne Nassima. Elle enregistre parallèlement la musique du film « Azur et Asmar » de Michel Ocelot, ainsi que celle de la comédie musicale « Cléopâtre » de Kamel Ouali. En 2018, elle sort son deuxième Album « Bledi » avec un nouveau répertoire pop rock oriental.

En 2022, Hend Zouari participe au festival international de la culture à Ramallah en Palestine. En 2025, elle est invitée en Angleterre pour le spectacle “Woman Solo Show” et dans le festival Brodstairs. Hend Zouari a monté sa chorale Astre d’orient et a donné plusieurs concerts à l’Institut des cultures de l’islam dans le cadre du festival “Rythmes et saveurs du monde”.

En septembre 2025, Hend Zouari été invitée d’honneur au festival international du Malouf en Constantine. Elle a donné un spectacle le 21 septembre à Constantine avec son groupe filmé par la télévision algérienne et accompagné par l’orchestre national de Malouf à Constantine.

Ensemble APSARA

Le programme proposé par l’ensemble Apsara est un splendide tour d’horizon des expressions artistiques qui ont laissé leur marque sur la musique vocale contemporaine. Aux accents sombres de Berlioz (la mort d’Ophélie) et de Chausson (Chant funèbre), succéderont les riants tableaux de Vincent d’Indy (sur la mer) et de Debussy (salut printemps). Les hymnes cosmiques de Gustav Holst (from the Rig Veda) feront place aux mélodies intimistes de Francis Poulenc (les litanies à la Vierge noire) et à la verve sensible de Daniel-Lesur (chansons populaires). Au bout du voyage, des oeuvres de Philippe Hersant (sept poèmes d’Emily Dickinson), de Tarik O’Regan (alleluia, laus et gloria) et de Matti Hyötti (on suuri sun rantas autius) illustreront les diverses facettes de la musique vocale contemporaine sur la scène française et internationale.

L’Ensemble vocal Apsara, récemment formé, réunit huit choristes professionnelles du Choeur de Radio-France désireuses d’explorer et de partager avec le public un répertoire vocal allant du XIXe siècle au XXIe siècle.

Lexie T

La légende raconte que Lexie T babillait déjà en rythme dès sa naissance, stupéfiant son entourage de par sa prestance précoce. Aujourd’hui, droite dans ses bottes, elle assume son titre de double-championne de France de beatbox. Ouverte à tous les styles, avide de découvertes sonores et musicales, elle commence par la batterie et la basse avant de rencontrer en 2011 la belle et grande famille du beatbox à l’occasion d’un stage d’initiation.

Le début d’une histoire d’amour vouée à durer, puisqu’elle se découvre soudain un don et un intérêt grandissants pour cette cinquième discipline du mouvement hip-hop, souvent éclipsée par ses quatre grandes sœurs : le rap, le deejaying, le graff et la danse. Ensuite, tout s’enchaîne très vite : les jams se multiplient et, séduite par l’esprit de partage et d’ouverture de la communauté des beatboxeurs, Lexie T s’investit à fond dans l’art de la boîte à rythme humaine, dépassant la simple imitation de la machine en lui donnant une dimension artistique incontestable. Depuis 2013, en solo ou en groupe, elle enchaîne les concerts et les performances : Spraxy Ladies, duo de beatbox féminin, Merta, groupe de rap acoustique, Les Fables de Jean de les Egouts, concert théâtralisé jeune public produit par la Générale d’Imaginaire, Hexpress, groupe vocal alliant chant, rap et beatbox ou encore Une cosmonaute est un souci dans notre galaxie, une pièce de théâtre jeune public de L’Embellie Compagnie.

Aujourd’hui, Lexie T se lance dans une nouvelle forme solo, accompagnée de sa fidèle pédale de boucles. Au-delà du beatbox, elle plonge de manière prometteuse dans l’écriture de textes syncopés et bourrés d’allitérations, traitant des déboires de sa génération. Elle rappe sur ses instrumentales organiques, qu’elle compose et décompose en live devant un public presque toujours séduit par son énergie et par l’amour de son art, qu’elle nous communique le plus naturellement du monde, avec un talent indéniable.

TRIWAP

Emmanuel Lanièce

Il faut savoir que Manu adore brouiller les pistes concernant ses origines… À l’entendre, on le croirait breton, puis normand, puis Argentin, voire de Carcassonne… Il est passionné par Walt Disney et l’un de ses plus beaux rêves « bleus », serait d’enregistrer les voix de tous les personnages.

Quand il doit chanter, il préfère être accompagné par d’autres chanteurs, il adore ça depuis qu’il est petit mais tout seul il a peur !

On ne le dit pas trop mais quand il avait 12 ans, Manu a fait une tournée en tant que soliste dans un Opéra de Benjamin Britten.

Ténor dans une cantate de Bach à Brest un soir et chanteur de jazz à Paname le lendemain, ça il en est capable ! Danseur de tango à ses heures bien perdues… il se tâte régulièrement à prendre un premier cours de danse pour progresser… Le père de Pierre lui a promis qu’un jour son fils accepterait de lui prêter son trombone pendant le show ! Il veut bien chanter toute sa vie avec son piano et ses potes dans un groupe, seulement si c’est TRIWAP!

Martin Pauvert

Il faut savoir que Martin joue de la guitare, de la contrebasse, mais ce qu’il aime par-dessus tout ce sont les harmonies à trois voix. Il est passionné par la Bretagne, les films de western et la comédie musicale, et l’un de ses plus beaux rêves serait de composer une Breizhtern Musicale !

Quand il doit chanter, il ne peut s’empêcher de danser et de taper du pied. Et le pire, c’est que c’est contagieux ! On ne le dit pas trop mais Martin a été élu sosie officiel de Lucky Luke en 1999, il dégaine son violon plus vite que son ombre.

Remercier deux fois un autre festival dans le même concert, ça il en est capable.

Il fait la cuisine à ses heures bien perdues… en revanche, les crêpes de Martin devraient être brevetées (t’as intérêt à aimer le beurre salé). Le père de Pierre lui a promis qu’un jour il lui donnerait des cours de flamenco! Sa cour de récré, c’est TRIWAP!

Pierre Leblanc

Il faut savoir que Pierre a commencé par le piano mais après sa première sortie au cirque il a décidé de se mettre au trombone, au conservatoire. Il est passionné par les instruments à vent. Dans certains groupes de salsa, il emprunte souvent la trompette de son frère et l’un de ses plus beaux rêves serait de jouer de la cornemuse avec TRIWAP. Quand il doit chanter, on a toujours l’impression qu’il va faire une bêtise, pas facile pour lui d’être sérieux 2 minutes !

On ne le dit pas trop mais Pierre a l’oreille absolue, ce qui est super pratique pour réaccorder le violon de Martin ! Du bebop à la flûte à bec, comme Charlie Parker (sans partition), ça il en est capable. Pierre fait de la guitare à ses heures bien perdues… pas besoin de plus d’une corde et de 2 doigts pour jouer « Smoke on the water » ! Le père de Pierre lui a promis qu’un jour il jouerait avec les plus grands… les deux autres font quand même 1m90 ! Seul sur une île déserte, ce qui lui manquera le plus, c’est sûr c’est TRIWAP !

The Dudes

Daniel Mizrahi, chant et guitare

Né en Israël, il y étudie la guitare et l’harmonie classique. Arrivé à Paris en 2003, il intègre deux ans plus tard le CNSM de Paris dans le département jazz et musiques improvisées dirigé par Ricardo Del Fra. Il joue dans plusieurs formations jazz, (dont le Daniel Mizrahi Sextet), dans le groupe Balval (musique tsigane à caractère imaginaire), et dans le spectacle jeune public Les Animaux de tout le monde, d’après Jacques Roubaud (crée en 2007 au Théâtre Dunois, co-production TJP-CDN d’Alsace). Il écrit aussi de la musique pour le cinéma (2 nominations aux oscars israéliens dans la catégorie musique de film) et le théâtre (En taule l’argent ne vaut pas un clou, d’après Chester Himes). Il fait parti du groupe de musiques tziganes Balval et de plusieurs formations jazz.

Ben Body, basse

Il poursuit une carrière riche et éclectique. Après une solide formation classique dans plusieurs conservatoires, il explore les différents chemins musicaux qui s’ouvrent à lui : jazz, chanson, musiques traditionnelles (d’Europe de l’Est et des Balkans, musique américaine et plus récemment africaine). Depuis une quinzaine d’année il a donné de nombreux concerts en France, en Europe, aux Etats-Unis et en Asie avec différents groupes : La Caravane Passe, Balval, Bratsch, Carmen Maria Vega… Egalement ethnomusicologue, il a une formation de Master en Ethnomusicologie à l’université de Nanterre.

Patrick Gigon, batterie

Patrick Gigon étudie la percussion classique, puis la batterie jazz au Conservatoire de Bagnolet avec Jean-Louis Mechali, qui invite à rejoindre la compagnie Lutherie Urbaine où il restera 8 ans. Il y anime de nombreux ateliers de musique et de construction d’instrument de musique à partir d’objets de récupération. Il participe à plusieurs créations de la Compagnie en Afrique et en France. On peut également l’entendre auprès de la Caravane Passe (rock balkanique) et de John Matthews (rock irlando-américaine), ou encore dans le groupe Esprit Mandingue.

Romain Falik

Romain Falik est un guitariste autodidacte, il entre au Conservatoire National de Toulouse à 20 ans en 2004 dans la classe de guitare classique de Paul Ferret.

Il poursuit ses études musicales au Conservatoire à Rayonnement Régional de Versailles en obtenant en 2009 un Diplôme d’Etudes Musicales de guitare classique dans la classe de Christian Channel.

Il se tourne alors vers la musique ancienne en rentrant dans la classe de Benjamin Perrot (ensemble La Reveuse) au CRR de Versailles où il étudie le théorbe et le luth et en jouant régulièrement avec le Centre de Musique Baroque de Versailles sous la direction d’Olivier Schneebeli dans le cadre des « Jeudis musicaux à la chapelle royale » du château de Versailles.

Il obtient un DEM de théorbe en 2013.

En tant que soliste et continuiste, il se produit régulièrement dans des festivals en France et à l’étranger avec des ensembles tel que Les Cris de Paris (Geoffroy Jourdain), Le Theatre de l’Incredule (Benjamin Lazar, Louise Moaty), le Baroque Nomade (Jean Christophe Frisch), La Camerata Vocale de Brive (Jean Michel Hasler), La Compagnie du Mage (Jean Paul Bouron), la Compagnie l’Escarboucle (Carine Moretton) …

Aujourd’hui il s’intéresse également au luth arabe et reçoit l’enseignement du oudiste Issa Murad.

Récemment, il a participé à l’enregistrement du disque Marais – Suites for Oboe avec le hautboïste Canadien Christopher Palameta sous le label Audax records.

Joanne McIver & Christophe Saunière

Duo de musique écossaise

Joanne Mciver, chant, cornemuse, flûte traversière et irlandaise & Christophe Saunière, harpe

Joanne Mciver

Elle a grandi sur l’île d’Arran, au Sud Ouest de l’Ecosse. Elle apprend la cornemuse à l’âge de six ans et joue pendant 12 ans avec le groupe de cornemuses de l’île. Par ailleurs, elle apprend la flûte traversière et poursuit ses études à l’Université de Glasgow, où elle se spécialise en composition. Après avoir rencontré Christophe Saunière elle s’installe à Paris où elle décide d’écrire un recueil de mélodies pour la cornemuse…qui deviendra finalement un disque intitulé « Leaving Arran ». De nombreux concerts suivent la sortie du CD, tant en France qu’à l’étranger (il y aura une tournée en Ecosse). Sur scène, Joanne joue de la grande cornemuse (highland bagpipes), la cornemuse de chambre à soufflet (Scottish smallpipes), la flûte traversière, les flûtes irlandaises et elle chante en gaélique et en écossais. Joanne Mciver partage son temps entre la composition, les enregistrements, l’enseignement et les concerts à travers le monde. Joanne est la sonneuse de l’Ambassade de Grande-Bretagne à Paris.

Christophe Saunière

Harpiste talentueux et réputé, son parcours est atypique… Après avoir joué dans les principales formations symphoniques françaises (Orchestre de Paris, Orch. national de Lyon, Orch. de Bordeaux-Aquitaine, Lamoureux…) tout en jouant de la basse et de la batterie dans divers groupes, il devient ensuite le Harpiste de l’Orchestre National d’Ecosse, où il prend résidence pendant 5 ans. Il en profite pour redécouvrir ses racines celtes et accompagner la sonneuse de cornemuse Joanne McIver, tout en enchaînant les tournées en Europe, au Japon et aux USA. Vivant maintenant en France, il se consacre aux compositions de Joanne McIver, séances d’enregistrements, Jazz, musique classique, World, il a joué dans les principales formations de musique contemporaine européennes… Egalement très sollicité en tant que musicien de studio, que ce soit pour des musiques de films, CDs pour enfants ou variété française et internationale, Christophe a enregistré environ 80 disques !

Daniel Mizrahi

Né en Israël, il y étudie la guitare et l’harmonie classique. Arrivé à Paris en 2003, il intègre deux ans plus tard le CNSM de Paris dans le département jazz et musiques improvisées dirigé par Ricardo Del Fra. Il joue dans plusieurs formations jazz, (dont le Daniel Mizrahi Sextet), dans le groupe Balval (musique tsigane à caractère imaginaire), et dans le spectacle jeune public Les Animaux de tout le monde, d’après Jacques Roubaud (crée en 2007 au Théâtre Dunois, co-production TJP-CDN d’Alsace). Il écrit aussi de la musique pour le cinéma (2 nominations aux oscars israéliens dans la catégorie musique de film) et le théâtre (En taule l’argent ne vaut pas un clou, d’après Chester Himes).

Il fait parti du groupe de musiques tziganes Balval et de plusieurs formations jazz.

Il propose en solo un répertoire éclectique, inspiré des standards du jazz ou encore de morceaux blues et folk, qu’il partage très régulièrement au chevet des personnes désocialisées et des personnes âgées dépendantes.

Michel Glasko

Michel Glasko a étudié l’accordéon à Verdun auprès de Francis Carpentier. Il est également diplômé en Histoire de la Musique de l’Université de la Sorbonne et du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Ce solide bagage classique ainsi que sa curiosité l’ont conduit à explorer des territoires musicaux très variés : La musique improvisée en compagnie du trompettiste Jac Berrocal, le Monde du cirque avec le spectacle Crescend’O de Muriel Hermine et Franco Dragone… et, bien sur, l’univers de la chanson, découvert au cours de ses nombreux passages dans les cabarets parisiens – le Limonaire et le Loup du Faubourg entre autres. Dans le cadre de lectures mises en musique ou bien de récitals, il a accompagné de nombreux artistes : de Céline Caussimon à Edith Scob, en passant par Fred Vargas …

Aujourd’hui, il accompagne de nombreux artistes, tant en France qu’à l’étranger et a enregistré plusieurs albums en compagnie de Rue de la muette et Mathieu Rosaz (albums distingués par l’Académie Charles Cros), Mariana Montalvo, Alain Aurenche, Sophie Terol, Vermeulen…

Découvrir le projet « Ateliers de chansons »

Anna Jouan

Comédienne, chanteuse, danseuse et instrumentiste.

Anna débute le théâtre à 9 ans, avec Jérôme Savary, dans Chantecler au Théâtre de Chaillot. Puis, après une formation de Comédie Musicale au Conservatoire du 9ème arr., on la retrouve notamment dans La Vie Parisienne et Tout Offenbach ou Presque mis en scène par Alain Sachs, au Théâtre Antoine et au Théâtre de Paris.
Depuis 2016, elle travaille avec l’association Tournesol, Artistes à l’hôpital. Sous le nom d’Aïnah, en 2018, elle sort son premier EP Avec les loups produit par le Label Etiquette. En 2019, elle part en tournée internationale avec le Sofar Sounds.

En 2019 également, elle écrit son premier seule en scène Bonjour enfermez-moi qui voit le jour au Studio Hébertot.
De 2020 à 2023, elle compose pour plusieurs artistes, notamment pour la compagnie Lemon Fraca avec le projet Avant la nuit, galerie de portraits sonores qui va prendre la forme d’un album avec une partie des Quatuors Voce et Zaïde.
En 2021, elle est comédienne, musicienne et créatrice sonore pour Comme des enfants, création Compagnie Les Constructions Fragiles; KLAP Maison pour la danse, Marseille.

En 2022, elle interprète le rôle de Cécile dans Germinal, mise en scène de Jean-Bernard Philippot au Familistère de Guise.

En 2023, Anna travaille sur plusieurs projets, son album Fantômes en collaboration avec Estelle Meyer, son Seule en scène Bonjour enfermez-moi, une nouvelle création avec la Compagnie des Constructions Fragiles, ainsi que la création Les Grandes Filles mise en scène par Alice De Lencquesaing.

Dites le moi

« Dites le moi… » a pour volonté de créer un pont entre l’air de cour, fin du XVIIème siècle, et la chanson française du XXème siècle. Pont qui se révèle facile à franchir tant le constat est simple : les thèmes abordés sont sensiblement identiques, les langages musicaux et sémantiques se font écho.

Le panel de chanson alors constitué nous a donné l’envie de raconter une histoire.

« Dites le moi … », vous conte une soirée chez Iris.

La préparation, l’attente, les doutes sont autant de situations que peut vivre notre protagoniste.

Les lèvres et baisers, les murmures et les cris, le vin et la danse seront son champ lexical dans les textes et mélodies que lui prêteront des compositeurs d’airs de cour (Lagarde, Sicard, Le Camus…) comme ceux de la chanson française du XXème (Barbara, Gainsbourg, Bourvil…).

Ces œuvres, traditionnellement jouées dans des contextes intimistes, nous conduisent à travailler sur une mise en espace et une scénographie du quotidien, ramenant le public à des situations vécues créant ainsi une grande proximité. La formation réduite théorbe, viole de gambe et voix amène la troupe à une grande adaptabilité.

Julia Beaumier, soprano

Julia Beaumier est initiée à la musique dès ses cinq ans en intégrant un choeur de « petits chanteurs » et à peine quelques années plus tard en entrant en classe de contrebasse au CRR de Marseille.

Les belles aventures musicales et humaines partagées au sein des ensembles vocaux l’ont conduite à étudier le chant et en arrivant à la capitale, elle intègre le CRR d’Aubervilliers/La Courneuve dans la classe de Dominique Moaty dont elle sort diplômée en chant baroque et lyrique en 2011.

Elle suit en parallèle le cursus d’acoustique musicale dispensé par le CNSM de Paris. Passionnée par le répertoire du chœur de chambre a capella, elle souhaite continuer à le défendre et dès 2006 devient membre de l’Ensemble Vocal Aedes avec lequel elle enregistre les quatre volets de « Ludus Verbalis », enregistrements largement salués par la critique (diapason découverte, diapason d’or).

Elle participe aussi régulièrement aux productions du Concert Spirituel, du Concert étranger, de l’ensemble Les Territoires du souffle…

Elle s’épanouit sur scène tant en version concert qu’en version scénique et pour ne citer que ses coups de cœur, Didon – Purcell (09/11), Messagiera – Monteverdi (05/10), Eurydice – Gluck, (04/13), La Clemence de Titus – Mozart, mise en scène par Denis Podalydès ( 12/14), Musetta–Puccini (04/15) Plus personnellement la création de son spectacle Dites le moi autour de l’air de cours et de la chanson française en mai 2015.

Aujourd’hui, Julia suit les conseils d’Alain Buet, Chantal Santon, Margot Modier et se perfectionne dans le répertoire de soprano lyrique auprès de Cécile de Boever. Elle intègre son pôle lyrique d’excellence pour la saison 14/15. Elle y affine ses rôles de prédilection comme Suzanna (Nozze di Figaro, Mozart), Gretel (Hansel und Gretel, Humperdink), Cleopatra (Giulio Caesare, Haendel), Oberto (Alcina, Haendel), Donna Elvira (Don Giovanni, Mozart), …

Romain Falik, théorbe

Guitariste autodidacte, Romain Falik entre au Conservatoire National de Toulouse à 20 ans en 2004 dans la classe de guitare classique de Paul Ferret.

Il se tourne alors vers la musique ancienne en rentrant dans la classe de Benjamin Perrot (ensemble La Rêveuse) au CRR de Versailles où il étudie le théorbe et le luth et en jouant régulièrement avec le Centre de Musique Baroque de Versailles sous la direction d’Olivier Schneebeli dans le cadre des « Jeudis musicaux à la chapelle royale » du château de Versailles.

Il obtient un DEM de théorbe en 2013.

En tant que soliste et continuiste, il se produit régulièrement dans des festivals en France et à l’étranger avec des ensembles tel que Les Cris de Paris (Geoffroy Jourdain), Le Théâtre de l’Incrédule (Benjamin Lazar, Louise Moaty), le Baroque Nomade (Jean Christophe Frisch), La Camerata Vocale de Brive (Jean Michel Hasler), La Compagnie du Mage (Jean Paul Bouron), la Compagnie l’Escarboucle (Carine Moretton) …

Aujourd’hui il s’intéresse également au luth arabe et reçoit l’enseignement du oudiste Issa Murad.

Récemment, il a participé à l’enregistrement du disque Marais – Suites for Oboe avec le hautboïste Canadien Christopher Palameta sous le label Audax records.

Aude-Marie Piloz : Viole de Gambe

Aude-Marie Piloz débute la musique à l’âge de six ans par l’apprentissage du violoncelle. Son goût pour la musique ancienne ainsi qu’une rencontre décisive avec Nima Ben David la conduisent ensuite naturellement vers la viole de gambe qu’elle étudie au CRR de Boulogne-Billancourt. Parallèlement, elle suit la Formation Supérieure aux Métiers du Son du CNSM de Paris. Diplômée de cette formation en 2008, elle travaille depuis comme ingénieur du son et directrice artistique. A la viole, elle se produit régulièrement en concert avec l’ensemble « Le Concert des Planètes – Consort » (notamment au festival Sinfonia en Périgord, au festival Marin Marais, au festival d’Hellemmes…). Leur premier disque consacré à des Psaumes de La Réforme a été récompensé par 5 Diapasons. Aude-Marie est aussi membre occasionnel du « Consort de la Belle-Feuille ».

Duo SATSUKI

Katsura CreaSion クレアシオン桂
Shakuhachi, flûte japonaise, chant

Katsura est la seule musicienne japonaise de shakuhachi, connue à ce jour en Europe. Elle est aussi membre de la Sacem et ses œuvres y sont répertoriées.
Après avoir obtenu un diplôme de flûte traversière à l’Ecole Normale de Musique de Paris, elle fait ses débuts en tant qu’auteur- compositeur interprète à la Nippon Columbia en 2001. Elle a sorti sept albums, dont des albums en solo et d’autres en collaboration. Elle devient la disciple de Teruo FURUYA en 2009, et au côté de son Sensei, elle a perfectionné son art.

Elle a plusieurs cordes à son arc, et Katsura est aussi créatrice de mode.

SAWADA-HARUGIN
Tsugaru-shamisen 津軽三味線, chant民謡

Français d’origine guadeloupéenne, il étudie pendant dix ans le style Minyô (musique rurale japonaise) au shamisen et au chant avec Kudo
Shôsen puis il devient disciple du Maître Sawada Katsuharu pour le style Tsugaru-shamisen.
Depuis 2015, il est titulaire du natori, reconnaissance par la famille Sawada et statut de Sensei avec attribution d’un nom japonais : Sawada Harugin(澤田春吟).
En 2016, avec son maître, il remporte le concours de Kanagi(Tsugaru), en ensemble.
On a pu l’entendre dans les grandes salles du Japon : Suntory Hall, Asakusa Kokaido, Yamaha hall de Tokyo mais aussi en France : au Musée Guimet, à la Maison de la Culture du Japon à Paris et dans de nombreux festivals en France et dans le Monde.
Master-class à la Philharmonie de Paris en 2019 et en 2022, à l’institut National Supérieur de Musique d’Alger, à l’Université de Lyon III, à la Sorbonne, Paris.

Jean-Marc Zvellenreuther

Curieux et passionné, Jean-Marc Zvellenreuther explore l’univers musical dans toute sa diversité. Guitariste, pédagogue, chef d’orchestre, il s’enrichit auprès de ses élèves et au contact de musiciens et artistes de divers horizons.

Musique contemporaine, jazz et improvisation, transcription, opéra et orchestre, il s’investit partout et toujours avec la même exigence artistique. Il porte aussi un regard nouveau sur le répertoire et la forme du concert, grâce aux nouvelles technologies, comme avec son projet iberialbeniz

Proche des compositeurs d’aujourd’hui, il crée de nombreuses œuvres nouvelles en solo, au sein d’ensembles comme ars nova, avec sa formation le Trio polycordes.

Disciple d’Alberto Ponce, Jean-Marc Zvellenreuther a été son assistant au Conservatoire de Paris pendant sept ans. Le maître espagnol lui a transmis les secrets de son art, perpétuant la tradition de Tarrega et Emilio Pujol.

Titulaire d’une classe de guitare au CRR de Boulogne-Billancourt, Jean-Marc Zvellenreuther a été le premier guitariste à enseigner la didactique de l’instrument au département de pédagogie du CNSMDP. il est actuellement professeur assistant (classe de Roland Dyens) dans cet établissement et enseigne au PSPBB

Jean-Marc Zvellenreuther joue dans les plus grandes formations symphoniques et opéras. Il connaît l’orchestre de l’intérieur, et s’intéresse naturellement à la direction. Formé par Nicolas Brochot, il est invité à diriger des sessions d’orchestre avec les étudiants du pôle sup’93 et PSPBB notamment dans le répertoire moderne et contemporain. Il dirige aussi les étudiants du Conservatoire de Paris, ainsi que divers concerts et projets comme la première en France de Kammermusik 1958 d’Hans Werner Henze à la Péniche-opéra.

Parmi ses projets figurent Black Mirror d’Alexander Schubert avec Lucilin pour le Rainy Days Festival au Luxemburg, Lighthouse avec Ars nova à l’Athénée et Flexible Silence de Teshigarawa avec l’Ensemble intercontemporain au théâtre national de Chaillot à Paris.

Duo Fukui-Jallu

Ces deux étonnants musiciens nous font voyager au travers d’un répertoire composé d’œuvres emblématiques du Tango, allant des grands classiques du célèbre duo Anibal Troilo et Roberto Grela aux créations plus contemporaines du compositeur-guitariste argentin Tomas Gubitsch.

« Dans la tradition des mariages tangueros entre le bandonéon et la guitare, des quelques grands classiques du célèbre duo Anibal Troilo et Roberto Grela aux créations plus contemporaines du compositeur-guitariste argentin Tomas Gubitsch, la bandonéoniste Louise Jallu et le guitariste Hiroki Fukui, nous offrent un programme inouï où la virtuosité de la guitare se conjugue avec force aux sonorités chaudes et expressives du bandonéon.

En dépit de leur jeune âge, ces deux artistes, formés par les plus grandes personnalités du Tango (Cesar Stroscio, JuanJo Mosalini, Diego Trosman, Ciro Perez…) ont donné de nombreux concerts et préparent actuellement un enregistrement. Arrangeurs, découvreurs, compositeurs, ces deux étonnants musiciens nous font voyager au travers d’un répertoire qu’ils ont su remettre en lumière, transcrire avec beaucoup d’intelligence, de savoir et de sensibilité, répertoire composé d’œuvres à la fois emblématiques du Tango et paradoxalement absentes des salles de concert. » Bernard Cavanna

Site internet du duo Fukui-Jallu

Louise JALLU

Louise entre au conservatoire de Gennevilliers à cinq ans. Elle commence son apprentissage auprès de Jean Baptiste Henry. En 2009, elle entre en cursus musical au Lycée Racine de Paris. Elle emporte le 2ème Prix de la catégorie bandonéon solo du Concours International de Klingenthal. En 2011, elle interprète le concerto Aconcagua de Piazzolla dans lequel elle inclut ses propres cadences. Elle obtient son Bac S, le titre de jeune talent de la ville de Gennevilliers et son DEM (Diplôme d’Etude Musicale) à l’unanimité du jury composé de Tomas Gubitsh, Pascal Contet et Serge Amico. Elle complète sa formation instrumentale auprès de César Stroscio. En musique de chambre, elle se perfectionne avec Juan Jose Mosalini. Elle étudie la composition auprès de Bernard Cavanna. Elle fonde sa propre formation, Tango Carbon. En 2014, elle collabore avec la chanteuse Katerina Fotinaki et forme le duo Fukui-Jallu. Elle joue dans de prestigieuses salles telles que l’Alhambra, l’Européen, la Philarmonie de Paris, le Triton, la Filature, le Café de la Danse, le Musée d’Orsay et la Maline, entre autres. En 2015, elle sort « En crise » avec Tango Carbon chez Nomad Music. Elle se produit en Ukraine, en Algérie, au Maroc, en Hollande, en Italie et en Arménie. En 2016, elle sort « A contrafuego » avec les Fleurs Noires chez Milan Music. Elle joue en duo avec Cesar Stroscio.

Hiroki FUKUI

Hiroki débute la guitare avec Yoshihiro Muto à l’âge de 4 ans. Dès l’âge de 12 ans, il participe régulièrement à plusieurs concours et obtient en 2009, le 1er prix en soliste et musique collective au concours régional et le 5eme prix au concours international de Tokyo. L’année suivante, il s’installe à Paris et poursuit son apprentissage avec Judicael Perroy. En 2011, il rentre au conservatoire à rayonnement départemental d’Aulnay sous Bois. En 2012, il obtient son DEM (Diplôme d’Etude Musicale) en guitare, solfège et musique de chambre. En parallèle, il s’intéresse aux musiques actuelles comme le jazz, la musique brésilienne et notamment le tango. Il travaille par la suite auprès de Juan Jose Mosalini en musique de chambre. Aujourd’hui, il suit ses études de musique classique au pôle supérieur d’enseignement artistique du Nord – Pas de Calais et développe l’art de l’arrangement et de l’improvisation auprès de Norberto Pedreira et de Diego Trosman. Il se produit également dans diverses formations et forme un duo guitare-bandonéon avec Louise Jallu.

Olivier Pelmoine

Voir aussi Duo Cordes et Âmes
Voir aussi Duo Bruno Angé

Olivier Pelmoine, guitare

Avec déjà plus de cinq cent concerts à son actif, Olivier Pelmoine s’est inventé un chemin personnel nourri de ses expériences multiples.

Passionné par la guitare dès l’enfance, il joue du blues-rock dans ses Hautes-Alpes natales. Sa soif d’apprendre lui fait découvrir la musique classique, qu’il approfondit au Conservatoire de Dijon, avant de consacrer ses études supérieures à l’Ecole Normale et au Conservatoire National Supérieur de Paris où il obtient les plus hautes distinctions.

Sa rencontre avec la violoniste Sara Chenal, avec laquelle il fonde le duo «Cordes et Âmes» est déterminante pour ces deux interprètes : ils créent leur propre répertoire alliant œuvres intemporelles, transcriptions et créations, remportent ensemble le Concours International Mauro Giuliani à Bari en Italie, et enregistrent 3 albums sous le label Skarbo salués par la critique internationale : « San Telmo » (2009, musique nord- et sud-américaine), « Chansons populaires espagnoles » (2012), « Taïgo » (2007, oeuvres contemporaines) et « Piazzolla » (2022).

Dédicataire de nombreuses œuvres, fruits de ses rencontres et échanges qu’il tisse avec les compositeurs actuels, Olivier Pelmoine enregistre également en solo « Opus Guitar » (2014), « Echo » (2018) et « La guitare de Maurice Ohana » (2022).

En récitals, en duo ou en formations variées de musique de chambre, il s’est produit en France dans des salles prestigieuses (à Paris Cité de la Musique,Théâtre du Châtelet, Opéra Bastille, Salle Cortot, Salon des Invalides, au Palais des Papes d’Avignon, au Théâtre impérial de Compiègne, aux Basiliques de Vézelay et du Mont Saint Michel…) ainsi qu’à l’étranger (Suisse, Italie, Allemagne,Belgique, Indes, Japon, Philippines, Canada…).

Directeur artistique de l’évènement «Guitares à Dijon», il fonde en 2013 l’association «Cordes d’Or» afin de promouvoir son instrument sous toutes ses facettes.

Professeur titulaire d’enseignement artistique, il enseigne la guitare depuis 2009 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Dijon, à l’Ecole Supérieure de musique de Bourgogne-Franche- Comté ainsi qu’en stages et masterclasses.

Olivier Pelmoine joue les instruments (guitares et théorbe) des luthiers Hugo Cuvilliez, Maurice Ottiger et José Miguel Moreno. Il est également soutenu par les cordes Savarez.