Catégorie : musique classique

Farnaz Modarresifar, santour

Farnaz Modarresifar, compositrice, santouriste, improvisatrice et poétesse franco-iranienne, est diplômée du Conservatoire National et de l’Université de Téhéran, où elle a obtenu un premier prix. Lauréate de nombreux concours nationaux et internationaux, tels que le Prix Claude Arrieu de la SACEM (prix symphonique), le Prix Alain Louvier, le Prix des Professeur.e.s de Collèges des Superphoniques, le Prix ACIMC, ainsi que plusieurs distinctions en Iran, dont le Premier Prix des Conservatoires des Beaux-Arts, le Festival des Solistes de Téhéran, et le Festival Ava-ye-Mehr, elle s’est illustrée tant comme compositrice qu’interprète. Lauréate de l’Académie des jeunes compositrices de l’Orchestre de Chambre de Paris, ses œuvres ont été interprétées sous la direction de chefs renommés tels que Lars Vogt, Jean Deroyer et Anna Sulkowska-Migon, dans des lieux prestigieux comme la Philharmonie de Paris, le Théâtre du Châtelet, l’Opéra de Reims, et la Bibliothèque Nationale de New York. Installée à Paris, Farnaz a obtenu plusieurs diplômes en composition avec mention, à l’École Normale de Musique et au CRR de Boulogne-Billancourt, ainsi qu’un Master en improvisation et musicologie au PSPBB et à l’Université Paris VIII.

Éditée en France par l’Édition Musicale Artchipel et La Note en Bulle, Farnaz collabore avec des ensembles, des festivals et des artistes renommés, dont Bartabas et Homayoun Shajarian, et interprète les œuvres de compositeurs célèbres tels que Georges Aperghis ou Aurélien Dumont.

Crédits photo : Maï Toyama

Stefania Becheanu est plasticienne sonore. Elle est diplômée de la Faculté d’Art et Design (option peinture) de Timisoara, en Roumanie avant d’obtenir son Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique (DNSEP) option art (« paysage sonore, couloirs sonores, phono- photographie, danser le sonore ») à l’école supérieure d’art de Lorraine – Metz en 2013.

Inspirée par des thèmes comme l’identité, le voyage, l’introspection, la communication, l’écoute et l’espace, elle place le paysage sonore au cœur de ses recherches et de ses projets. Stefania développe aussi un langage performatif musical.

Les rencontres et les échanges entre disciplines avec les artistes et les chercheurs, ont nourri et continuent de nourrir ses propres réflexions et sont souvent l’occasion de découvrir de nouvelles manières d’aborder ses propres projets artistiques. Dans une logique d’exploration et de transdisciplinarité, elle collabore avec Louis-Michel Marion (contrebasse) et Violaine Gestalder (saxophone) durant des séances d’improvisation en lien avec ses paysages sonores. Leur trio Noi-Trei a sorti un album intitulé 3 vues d’un paysage fin 2018. Elle co-écrit un essai intitulé Silence-Décomposition avec Pierre-Luc Landry, publié dans la collection Indiscipline des Éditions Nota Bene en 2017. C’est la rencontre entre les deux artistes qui ont étudié le silence en s’y immergeant afin de déconstruire une chose et d’en reconstruire une autre, par les sensibilités de chacun, les images trouvées, les objets, les conversations entendues, les bruits de la ville enregistrés, etc.”

Elle travaille aussi sur une performance intitulée La danse de l’arbre (une co-création avec la chorégraphe Mathilde Vrignaud). Elles présentent un paysage qui est à traverser par le spectateur : des silences, une présence brute, ciselée dans une introspection ténue.

Sa création Une Écoute Intime résulte d’un travail de recherche et de captations sonores réalisés en Inde et poursuivi en France lors d’une résidence de création à l’Arsenal de Metz, une performance solo avec du son binaurale dans un instrument plastique et sonore: une sculpture légère de 2 mètres environ qu’elle a créée, construite comme un cube, au centre de laquelle l’artiste s’est installée.

Compositrice de pièces mixtes, électroacoustiques et instrumentales diplômée du CRR93 en composition électroacoustique et composition instrumentale, Aline Gorisse a travaillé avec divers ensembles instrumentaux comme Multilatérale, Soundinitiative, Sillages, 2e2m, Ars Nova, Court-Circuit ou encore Accroche Note. 

Elle a débuté en septembre 2022 une résidence artistique et pédagogique de deux ans avec l’Ensemble Intercontemporain.

Elle s’intéresse tout particulièrement à la musicalisation d’objets sonores marqués par notre quotidien ainsi que par leur contexte d’émission et d’enregistrement. Cela peut notamment se traduire par une pratique du field recording. Le théâtre musical et les questions sociétales se trouvent également au cœur de ses explorations artistiques. 
Aline Gorisse est par ailleurs diplômée d’un master de recherche et création à l’Université Paris 8, au cours duquel elle a orienté ses recherches sur la notion d’écoute et de paysage sonore.

La transmission faisant partie intégrante de sa pratique, elle est actuellement responsable d’un atelier d’improvisation par ordinateur pour les élèves de la classe de composition acousmatique de Philippe Mion au conservatoire de Vitry-Sur-Seine. Elle assiste également Jean-Yves Bernhard au CRR93 dans ses cours de création sonore auprès des élèves du lycée Carnot à Pointe-à-Pitre (Guadeloupe). 

Elle pratique l’improvisation libre à la voix, à l’ordinateur, aux synthétiseurs, ainsi qu’aux objets sonores. 

Aline Gorisse a par ailleurs travaillé pendant un an en tant qu’ingénieure du son dans une radio d’art contemporain, ce qui lui a donné le goût de la prise de son, mais également des formats type podcast qui influencent eux aussi sa pratique artistique. 

Guitariste depuis son plus jeune âge, Pascal fait ses débuts auprès d’Olivier Chapeaud, Philippe Cauvin et Olivier Chassain à Angoulême et Bordeaux, puis intègre la classe de Tania Chagnot au Pôle Sup’ 93. Pendant ce temps, il continue de se perfectionner auprès du concertiste Armen Doneyan. En 2022, Pascal Lepage intègre le prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP). Lauréat de nombreux concours internationaux (Nouvelles Cordes 2015, Bellan 2019, Vienne 2021, Curemonte 2022), sa vie de musicien est nourrie par la création contemporaine, la musique de chambre, la pédagogie et l’activité soliste. Militant pour la diffusion du répertoire contemporain, il construit son programme musical à la recherche d’un équilibre entre la recherche sonore, l’originalité, la création contemporaine et la mise en exergue des richesses de son instrument. Poussé par cette recherche d’exigence et de nouveautés, Pascal est amené à se produire en soliste mais également au sein du duo Simmetria qu’il forme avec la flûtiste Anna Killy.

Lili Aymonino, chant

Issue d’une famille de chanteurs traditionnels, Lili Aymonino pratique très tôt le jeu et le chant sur scène avant d’intégrer le chœur d’enfants de l’Opéra de Bordeaux. Après un DEM de chant lyrique du CRR de Paris, elle se forme en concertiste avec Elsa Maurus et explore le répertoire baroque avec Stéphane Fuget. Jeune soprano lyrique, Lili collabore régulièrement comme soliste avec l’Opéra de Versailles et fait ses débuts à l’Opéra de Tours en 2022. Elle pratique également la polyphonie avec l’ensemble féminin De Caelis, et l’improvisation libre et dirigée. Pour les spectacles de la Compagnie des Xylophages, elle élabore avec Ariane Issartel des créations musicales originales.

 

Ariane Issartel, chant & violoncelle

Ariane Issartel est musicienne, metteure en scène et chercheuse. Elle centre son travail sur la mise en relation de la musique et du texte. Après un DEM de violoncelle au CRR de Paris, elle entre à l’ENS Paris où elle étudie la littérature comparée et la dramaturgie, et fonde en 2015 la Compagnie des Xylophages. Depuis 2018, Ariane poursuit son travail de recherche avec une thèse portant sur la présence du chant dans le théâtre contemporain. Elle participe à des projets théâtraux en tant que musicienne de plateau (Cie des Evadés, Cie des Xylophages), s’occupe de dramaturgie pour des spectacles musicaux, écrit de la musique pour des courts-métrages et des documentaires, et s’intéresse à la mise en scène d’opéra (l’Enfant et les sortilèges, 2018 ; La Flûte enchantée, 2019 ; Carmen, 2022).

Julie Sévilla Fraysse est diplômée du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et de la Julliard School de New-York. De retour en Europe, elle rejoint la Chapelle Reine Elisabeth en Belgique en tant qu’artiste en résidence. Elle suit en parallèle l’enseignement des meilleurs violoncellistes tels que Roland Pidoux à Paris et Gary Hoffman à Bruxelles. Elle est également lauréate de la Fondation Banque Populaire. Julie Sévilla-Fraysse s’est produite en tant que super soliste avec l’Orchestre Symphonique d’Anvers à la salle de concert FLAGEY à Bruxelles, avec l’Orchestre des UAEH au Mexique ainsi qu’avec l’Orchestre Camerata Venia dirigé par Gleb Skvortsov, ou encore au festival « Un Violon sur le Sable ». Passionnée de musique de chambre, elle a donné des récitals avec certains des artistes classiques les plus en vue tels que les pianistes Abdel Rahman El Bacha, Nicolas Angelich, le violoniste Régis Pasquier ou le violoncelliste Gary Hoffman. Pendant des années, elle a fait partie de l’orchestre de l’Opéra National de Paris et est aussi membre fondateur du Trio Klimt. Ses disques ont été consacrés aux Sonates de Kodaly, Janacek et Dvorak, ainsi qu’au Concerto pour violoncelle de Haydn.

 

 

Tom Bierton, né en Haute-Savoie en 91, est titulaire d’un Master de composition instrumentale et électronique du CNSM de Paris, des classes de Gérard Pesson et Luis Naon. Il a également suivi le cursus de l’Ircam.
Ses incursions dans la musique instrumentale nouvelle sont duales, nourries à la fois par une passion pour les sensations de pulsation complexes et arythmiques, et par la tranquillité foisonnante des écosystèmes naturels, qui provoquent chez lui une fascination quasi animiste.
Habité par sa conviction de l’importance sociale de l’art, et de la nécessité de son accessibilité, Tom Bierton collabore régulièrement avec l’association Tournesol – artistes à l’hôpital, et participe également à des projets de création collective dans des classes d’enfants et d’adolescents, notamment par l’ensemble Cairn et la Maison de la Musique Contemporaine.
Artiste touche à tout, tour à tour poète, plasticien ou réalisateur de courts métrages, compositeur de chansons, de musiques de films, il trouve sa liberté dans la diversité des styles et des formes.
Tom Bierton a été bénéficiaire des œuvres de la fondation Meyer et du mécénat musical de la Société Générale.

 

Tom Bierton et Tournesol : projets Michaux en musique et Les sons d’ici

Actif depuis 2019, le Duo Ziriab, composé de Lisa Meignin à la flûte et Gaspard Schlich à la guitare, se distingue par son identité musicale atypique et hybride : les deux musiciens sont attirés par le répertoire contemporain et traditionnel, et sont fascinés par le lien entre les deux. C’est ce qui les amène à créer de nouveaux programmes sans cesse, où ces deux répertoires se côtoient.
Ils se sont produits dernièrement sur les scènes nationales des théâtres de l’Odéon et de Malakoff en région parisienne, et obtiennent en 2022 le soutien de la DRAC Grand Est pour leur projet « Musiques traditionnelles et Improvisation ».

Toujours désireux de faire connaître et surtout de faire apprécier la musique qu’ils revendiquent, les deux musiciens ont commencé leur carrière en allant directement à la rencontre de publics dits « éloignés ». Ces rencontres leur donnent l’envie de créer des liens toujours plus forts avec le public, et les amène naturellement à imaginer des ateliers pensés en ce sens. Le Duo Ziriab organise alors des rencontres sur trois étés, dans différentes régions, tout en utilisant le vélo comme moyen de mobilité pour des questions écologiques. Ils enregistrent pour l’occasion un premier CD en auto-production.

Gardant toujours sa place dans la musique classique, le Duo Ziriab est finaliste de deux prestigieux concours internationaux : le Concurso de Musica de Camara de Juan Gual Esteve (Burriana, Espagne), ainsi que le Anton Garcia Abril Chamber Music Compeititon (Baza, Espagne).

Les musiciens collaborent avec l’Ensemble Accroche Note (Strasbourg) en 2022, et suivent actuellement les cours d’Armand Angster à la Haute École des Arts du Rhin, ainsi que ceux de Jens McManama (Ensemble Intercomporain) au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris.

Ces deux jeunes musiciens initient la rencontre éclatante du violoncelle et de l’accordéon, en convoquant leurs compositeurs de prédilection : Bach, Saint-Saëns, Fauré ou encore Piazzolla.

 

Louis-Guillaume Ferret, violoncelle

Louis-Guillaume Ferret, né en 1998, débute le violoncelle à l’âge de six ans auprès de Marie Madeleine Mille. En 2005 il intègre le conservatoire de Toulouse, dans la classe de Pauline Bartissol puis d’Antoine Foucher et en Master class avec Philippe Muller et Lluis Claret. Il est co soliste de l’orchestre MusikA depuis 2014. Après avoir obtenu les Premiers Prix de musique de chambre et violoncelle en 2016, il rentre la même année au CRR de Paris dans la classe de Thomas Duran. En 2017, il est admis au CNSMD de Paris dans la classe de Raphael Pidoux.

 

Angel Villart, accordéon

Bercé par la musique et les cordes pincées de son père, c’est le timbre et la chaleur de la boîte à frisson que choisira Angel Villart.
À l’âge de 6 ans il débute son apprentissage de l’accordéon auprès de Nathalie Masson et Gregory Daltin, il apprend la musique populaire et s’initie à la musique classique.
Sa formation d’artiste interprète se poursuit en 2008 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse dans la classe de Guy Olivier Ferla. Ce dernier lui transmet l’amour de l’instrument et le pousse à une exigence dans son travail en l’invitant à découvrir le répertoire savant de l’instrument, de Lundquist à Tchaikovsky en passant par Bach et Zubistky. Dès lors, sa passion se confirme ainsi que l’idée d’évoluer en tant que concertiste.
Titulaire du premier prix d’accordéon au conservatoire de Toulouse, il est admis en 2015 dans la classe de Max Bonnay et Anthony Millet au prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Il y obtient le Diplôme National Supérieur de Musicien Professionnel avec la mention Très Bien et en 2020 un Master avec Mention Très Bien et Félicitations. Il se perfectionne également auprès de grands artistes tels que Hugo Noth, André Zaraté, Jean Marc Maronni et bien d’autres encore…
Depuis, Angel remporte de nombreux concours nationaux et internationaux, il obtient en 2019 un premier prix musique de chambre au concours UNAF à Paris et un 1er prix musique de chambre au concours international des jeunes talents en Normandie qui confortera son souhait de partager la musique avec d’autres instrumentistes.
Il réintègre en 2022 le CNSM de Paris en Master Musique de chambre dans la classe d’Emmanuelle Bertrand et François Salque avec son duo EØS Violoncelle Accordéon.
En parallèle à ses études d’interprète, il se produit régulièrement avec ses partenaires musiciens et comédiens (Duo EØS, Duo Yakaira, Ensemble À Bout de Souffle…). Il participe plus récemment à des productions d’Orchestres avec l’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine dirigé par Jean-Francois Heisser et l’Orchestre National du Capitole.

 

Diplômé notamment de la Schola Cantorum et du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, Sébastien Hurtaud s’est produit comme soliste avec l’Orchestre National de Lorraine, l’Orchestre de Picardie, l’Orchestre National de Nouvelle-Zélande, l’Orchestre de la Radio de Bratislava ou encore l’Orchestre des Pays de Savoie.

Il a remporté le premier prix du concours « Adam International de Violoncelle » en 2009 en Nouvelle-Zélande. Il est également lauréat du concours international de violoncelle Naumburg Foundation et Aldo Parisot aux États-Unis et en Corée du Sud.

Le magazine de disques American Fanfare le reconnaît «[…] proche de l’âme de Rostropovich et de la virtuosité de Feuerman […]» dans son premier disque consacré à Paul Hindemith enregistré avec la pianiste Paméla Hurtado.

Noemi Gasparini, violoniste, ouvre des chemins éclectiques et inédits au croisement de la musique traditionnelle d’Amérique Centrale et de la virtuosité de Bach, Stravinsky ou Kreisler.

Musicienne aussi bien active sur la scène classique que sur celles de la musique du monde et contemporaine, elle a été remarquée comme jeune talent au Festival Pablo Casals 2021 et 2022, mais aussi au Festival Classique à Villars 2023 en Suisse. Elle vient d’obtenir un Master de violon classique à l’unanimité avec les félicitations du jury au CNSMDP dans la classe de Jean-Marc Phillips et a obtenu son Bachelor à la Manhattan School of Music de New York, où elle a travaillé avec Patinka Kopec. Elle a également reçu les conseils de Pinchas Zukerman lors de plusieurs master classes.

Elle donne des concerts en tant que soliste et chambriste sur les scènes européennes et américaines, et a notamment fait partie du groupe Flor de Toloache, mariachi féminin primé d’un Grammy Award.
Lauréate de l’Académie Ravel 2022, on lui décerne le 1er Prix: Prix de l’Académie de la ville de Saint-Jean-de-Luz. Elle reçoit aussi le prix du public au Festival de musique de chambre de Schiermonnikoog 2022 (Hollande).

Noemi organise aussi des concerts où musique classique, latino-américaine et ses propres chansons se rencontrent, en collaboration avec des musiciens divers et variés, comme récemment le violoniste vénézuélien Alexis Cardenas et son groupe Recoveco. Son premier disque réunissant ces différentes facettes de son univers est en cours de réalisation.

Elle est lauréate de la Fondation de France, Fondation Vincent Meyer, et du Mécénat Musical Société Générale, entre autres. Elle joue sur un violon de Sergio Peresson.

Noemi est italo-mexicaine, est née et vit à Paris. Elle a vécu huit ans à New-York et a aussi étudié à la Junior Royal Academy de Londres dans son adolescence.

Le jeune guitariste Antoine Guerrero défend une musique cosmopolite, mettant à l’honneur compositeurs espagnols, italiens, argentins et slaves, ayant marqué l’histoire de la guitare classique.

Né à Bordeaux (1996), ce jeune guitariste s’est fait connaître sur la scène internationale grâce à sa participation à de nombreux concours et à son activité de concertiste.

La plupart de sa formation a eu lieu en France. Son premier professeur fut l’Argentin Rodolfo Lahoz ; puis il entre au Conservatoire Régional de Bordeaux sous la tutelle d’Olivier Chassain, où il obtient son diplôme en 2016 avec mention « Très bien » et les félicitations du jury.

Ensuite, il poursuit une Licence d’Interprète pendant 5 ans au Conservatoire Supérieur de Séville avec Francisco Bernier, au cours de laquelle il reçoit également une formation par des guitaristes internationaux célèbres tels que Judicael Perroy ou Carlo Marchione, entre autres.

Depuis septembre 2021, il intègre à nouveau la classe d’Olivier Chassain dans le Master d’Interprète au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Il est également artiste en résidence à la Cité Internationale des Arts (Paris).

Révélation Guitare Classique Magazine 2018, Cassie Martin commence la guitare à l’âge de 5 ans. Après une formation au Conservatoire d’Orléans avec Josiane Rabemananjara, elle entre en 2015 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris dans la classe de Gérard Abiton. A 17 ans, elle intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris dans la classe d’Olivier Chassain.

Elle a travaillé avec plusieurs guitaristes internationaux de renom comme Sergio Assad, Tania Chagnot, Jérémy Jouve, Judicaël Perroy, Eric Franceries, Johan Fostier qui ont contribué à son développement artistique.

En 2020, elle fait partie des artistes Eurostrings et s’ouvre à la scène européenne.

En 2022, elle participe à la tournée de Gautier Capuçon « Un été en France 2022 ».

A 20 ans, elle est lauréate de nombreux concours internationaux parmi lesquels le 1er Prix du Silesian Guitar Autumn 2022 (Pologne) ; le 1er Prix du Forum Guitar Wien 2022 (Autriche); le 1er Prix du Concours International de Guitare de Taiwan 2022 ; le 1er Prix du Concours International Alirio Diaz 2022de Rust (Autriche) ; le 3e Prix du Concours International de Guitare de Paris 2022 (France),  le Prix d’Honneur du Concours International Léopold Bellan 2019 (France) ; le 1er Prix du Concours International de Guitare en Béarn 2019 (France) ; le 3e Prix du Concours International de Bruxelles 2019 (Belgique) ; le 1er Prix du Concours International Roland Dyens 2018 (France) ; le 1er Prix au Concours International de Carry-le-Rouet 2018 (France).

Cassie Martin s’est produite dans de nombreux festivals à travers le monde proposant un répertoire de styles variés allant de la musique ancienne à la musique contemporaine: Festival international des Cordes Pincées de Rabat au Maroc ; Festival internacional de guitarra de Guimaraes au Portugal ; International Guitar Festival Rust en Autriche; Festival Internazionale della Chitarra – Città di Mottola en Italie; GuitArt festival Plovdiv en Bulgarie; Harmonia Cordis International Guitar Festival en Roumanie et au Brussels International Guitar Festival en Belgique.

Elle a joué les plus grands concertos avec orchestre en France, en Pologne : le célèbre Concerto d’Aranjuez pour guitare et orchestre de Joaquín Rodrigo, le Concerto en Ré op. 99 de Mario Castelnuovo-Tedesco.

Elle se produit régulièrement en formation de musique de chambre en duo guitare-violon avec la violoniste Camille Théveneau.

Depuis septembre 2022, elle enseigne au Conservatoire de Saint-Cloud.

Artiste Savarez, Cassie joue sur une guitare du luthier Daniel Friederich.

Romain Falik est un guitariste autodidacte, il entre au Conservatoire National de Toulouse à 20 ans en 2004 dans la classe de guitare classique de Paul Ferret.

Il poursuit ses études musicales au Conservatoire à Rayonnement Régional de Versailles en obtenant en 2009 un Diplôme d’Etudes Musicales de guitare classique dans la classe de Christian Channel.

Il se tourne alors vers la musique ancienne en rentrant dans la classe de Benjamin Perrot (ensemble La Reveuse) au CRR de Versailles où il étudie le théorbe et le luth et en jouant régulièrement avec le Centre de Musique Baroque de Versailles sous la direction d’Olivier Schneebeli dans le cadre des « Jeudis musicaux à la chapelle royale » du château de Versailles.

Il obtient un DEM de théorbe en 2013.

En tant que soliste et continuiste, il se produit régulièrement dans des festivals en France et à l’étranger avec des ensembles tel que Les Cris de Paris (Geoffroy Jourdain), Le Theatre de l’Incredule (Benjamin Lazar, Louise Moaty), le Baroque Nomade (Jean Christophe Frisch), La Camerata Vocale de Brive (Jean Michel Hasler), La Compagnie du Mage (Jean Paul Bouron), la Compagnie l’Escarboucle (Carine Moretton) …

Aujourd’hui il s’intéresse également au luth arabe et reçoit l’enseignement du oudiste Issa Murad.

Récemment, il a participé à l’enregistrement du disque Marais – Suites for Oboe avec le hautboïste Canadien Christopher Palameta sous le label Audax records.

Michel Glasko a étudié l’accordéon à Verdun auprès de Francis Carpentier. Il est également diplômé en Histoire de la Musique de l’Université de la Sorbonne et du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Ce solide bagage classique ainsi que sa curiosité l’ont conduit à explorer des territoires musicaux très variés : La musique improvisée en compagnie du trompettiste Jac Berrocal, le Monde du cirque avec le spectacle Crescend’O de Muriel Hermine et Franco Dragone… et, bien sur, l’univers de la chanson, découvert au cours de ses nombreux passages dans les cabarets parisiens – le Limonaire et le Loup du Faubourg entre autres. Dans le cadre de lectures mises en musique ou bien de récitals, il a accompagné de nombreux artistes : de Céline Caussimon à Edith Scob, en passant par  Fred Vargas …

Aujourd’hui, il accompagne de nombreux artistes, tant en France qu’à l’étranger et a enregistré plusieurs albums en compagnie de Rue de la muette et Mathieu Rosaz (albums distingués par l’Académie Charles Cros), Mariana Montalvo, Alain Aurenche, Sophie Terol,  Vermeulen…

Découvrir le projet « Ateliers de chansons »

Curieux et passionné, Jean-Marc Zvellenreuther explore l’univers musical dans toute sa diversité. Guitariste, pédagogue, chef d’orchestre, il s’enrichit auprès de ses élèves et au contact de musiciens et artistes de divers horizons.

Musique contemporaine, jazz et improvisation, transcription, opéra et orchestre, il s’investit partout et toujours avec la même exigence artistique. Il porte aussi un regard nouveau sur le répertoire et la forme du concert, grâce aux nouvelles technologies, comme avec son projet iberialbeniz

Proche des compositeurs d’aujourd’hui, il crée de nombreuses œuvres nouvelles en solo, au sein d’ensembles comme ars nova, avec sa formation le Trio polycordes.

Disciple d’Alberto Ponce, Jean-Marc Zvellenreuther a été son assistant au Conservatoire de Paris pendant sept ans. Le maître espagnol lui a transmis les secrets de son art, perpétuant la tradition de Tarrega et Emilio Pujol.

Titulaire d’une classe de guitare au CRR de Boulogne-Billancourt, Jean-Marc Zvellenreuther a été le premier guitariste à enseigner la didactique de l’instrument au département de pédagogie du CNSMDP. il est actuellement professeur assistant (classe de Roland Dyens) dans cet établissement et enseigne au PSPBB

Jean-Marc Zvellenreuther joue dans les plus grandes formations symphoniques et opéras. Il connaît l’orchestre de l’intérieur, et s’intéresse naturellement à la direction. Formé par Nicolas Brochot, il est invité à diriger des sessions d’orchestre avec les étudiants du pôle sup’93 et PSPBB notamment dans le répertoire moderne et contemporain. Il dirige aussi les étudiants du Conservatoire de Paris, ainsi que divers concerts et projets comme la première en France de Kammermusik 1958 d’Hans Werner Henze à la Péniche-opéra.

Parmi ses projets figurent Black Mirror d’Alexander Schubert avec Lucilin pour le Rainy Days Festival au Luxemburg, Lighthouse avec Ars nova à l’Athénée et Flexible Silence de Teshigarawa avec l’Ensemble intercontemporain au théâtre national de Chaillot à Paris.

• Site officiel de Jean-Marc Zvellenreuther
• Duo Jean-Marc Zvellenreuther et Florentino Calvo

Ces deux étonnants musiciens nous font voyager au travers d’un répertoire composé d’œuvres emblématiques du Tango, allant des grands classiques du célèbre duo Anibal Troilo et Roberto Grela aux créations plus contemporaines du compositeur-guitariste argentin Tomas Gubitsch.

« Dans la tradition des mariages tangueros entre le bandonéon et la guitare, des quelques grands classiques du célèbre duo Anibal Troilo et Roberto Grela aux créations plus contemporaines du compositeur-guitariste argentin Tomas Gubitsch, la bandonéoniste Louise Jallu et le guitariste Hiroki Fukui, nous offrent un programme inouï où la virtuosité de la guitare se conjugue avec force aux sonorités chaudes et expressives du bandonéon.

En dépit de leur jeune âge, ces deux artistes, formés par les plus grandes personnalités du Tango (Cesar Stroscio, JuanJo Mosalini, Diego Trosman, Ciro Perez…) ont donné de nombreux concerts et préparent actuellement un enregistrement. Arrangeurs, découvreurs, compositeurs, ces deux étonnants musiciens nous font voyager au travers d’un répertoire qu’ils ont su remettre en lumière, transcrire avec beaucoup d’intelligence, de savoir et de sensibilité, répertoire composé d’œuvres à la fois emblématiques du Tango et paradoxalement absentes des salles de concert. » Bernard Cavanna

• Site internet du duo Fukui-Jallu

 

Louise JALLU

Louise entre au conservatoire de Gennevilliers à cinq ans. Elle commence son apprentissage auprès de Jean Baptiste Henry. En 2009, elle entre en cursus musical au Lycée Racine de Paris. Elle emporte le 2ème Prix de la catégorie bandonéon solo du Concours International de Klingenthal. En 2011, elle interprète le concerto Aconcagua de Piazzolla dans lequel elle inclut ses propres cadences. Elle obtient son Bac S, le titre de jeune talent de la ville de Gennevilliers et son DEM (Diplôme d’Etude Musicale) à l’unanimité du jury composé de Tomas Gubitsh, Pascal Contet et Serge Amico. Elle complète sa formation instrumentale auprès de César Stroscio. En musique de chambre, elle se perfectionne avec Juan Jose Mosalini. Elle étudie la composition auprès de Bernard Cavanna. Elle fonde sa propre formation, Tango Carbon. En 2014, elle collabore avec la chanteuse Katerina Fotinaki et forme le duo Fukui-Jallu. Elle joue dans de prestigieuses salles telles que l’Alhambra, l’Européen, la Philarmonie de Paris, le Triton, la Filature, le Café de la Danse, le Musée d’Orsay et la Maline, entre autres. En 2015, elle sort « En crise » avec Tango Carbon chez Nomad Music. Elle se produit en Ukraine, en Algérie, au Maroc, en Hollande, en Italie et en Arménie. En 2016, elle sort « A contrafuego » avec les Fleurs Noires chez Milan Music. Elle joue en duo avec Cesar Stroscio.

Hiroki FUKUI

Hiroki débute la guitare avec Yoshihiro Muto à l’âge de 4 ans. Dès l’âge de 12 ans, il participe régulièrement à plusieurs concours et obtient en 2009, le 1er prix en soliste et musique collective au concours régional et le 5eme prix au concours international de Tokyo. L’année suivante, il s’installe à Paris et poursuit son apprentissage avec Judicael Perroy. En 2011, il rentre au conservatoire à rayonnement départemental d’Aulnay sous Bois. En 2012, il obtient son DEM (Diplôme d’Etude Musicale) en guitare, solfège et musique de chambre. En parallèle, il s’intéresse aux musiques actuelles comme le jazz, la musique brésilienne et notamment le tango. Il travaille par la suite auprès de Juan Jose Mosalini en musique de chambre. Aujourd’hui, il suit ses études de musique classique au pôle supérieur d’enseignement artistique du Nord – Pas de Calais et développe l’art de l’arrangement et de l’improvisation auprès de Norberto Pedreira et de Diego Trosman. Il se produit également dans diverses formations et forme un duo guitare-bandonéon avec Louise Jallu.

• Voir aussi Duo Cordes et Âmes
• Voir aussi Duo Bruno Angé

Olivier Pelmoine, guitare

Avec déjà plus de cinq cent concerts à son actif, Olivier Pelmoine s’est inventé un chemin personnel nourri de ses expériences multiples.

Passionné par la guitare dès l’enfance, il joue du blues-rock dans ses Hautes-Alpes natales. Sa soif d’apprendre lui fait découvrir la musique classique, qu’il approfondit au Conservatoire de Dijon, avant de consacrer ses études supérieures à l’Ecole Normale et au Conservatoire National Supérieur de Paris où il obtient les plus hautes distinctions. 

Sa rencontre avec la violoniste Sara Chenal, avec laquelle il fonde le duo «Cordes et Âmes» est déterminante pour ces deux interprètes : ils créent leur propre répertoire alliant œuvres intemporelles, transcriptions et créations, remportent ensemble le Concours International Mauro Giuliani à Bari en Italie, et enregistrent 3 albums sous le label Skarbo salués par la critique internationale : « San Telmo » (2009, musique nord- et sud-américaine), « Chansons populaires espagnoles » (2012), « Taïgo » (2007, oeuvres contemporaines) et « Piazzolla » (2022).

Dédicataire de nombreuses œuvres, fruits de ses rencontres et échanges qu’il tisse avec les compositeurs actuels, Olivier Pelmoine enregistre également en solo « Opus Guitar » (2014), « Echo » (2018) et « La guitare de Maurice Ohana » (2022).

En récitals, en duo ou en formations variées de musique de chambre, il s’est produit en France dans des salles prestigieuses (à Paris Cité de la Musique,Théâtre du Châtelet, Opéra Bastille, Salle Cortot, Salon des Invalides, au Palais des Papes d’Avignon, au Théâtre impérial de Compiègne, aux Basiliques de Vézelay et du Mont Saint Michel…) ainsi qu’à l’étranger (Suisse, Italie, Allemagne,Belgique, Indes, Japon, Philippines, Canada…).

Directeur artistique de l’évènement «Guitares à Dijon», il fonde en 2013 l’association «Cordes d’Or» afin de promouvoir son instrument sous toutes ses facettes.

Professeur titulaire d’enseignement artistique, il enseigne la guitare depuis 2009 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Dijon, à l’Ecole Supérieure de musique de Bourgogne-Franche- Comté ainsi qu’en stages et masterclasses.

Olivier Pelmoine joue les instruments (guitares et théorbe) des luthiers Hugo Cuvilliez, Maurice Ottiger et José Miguel Moreno. Il est également soutenu par les cordes Savarez.

Né en 1961, Luc Héry entre au Conservatoire national supérieur de Paris en 1975. Il étudie le violon dans la classe de Pierre Doukan, et la musique de chambre dans celle de Jean Hubeau. Il obtient un premier prix dans ces deux disciplines en 1980, et au cours de son troisième cycle de violon remporte le troisième prix au Concours international Tibor Varga, à Sion, en 1983.

En 1984, il est admis à l’Orchestre de l’Opéra de Paris. Deux ans plus tard, il entre à l’Orchestre national de France, comme chef d’attaque des seconds violons, avant d’être nommé premier violon solo de la même formation en 1991.

Parmi les prestations de Luc Héry comme soliste, citons en 1996 l’interprétation du Concerto de Dutilleux avec l’Orchestre national sous la direction de Lawrence Foster et, en mai 2000, la Symphonie concertante de Mozart avec Nicolas Bône (alto solo de l’Orchestre national), toujours avec l’Orchestre national, dirigé par Evgueni Svetlanov.
Luc Héry pratique régulièrement la musique de chambre dans le cadre de la saison de Radio France. Il a enregistré pour Harmonia Mundi les Quintettes de Brahms et de Mozart, avec les solistes de l’Orchestre national de France.

Gaétan Biron, violon

Gaétan Biron commence ses études au conservatoire de Nantes. Il est admis dans la classe de Gérard Poulet au Conservatoire National Supérieur de Paris, où il obtient en 2003 un Premier Prix à l’unanimité. En 2002, il entre dans la classe de violon solo d’orchestre de Luc Héry. Cette même année, il obtient une bourse d’étude afin de se rendre au Mozarteum de Salzburg. En 2003, Gaétan Biron entre à l’Orchestre National de France.

Passionné de musique contemporaine, il se produit régulièrement avec l’ensemble TM+, l’ensemble Inter contemporain et le quatuor Multilatéral. Dans le cadre de son activité à l’orchestre National de France, Gaétan Biron participe à de nombreux projets pédagogiques retransmis sur  les ondes de France Musiques.

Son premier disque est paru en janvier 2010 chez Universal Music Classic. Il y interprète en compagnie du pianiste Damien Luce, les Impressions d’Enfance opus 28 de Georges Enesco.

Parfois, il est accompagné de Marie-Cécile Biron, alto.

En duo avec Marie-Cécile Biron, alto

Marie-Cécile Biron débute le violon à l’âge de cinq ans à l’école de musique d’Eaubonne. En 2000, au conservatoire de Meudon, elle obtient un prix de violon et de musique de chambre. Elle étudie ensuite au Conservatoire National Supérieur de Paris, et termine son cursus par un prix de violon en 2003.

En 2005, Marie-Cécile Biron obtient un premier prix d’alto à l’unanimité dans la classe de Françoise Gnéri au conservatoire de Rueil-Malmaison. Elle obtient le Diplôme d’Etat de violon en 2006 et d’alto en 2007 au Cefedem de Rueil.

Passionnée de musique de chambre, elle se produit régulièrement avec l’ensemble à géométrie variable « Bloc Notes » en sonate, trio à cordes et quatuor. Marie-Cécile Biron est actuellement professeur de violon et d’alto au conservatoire du 18éme arrondissement à Paris.

Ce programme original est composé de musiques méditerranéennes autour du thème de la sérénade. De l’Espagne à l’Italie, ces artistes nous font notamment découvrir avec générosité le répertoire de Carage, Tarrega, Scarlatti, Paganini ou encore Albeniz. En duos harmonieux ou en solos virtuoses, c’est un voyage en Méditerranée et à travers les siècles que nous proposent ces deux artistes de talent.

Jean-Marc Zvellenreuther, guitare

Jean-Marc Zvellenreuther débute ses études musicales au CNR de Rueil-Malmaison où il obtient un 1^er Prix de Guitare et étudie l’Ecriture, la Musique ancienne la Contrebasse et la Direction d’orchestre. Il entre ensuite dans la classe de guitare d’Alberto Ponce au CNR d’Aubervilliers-la-Courneuve où il reçoit un 1er prix avec félicitations puis il se voit décerner le Diplôme Supérieur de Concertiste de l’École Normale de Musique de Paris et de nombreuses distinctions internationales.

Titulaire du CA et professeur au CNR d’Aubervilliers depuis 1991, assistant d’Alberto Ponce au CNSM de Paris, il a été nommé professeur de Didactique au sein du département de pédagogie de cet établissement. Jean-Marc Zvellenreuther partage sa carrière entre l’enseignement et ses activités d’instrumentiste : récitals, concerts avec orchestre, musique de chambre. Il est membre fondateur du Trio Polycordes, ensemble de cordes pincées consacré à la musique contemporaine en résidence à la ville d’Argenteuil. Invité à se produire lors de festivals en France et à l’étranger, il a réalisé plusieurs enregistrements pour la radio et la télévision et s’intéresse à la musique de scène et de théâtre, tout en s’associant à des concerts de musique improvisée. Il participe à des opéras comme guitariste de scène et se produit notamment sur les scènes de l’Opéra Bastille et du festival d’Aix en Provence.

Jean-Marc Zvellenreuther se produit également en solo avec un répertoire de pièces de Bach et de musique espagnole et sud-américaine au chevet des patients.

• Site officiel de Jean-Marc Zvellenreuther
• Voir l’Opérette Swing
• Et aussi : Jean-Marc Zvellenreuther, guitare : Voyage musical autour de la musique espagnole, ainsi que des œuvres du répertoire brésilien avec Villa-Lobos et des grands classiques comme Bach.

Florentino Calvo, mandoline

Florentino Calvo commence ses études musicales à l’Ecole Nationale de Musique d’Argenteuil où il obtient un premier prix dans la classe de Mario Monti.

Il se perfectionne ensuite en Italie avec Ugo Orlandi. Depuis, il se produit en soliste et en musique de chambre, notamment avec le pianiste Maurice Chancelade ; il est appelé à se produire régulièrement avec l’Orchestre du théâtre national de l’Opéra de Paris, avec l’Orchestre national de France et l’ensemble Intercontemporain. Il est professeur à l’ENM d’Argenteuil et anime toute l’année des masters classes en France et à l’étranger. Il dirige l’orchestre à plectre l’Estudiantina d’Argenteuil.

Le duo

Exigence et éclectisme d’une part, force et finesse d’autre part, caractérisent certainement l’esprit du duo «Cordes et âmes». Un jeu vibrant et sensuel servi d’une parfaite maîtrise instrumentale, une complicité évidente, communicative avec le public, sont autant d’éléments contribuant à l’alchimie d’un duo réussi. 

Créé en 2001, le duo remporte dès l’année suivante deux concours internationaux de musique de chambre et obtient mention très bien le prix de musique de chambre au conservatoire national supérieur de musique de Paris en 2005. 

Forts d’une expérience de plus de 600 concerts en France et à l’étranger : Italie, Espagne, Allemagne, Nigéria, Tunisie, Inde, Japon, Philippines, Canada, Caraïbes… la violoniste Sara Chenal et le guitariste Olivier Pelmoine excellent à la scène, où leur collaboration nous offre une très belle présence musicale : une entente rare, un duo corps et âmes. 

Quatre albums sont actuellement disponibles chez le label Skarbo :  «Taïgo » (2007), «San Telmo » (2009) «Chansons populaires espagnoles» (2012) et «Piazzolla » (2022).

Site officiel du duo Cordes et Âmes

 

Sara Chenal, violon

Après des études aux conservatoires Nationaux Supérieurs de Musique de Lyon, Paris et Rotterdam où elle reçoit les plus hautes distinctions, elle se construit un chemin personnel et éclectique sur la scène française et à l’étranger.

Elle crée violon seul un corpus de pièces qui font l’objet d’un album «  Violon solo, pièces dédiées » label Skarbo, compositions de G.Finzi, P.Jakubowski, G.Clamens, A.Ourkouzounov, R.Desbazeille. Certaines sont également reprises dans un spectacle seule en scène avec théâtre et danse «  La violoniste qui croyait rêver » mis en scène par Antonia Malinova.

Tout d’abord membre de l’opéra de Dijon de 1996 à 2001, Sara Chenal s’oriente ensuite vers la musique de chambre. Avec le guitariste Olivier Pelmoine dans le duo Cordes et âmes, ils sont depuis plus de 20 ans le duo français représentatif de cette formation. Un nouveau répertoire baroque s’inscrit également à leurs programmes de concerts suite à leurs recherches spécifiques au théorbe et violon baroque.
 

Depuis 2006, Sara Chenal est également 1er violon du quatuor à cordes Sine Qua Non.
Leur enregistrement « Cras, quatuor et quintette » a été primé en France par 5 étoiles Classica et 4 Diapasons, mais aussi aux USA et en Allemagne.
Leur dernier album « 4 for 4 » sorti en 2020 est consacré aux compositrices E.Beach, R.Clarke, F.Mulsant et G.Tailleferre. Le quatuor a obtenu en 2021 un prix d’honneur de l’Atelier Lyrique de Tourcoing.

Invitée comme soliste ou violon solo d’ensembles orchestraux (La Baule Symphonic, Jean- Walter Audoli, Musica des Flandres), jouant régulièrement dans l’Orchestre de Paris, elle s’est investie également dans la musique contemporaine au sein d’ensembles comme Multilatérale, Instant donné, Cairn, Utopik. 

En solo et avec ces diverses formations, elle est sollicitée sur différentes radios, BFC Classic, RCF, France Musiques, émissions « Dans la Cour des Grands », « Alla breve », « En pistes »,  « Carrefour de Lodéon ». 

Titulaire du Certificat d’Aptitude, riche de ses expériences de professeure aux conservatoires de Nantes et Paris, elle enseigne depuis septembre 2022 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Dijon.
Elle est sollicitée comme jury et pour des master-class en France, Italie, Nigéria et Tunisie.

Sara Chenal joue un violon de Sympertus Niggel (1777) avec les cordes Corelli. 

 

Olivier Pelmoine, guitare

Avec déjà plus de cinq cent concerts à son actif, Olivier Pelmoine s’est inventé un chemin personnel nourri de ses expériences multiples.

Passionné par la guitare dès l’enfance, il joue du blues-rock dans ses Hautes-Alpes natales. Sa soif d’apprendre lui fait découvrir la musique classique, qu’il approfondit au Conservatoire de Dijon, avant de consacrer ses études supérieures à l’Ecole Normale et au Conservatoire National Supérieur de Paris où il obtient les plus hautes distinctions. 

Sa rencontre avec la violoniste Sara Chenal, avec laquelle il fonde le duo « Cordes et Âmes » est déterminante pour ces deux interprètes : ils créent leur propre répertoire alliant œuvres intemporelles, transcriptions et créations.

Dédicataire de nombreuses œuvres, fruits de ses rencontres et échanges qu’il tisse avec les compositeurs actuels, Olivier Pelmoine enregistre également en solo « Opus Guitar » (2014), « Echo » (2018) et « La guitare de Maurice Ohana » (2022).

En récitals, en duo ou en formations variées de musique de chambre, il s’est produit en France dans des salles prestigieuses (à Paris Cité de la Musique,Théâtre du Châtelet, Opéra Bastille, Salle Cortot, Salon des Invalides, au Palais des Papes d’Avignon, au Théâtre impérial de Compiègne, aux Basiliques de Vézelay et du Mont Saint Michel…) ainsi qu’à l’étranger (Suisse, Italie, Allemagne, Belgique, Indes, Japon, Philippines, Canada…).

Directeur artistique de l’évènement « Guitares à Dijon », il fonde en 2013 l’association « Cordes d’Or » afin de promouvoir son instrument sous toutes ses facettes.

Professeur titulaire d’enseignement artistique, il enseigne la guitare depuis 2009 au Conservatoire à Rayonnement Régional de Dijon, à l’Ecole Supérieure de musique de Bourgogne-Franche- Comté ainsi qu’en stages et masterclasses.

Olivier Pelmoine joue les instruments (guitares et théorbe) des luthiers Hugo Cuvilliez, Maurice Ottiger et José Miguel Moreno. Il est également soutenu par les cordes Savarez.

L’Ensemble 2e2m, fondé en 1972 par le compositeur Paul Méfano et aujourd’hui dirigé par le chef d’orchestre Léo Margue, est l’un des plus anciens et des plus prestigieux ensembles français consacrés à la création musicale d’aujourd’hui. Le sigle qui le désigne et qui signifie « études et expressions des modes musicaux » est devenu un acronyme – mieux, une devise garante de pluralisme et d’ouverture. L’Ensemble a créé plus de six cents partitions et révélé au public des compositeurs considérés aujourd’hui comme essentiels.

En résidence depuis sa création à Champigny-sur-Marne, l’Ensemble est un interprète incontournable des scènes nationales et internationales. Il est un compagnon fidèle et un interprète exigeant au service des compositeurs. Sans omettre l’éventail de tous les styles – classique, moderne et récent – 2e2m se veut dorénavant aussi acteur des nouvelles mixités artistiques.

• Site officiel de l’Ensemble 2e2m
• Voir le projet « SONGS »
• Voir le projet « Le chant des signes » 

 

Léo Margue, direction artistique

Invité par les principaux ensembles français de création musicale, Léo Margue reprend en 2022 la direction artistique de l’Ensemble 2e2m pour en assurer la continuité historique et la nouveauté, afin que la création artistique soit au cœur des attentes de tous les publics, d’aujourd’hui et de demain. Chef d’orchestre, pianiste et saxophoniste, Léo Margue a fait ses débuts en tant que chef assistant de trois orchestres français : l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre de Picardie et l’Orchestre national d’Île-de-France. Formé au Conservatoire national supérieur de musique de Paris dans la classe d’Alain Altinoglu qu’il intègre en 2013, il suit les master class de Mikko Franck avec l’Orchestre Philharmonique de Radio-France et de David Zinman avec l’Orchestre national de Lyon. Attiré par le théâtre et la danse, il collabore également avec Marc-André Dalbavie, Bertrand de Billy à l’Opéra national de Paris et travaille à plusieurs occasions avec le chorégraphe français de danse contemporaine et de hip hop Farid Berki. Chef assistant de Matthias Pintscher à l’Ensemble Intercontemporain de 2019 à 2021, il devient particulièrement actif dans le milieu de la création et s’intéresse aux interactions entre les musiques écrites et improvisées avec le projet LIKΣN aux côtés du compositeur/improvisateur Timothée Quost.